Galerija Uffizi u Firenci. Adresa i opis muzeja. Galerija Uffizi u Firenci (Galleria degli Uffizi) Palata Uffizi u Firenci

"Cvijet Toskane" se u antičko doba zvao Firenca. Čak i među ostalim gradovima u Italiji, bogatim istorijskim i umjetničkim spomenicima, ovaj procvat grad s pravom se smatra riznicom umjetnosti. Ukrašena je besmrtnim kreacijama Giotta, Michelangela, Brunelleschija, Cellinija i mnogih drugih velikih arhitekata, kipara i slikara.

Drevne firentinske palače, crkve sa freskama poznatih umjetnika, muzeji sa svojim zaista neprocjenjivim blagom dugo su privlačili poznavaoce umjetnosti iz cijelog svijeta. Za same Italijane, Firenca je simbol renesanse. Pre nekoliko decenija, istorijski centar Firence bio je zatvoren za automobile. Ulice su vraćene u prvobitni šarm, postalo je lakše zamisliti kako su pored ovih kuća prolazili Leonardo da Vinci i Michelangelo, nesalomivi dominikanski monah Savanarola hodao je u gomili fanatičnih obožavatelja... Nažalost, neumoljivo vrijeme je uništilo kamen u Duomu Trg, na kojem je volio sam, sjedi veliki Dante. Ali svaki Firentinac vam može pokazati ovo mjesto...

Već u antici mnogi su Firencu smatrali najsavršenijim od svih gradova. Na primjer, Leonardo Bruni je napisao u pohvalnoj riječi gradu: „U njemu nema ničeg neurednog, ničeg neprikladnog, ničeg nerazumnog, ničeg nerazumnog; sve ima svoje mjesto, i to ne samo striktno definisano, nego i primjereno i neophodno. Firentinci su svoj grad veličali ne samo riječima, ne samo pisanjem pohvalnih poruka. Preobrazili su njegove zgrade, trgove i ulice i slavili praznike sa neviđenim luksuzom. Sredinom XIV vijeka mnoge porodice s neiscrpnom energijom i poslovnim duhom (Strozzi, Alberti, itd.) izbile su na površinu urbanog života Firence. Među njima se istakla porodica Medici, koja je u prošlosti bila iscjelitelji (ovo znači njihovo prezime). Ali sredinom 15. vijeka, bankarska kuća Medici postala je jedna od najbogatijih i najutjecajnijih u Firenci. UVFICI, u Firenci, jedna je od najreprezentativnijih umjetničkih galerija u Italiji. Smješten u zgradi sagrađenoj za državne urede 1560-1585. arhitekte G. Vasari i B. Buontalenti. Osnovan 1575. godine na osnovu zbirki porodice Mediči. Galerija čuva najbogatiju kolekciju italijanskog XIII-XVIII vijeka na svijetu. (radovi Duccia, Giotta, P. Uccello, Piero della Francesca, S. Botticelli, Leonardo da Vinci, Raphael, Tizian i dr.) i evropsko slikarstvo, djela antičke umjetnosti, jedinstven izbor autoportreta evropskih umjetnika. Galerija Ufici (tal. Galleria degli Uffizi) je palata ili, kako je još zovu, palazzo u Firenci, Italija, gde se nalazi jedan od najstarijih i najpoznatijih muzeja na svetu. Galerija Uffizi nalazi se u srcu Firence. Na sjeveru se zgrada graniči sa Palazzo Vecchio i Piazza della Signoria, dok njena južna strana gleda na nasip rijeke Ario i Poite Vecchio.
Istorija Ufizija počinje u julu 1559. godine, kada vladar Firence, Kozimo I Mediči, planira da ujedini sve administrativne službe grada u zajedničku prostranu palatu. Za realizaciju projekta pozvan je majstor Giorgio Vasari, koji je počeo sa radom 1560. godine. Međutim, Vasari je umro 1574. godine, a njegov nasljednik Bernardo Buontalenti završio je izgradnju. Od 1575. godine počelo je formiranje muzeja u zgradi Uffizi - njegova osnova bila je zbirka porodice Medici

„Portret Bia Medici

kći Kozima I", 1542 Galerija Uffizi, Firenca

Portret Kozima I Medičija u oklopu, 1545

Kozimo Mediči ušao je u istoriju pod imenom Starac, a iako nije bio mnogo učen, bio je prijatelj obrazovanja i umetnosti. Portret ovog nekrunisanog vladara Firence, koji je naslikao umjetnik Pontormo, visi u poznatoj galeriji Uffizi. Cosimo de' Medici je prikazan u mirnoj pozi. Sjedi u fotelji prekriženih ruku i blago pognute glave okrenute na stranu prema gledaocu. Kod glave porodice Mediči nema ničeg ceremonijalnog ili teatralnog: on nosi običnu crvenu haljinu sa praznim ovratnikom i širokim rukavima. Portret prikazuje mršavog i sredovečnog muškarca, na čijem se inteligentnom i energičnom licu vidi tuga, a prsti čvrsto stisnuti. Čini se da je pun misli i briga, a život mu je daleko od spokoja i blaženstva. Zrno galerije Uffizi sastavljeno je u 15. veku upravo pod ovim čovekom - Cosimo de Medici Starijim, kojeg su nazivali i "ocem otadžbine". Bio je prvi od Medičija koji je svojim novcem počeo namjerno skupljati slike i skulpture kako bi ukrasio i svoje palate i grad. Njegovi nasljednici su kasnije slijedili njegov primjer, obogativši kolekciju. Temelj galerije postavio je Franjo I, koji je od pape Pija V dobio 26 drevnih statua, koje je papa prepoznao kao opscene za Vatikan. Isprva su se sve zbirke nalazile u dvorcu porodice Medici - Palazzo Riccardi, ali u eri burnih istorijskih događaja mnoga prikupljena blaga su umrla ili pala u pogrešne ruke. Kao arhitekta, Cosimo je pozvao Giorgia Vasarija, dozvolivši mu da sruši stare kvartove u blizini Piazza della Signoria, a fragmente porušenih kamenih zgrada iskoristi u izgradnji. Radovi su obavljeni na brzinu, ali ni Cosimo ni Vasari nisu vidjeli gotovu zgradu. Izgradnja je završena 1580. godine; zgrada Uffizi imala je dugačak U-oblik, ostavljajući usku fasadu prema rijeci. Nije bio sasvim originalan, jer je uključivao nekoliko ranih građevina. To uključuje crkvu San Pietro Sceragio i kovnicu novca, koja je kovala prve zlatne florine 1252. godine. Dizajnerske radove u Uffiziju izveli su poznati umjetnici (uključujući Allori, Bizzelli i Pieroni). Viseća bašta bila je postavljena iznad loggia dei Lanzi, a na drugom spratu je postavljeno pozorište. Gradnju palate započeo je 1560. godine arhitekta Giorgio Vasari za Cosimo I de Medici kao mjesto sastanka firentinskog magistrata, otuda i naziv - ufizzi, što znači kancelarija. Izgradnja je završena 1581. Vasari, inače, nije bio samo arhitekta, već i umjetnik, pa je isticao perspektivu dužine hodnika, ukrašavajući fasadu dugim krovnim vijencima. Godine su prolazile, palata je postala omiljeno mjesto za demonstraciju slika i skulptura koje je prikupila ili otkupila porodica Medici. Nakon propadanja kuće Medici, umjetnički dragulji su ostali u Firenci, formirajući jedan od prvih modernih muzeja. Galerija je otvorena za javnost od šesnaestog veka, ali je zvanično otvorena za javnost tek 1765. godine, pošto ju je poslednji predstavnik porodice Mediči u potpunosti ustupio stanovnicima Firence. Osnovu muzejske zbirke čine umjetnička djela koja su naručili ili nabavili članovi porodice Medici. Tako je, na primjer, Ferdinando I svojevremeno kupio Medičijevu Veneru, najpoznatiju statuu u kolekciji skulptura dostupnih u galeriji Uffizi. Ovdje je također prenio svo blago iz svoje rimske vile. Ferdinand II je kolekciji dodao zbirku slika koje je naslijedio. Kardinal Leopoldo je također doprinio stvaranju muzeja sa veličanstvenom zbirkom crteža i autoportreta raznih umjetnika. Godine 1737, nakon smrti posljednjeg Medičija, sva ova blaga postala su vlasništvo grada Firence.
U 18. veku galerija Ufici je postala javni muzej. 1730-ih godina, grupa naučnika je sastavila detaljan (desetotomni) inventar umjetničkih djela pohranjenih ovdje. Godine 1769. muzej je dobio prvog direktora. Nova uprava je uložila energične napore, pokušavajući da prikupi remek-djela dinastije Mediči razbacana po različitim vilama. Književnica Madame de Stael, koja je posjetila galeriju 1807. godine, zabilježila je: „Odnos prema likovnoj umjetnosti u Firenci je vrlo demokratski. Generalno, svaki član porodice Medici dao je ogroman doprinos galeriji Uffizi. Konkretno, Leopold je preuzeo kolekciju autoportreta - njegov glavni dobavljač bila je Akademija Svetog Luke, gdje je nabavio mnoge slike. Mudrost porodice Mediči sastojala se u pravednoj proceni umetnosti: oni su nabavili ne samo slike starih majstora, već su dali i veliki uticaj na svoje savremenike. Poznato je da su opatije, u kojima je bilo vrijednih zbirki, same informirale vojvode o prisutnosti remek-djela i spremno ih prodavale. Medici su također bili pokrovitelji mnogih umjetnika. Ogromna zbirka predmeta u galeriji Uffizi bila je razlog da se velika djela, poput statua, prenesu u druge firentinske muzeje (Bargello i drugi). U sklopu proširenja muzeja 2006. godine otvorene su dodatne prostorije, a izložbena površina je povećana sa 6 hiljada kvadratnih metara na 13, što je omogućilo posjetiocima da iz prve ruke vide ono što je do sada bilo samo u trezorima.
U 18. veku galerija Ufici je postala javni muzej. 1730-ih godina, grupa naučnika je sastavila detaljan (desetotomni) inventar umjetničkih djela pohranjenih ovdje. Godine 1769. muzej je dobio prvog direktora. Nova uprava je ulagala energične napore, pokušavajući da prikupi remek-djela dinastije Mediči razbacana po različitim vilama: Giotto, Botticelli, Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo (u Uffiziju je čuveni tondo sa likom Svete porodice je pohranjeno - jedino veće slikarsko djelo izbezumljenog vajara izvan Sikstinske kapele), Karavađa, Ticijana... Da ne spominjemo veličanstvene primjere umjetnosti antike, kao i djela (najbolja!) Francuza, Nemački holandski, flamanski umetnici... Najbolji umetnici, najbolji radovi.
1993. godine, bomba je eksplodirala na Via dei Georgofili, koja je oštetila dio palate i odnijela smrt petoro ljudi. Najveća šteta pričinjena je dvorani Niobe, čiji je neoklasični dekor i klasične skulpture restaurirane, a većina fresaka je podložna restauraciji. Razlog za ovaj vandalski čin je ostao nejasan, pripisuje se aktivnostima italijanske mafije.

Brunswick Monogrammist

Na prvom spratu nalazi se zbirka portreta starih i modernih majstora, koje su sami naslikali. Osnovu ove dragocjene kolekcije postavio je kardinal Leopold Medici, koji je većinu portreta otkupio na Akademiji Svetog Luke u Rimu, a zatim nabavio portrete antičkih majstora i umjetnika svog vremena. Tako je nastala divna zbirka portreta Mikelanđela, Leonarda da Vinčija, Rafaela, Đulija Romana, Veronezea, Tintoreta, Ticijana i drugih majstora slikarstva. Od stranih umjetnika ovdje su zastupljeni Albrecht Durer, Rubens, Rembrandt, Van Dyck, Velasquez i drugi slikari. U galeriji Ufici, pored njihovih portreta, nalazi se i „Autoportret” Karla Brjulova. Još prije Peterburga, njegova slika “Posljednji dan Pompeja” odjeknula je u Italiji, gdje su za njom poludjeli historijski slikar Komuči i engleski pisac Walter Scott i gdje je i sam Brjulov dobio kraljevske počasti. Da biste došli do same Galerije, potrebno je popeti se širokim, ali prilično strmim stepenicama na gornji kat. U dugačkom nizu sala smeštene su svetski poznate zbirke slika, statua, bronze, kameja, kovanog novca, medalja, crteža i grafika iz različitih vekova. U prvom delu ogromnog hodnika, koji sa tri strane obuhvata ceo muzej, nalazi se niz izuzetno zanimljivih slika.

Maria Teresa Valabridge

Ovdje su djela imitativnog ikonopisa srednjeg vijeka, te niz sumornih svečanih Madona na zlatnoj podlozi, u crveno-plavim odjećama i sa velikim očima... U istom hodniku bogato je predstavljen 15. vijek - obje najbolji majstori i srednji umjetnici. Na sredini hodnika su blago otvarajuća vrata, presvučena platnom i kožom. Vodi do poznate Tribune, centralnog dijela muzeja. Ova nevelika prostorija je odozgo osvijetljena i sadrži najdragocjenije skulpture Galerije i slike iz raznih zemalja, škola i vremena.

1508. Vitez i štitonoša Na prvom spratu nalazi se zbirka portreta starih i modernih majstora, koje su sami slikali. Osnovu ove dragocjene kolekcije postavio je kardinal Leopold Medici, koji je većinu portreta otkupio na Akademiji Svetog Luke u Rimu, a zatim nabavio portrete antičkih majstora i umjetnika svog vremena. Tako je nastala divna zbirka portreta Mikelanđela, Leonarda da Vinčija, Rafaela, Đulija Romana, Veronezea, Tintoreta, Ticijana i drugih majstora slikarstva. Od stranih umjetnika ovdje su zastupljeni Albrecht Durer, Rubens, Rembrandt, Van Dyck, Velasquez i drugi slikari.
U galeriji Ufici, pored njihovih portreta, nalazi se i „Autoportret” Karla Brjulova. Još prije Peterburga, njegova slika “Posljednji dan Pompeja” odjeknula je u Italiji, gdje su za njom poludjeli historijski slikar Komuči i engleski pisac Walter Scott i gdje je i sam Brjulov dobio kraljevske počasti. Da biste došli do same Galerije, potrebno je popeti se širokim, ali prilično strmim stepenicama na gornji kat. U dugačkom nizu sala smeštene su svetski poznate zbirke slika, statua, bronze, kameja, kovanog novca, medalja, crteža i grafika iz različitih vekova. U prvom delu ogromnog hodnika, koji sa tri strane obuhvata ceo muzej, nalazi se niz izuzetno zanimljivih slika. Ovdje su djela imitativnog ikonopisa srednjeg vijeka, te niz sumornih svečanih Madona na zlatnoj podlozi, u crveno-plavim odjećama i sa velikim očima... U istom hodniku bogato je predstavljen 15. vijek - obje najbolji majstori i srednji umjetnici. Na sredini hodnika su blago otvarajuća vrata, presvučena platnom i kožom. Vodi do poznate Tribune, centralnog dijela muzeja. Ova nevelika prostorija je odozgo osvijetljena i sadrži najdragocjenije skulpture Galerije i slike iz raznih zemalja, škola i vremena.
Venera se šepuri u sredini Tribine, graciozno iskrena u svojoj gracioznoj golotinji. U njoj je sve jednostavno i slatko: i nježne crte lica i nježno tijelo. Njoj je stran dostojanstveni ponos boginje i koketnost svojstvena predstavnicima ljupkog ljudskog društva. Ova mlada prelijepa žena je “potpuno smrtna”, ali je okružena faunima koji su došli iz mitološkog svijeta, neodoljivo se prepuštajući veselom plesu, šarmantnom Apolonu, koji mami mekoćom i svježinom mladalačkih oblika. Samo sumorna figura roba koji strogo oštri nož, iako odlično izvedena, predstavlja disonantnost ovom živahnom i radosnom ansamblu.
U Tribini posjetitelji mogu vidjeti dvije Ticijanove Venere. Jedan, voljom autora, oličava idealnu lepotu ženskog tela: sjajno je, ali hladno. Drugi, sa rijetkim bogatstvom i kombinacijom boja, može se nazvati "istorijskim žanrom". Postoje dokazi da je pod maskom boginje ljepote Tizian portretirao Eleanor Gonzagu, ženu vojvode od Urbina Federigo da Montefeltrea, “najljepšu ženu u cijeloj Italiji”. U galeriji Uffizi nalazi se jedna od najpoznatijih slika na svijetu - "Rođenje Venere" Sandra Botticellija, prema riječima ruskog filozofa N. Berdyaeva, "najljepšeg, najuzbudljivijeg, poetskog renesansnog umjetnika i najbolnijeg ... ".
Otkako se sjeća, Botticelli je bio duboko nesretan i srećan u isto vrijeme. On, kako kažu, nije bio od ovoga svijeta. Sanjivo stidljiv, nelogičan u postupcima i fantastičan u presudama. Vjerovao je u uvide i nije brinuo o bogatstvu. Nije sagradio svoju kuću, nije napravio porodicu. Ali bio je veoma srećan što je uspeo da uhvati manifestacije lepote na svojim slikama. Pretvorio je život u umjetnost, a umjetnost je za njega postala istinski život, upravo u umjetnikovim slikama su „ljubav i strast preplavile“. Više od sunčevog zraka, Botticelli je vjerovao snopu svog oka, a kist mu je bio precizan i čvrst. Poput Petrarke i Dantea, njega privlači, obmanjuje i nadahnjuje Slika. Ovo je slika mlade, lijepe djevojke, voljene druge osobe (Giuliano Medici). Ona je sama Ljepota, kraljica svemoćne umjetnosti. I zato Botticelli sa tako bolnom strašću grije ruke na tuđoj vatri. I zato se za Simonetu Vespuči kaže da "nijedna žena nikada nije rekla". Botticelli kreira transparent za Giuliana de' Medicia kada učestvuje u nadmetanju. Pallas Atena je prikazana na transparentu, ali svi dobro znaju da je ovo Đulijanova voljena Simoneta, lepotica u beloj haljini. Ali život uništava ljepotu, sudbina slijedi ljubav, Simonetta umire od potrošnje. Njena smrt je duboka tuga za Botticellija, mnoštvo muka i patnje. U nastojanju da ih oslabi, umjetnik hvata sve i hvata Simonettu Vespucci na svojim slikama. On je oblači u prelepu odeću, ponižava njenu pletenicu od „bakrene“ kose biserima, pažljivo iscrtava blago prnjast nos, na njenim usnama označava tajanstveni osmeh zavođenja i tajanstven san. Njeno visoko čelo čini mu se kao vidovnjače, a detinjasto dirljiv izraz lica i očiju koje zrače nadom izazivaju strahopoštovanje od nežnosti.

Svi koji gledaju Rođenje Venere Sandra Botičelija dožive neopisivu draž. Pogledaj ovu Veneru, ovu stidljivu devojku, u čijim očima luta neka blistava tuga. Ritam kompozicije prisutan je u celoj slici - kako u pregibu mladog tela, tako i u pramenovima kose, tako lepo počupanih na vetar, i u opštoj konzistenciji njenih ruku, u podnožju, u okretanju glave i u figurama koje je okružuju. Na mnogim slikama Sandra Botticellija caruje ova čedna gola žena, satkana od ritmova mekih linija, stidljivo prekrivajući grudi i grudi...
Slike su okačene na svih osam zidova Tribune. Raphael je ovdje predstavljen "Madonom sa češljugarom" - slikom koja dirne srce domišljatim, ali visokim duhovnim šarmom. Čista kao djevojčica, žena-majka, koja se još nije u potpunosti otkrila kao žena, obasjava te tihim sjajem vedrog jutra. Cijeli proljetni pejzaž polja prošaran cvijećem odgovara njegovoj slici. A slika firentinske katedrale sa dalekim plavim planinama daje cijeloj slici karakter intimnosti.


Pored "Madone sa češljugom" izložena su još dva Rafaelova djela - "Jovan Krstitelj" i "Portret pape Julija II".


U istoj prostoriji je izložena Mikelanđelova Sveta porodica. Kažu da je kupac ovu sliku prihvatio sa oklijevanjem. Zaista, ovo hirovito djelo "titana renesanse" izgleda potpuno strano religioznom sadržaju. Tribina sadrži i nekoliko slika na temu obožavanja magova. Umjetnici su voljeli ovu biblijsku priču, mnogi su joj se obraćali više puta. Evanđeosku priču o prinošenju darova trojice mudraca novorođenome Kristu neki su iskoristili da prikažu praznični spektakl bogato odjevene gomile; drugi su to vidjeli kao priliku da pokažu svijet ljudskog iskustva. Kod Sandra Botticellija, na primjer, slika je izgrađena tako da se u grupisanjima, pokretima i gestovima figura koje se gomilaju oko Marije s bebom vidljivo prenose najrazličitije nijanse živog osjećaja - od mirne, gotovo hladne radoznalosti. do olujnog uzbuđenja i ispoljavanja žarke ljubavi. U galeriji Uffizi takođe je izloženo Poklonstvo magova, koje je naslikao Leonardo da Vinči i naslikao Ghirlandaio.


Vojvoda i vojvotkinja od Urbina. Piero della Francesca
Galerija Ufici poseduje najbogatiju svetsku kolekciju italijanskih slika od 13. do 18. veka. (Naročito su zastupljeni radovi venecijanske i firentinske škole). Predstavljeni su lijepi primjeri antičke, francuske, njemačke, holandske, holandske i flamanske umjetnosti. Jedinstvena je i kolekcija autoportreta evropskih umjetnika koja se nalazi u Uffiziju. Portret Ferdinanda Magellana nepoznatog autora, Bondone iz 17. stoljeća (Ognissanti Madonna, 1310), Simone Martini (Blagovještenje, 1333), Paolo Uccello (Bitka kod San Romana, srednji dio Bernardino della Charda pada s konja, 1450-ih), Piero della Francesco (Portret vojvode Federika da Montefeltra i vojvotkinje Batiste od Urbina, 1465-1466), Fra Filippo Lippi (Madona i dijete s dva anđela, 1465), Sandro Botticelli (Proljeće, Rođenje Venere, Poklonstvo maga)), Hugo van der Goes ("Portinari Triptih", 1476-1479), Leonardo da Vinci ("Navještenje", 1472-1475, "Obožavanje maga", 1481), Piero di Cosimo ("Persej oslobađa Andromedu", 1515) , Albrecht Durer ("Obožavanje magova", 1504), Michelangelo ("Tondo Doni", 1503), Rafael ("Papa Lav X sa kardinalima Giuliom de Medici i Luigi de Rossi, 1518-1519), Tizian ("Venera od Urbino", 1538), Frančesko Parmiđanino ("Madona sa dugim vratom", 1534-1540), Karavađo ("Bakh", "Izakova žrtva", "Meduza"), Andrea Verokio ("Krštenje Hristovo", 1472-1475).

Osim galerije, u zgradi Uffizi nalaze se i druge važne zbirke: zbirka Contini Bonacossi, poklonjena muzeju, zbirka grafika i crteža koja sadrži skoro 120.000 grafičkih radova od kraja 14. vijeka do danas, tj. kao i poznati "Vasari koridor" (sagradio Vasari 1565.), koji povezuje Uffizi s Pitti palatom i sadrži značajnu zbirku slika iz 17. stoljeća i poznatu zbirku autoportreta Maesta. Giotto
Navještenje. Simone Martini Korišteni materijali za lokaciju

U divnom gradu Firenci ima mnogo onih koji oduševljavaju oči turista, ali i njeguju osjećaj za ljepotu. Jedna od ovih građevina - Galerija Uffizi (Galleria degli Uffizi) - nalazi se u centru Firence između trga Signoria (Piazza della Signoria) i mosta (Ponte Vecchio), dobrovoljno i nehotice privlačeći brojne turiste, od onih koji su slučajno zalutali. evo onima koji su u ovaj nevjerovatni grad došli posebno kako bi u potpunosti uživali u remek-djelima svjetske likovne umjetnosti koja su ovdje izložena.

Galerija Uffizi, koja se prostire na ukupno 13.000 kvadratnih metara, pruža očima običnih turista i istinskih poznavalaca umjetnosti jednu od najvažnijih i najvećih kolekcija, koja pokriva djela kako talijanskih tako i stranih umjetnika koji su djelovali od od 13. do 18. vijeka.

U muzeju možete lično uživati ​​u kreacijama svjetski poznatih majstora kao što su (Michelangelo), (Leonardo da Vinci), Sandro Botticelli (Sandro Botticelli), (Rafael), Rubens (Rubens), Rembrandt (Rembrandt) i mnogih drugih. Inače, Galerija Uffizi se s pravom može nazvati jednim od najstarijih muzeja na svijetu, koji je otvoren za posjetioce gotovo odmah nakon izgradnje u 16. vijeku.

Istorija galerije

Najpoznatija galerija u Italiji nalazi se u masivnoj zgradi čiji projekat pripada talentovanom arhitekti (Giorgio Vasari). Gradnja galerije Uffizi počela je još 1560. godine po ličnom nalogu, ali je predstavnik dinastije nikada nije mogao vidjeti u gotovom obliku: izgradnja zgrade je završena dvadeset godina kasnije, nakon smrti Cosima.

Vrijedi napomenuti da su stručnjaci za završetak arhitektonskog projekta morali srušiti stare četvrti i rastaviti obližnje srednjovjekovne zgrade.

Međutim, kada je galerija Uffizi u potpunosti završena, postalo je jasno da sve žrtve nisu bile uzaludne. Jedan od najimpozantnijih muzeja u zemlji nalazi se na Piazza della Signoria u obliku latiničnog slova "U", okružen visećim vrtovima i umjetničkom galerijom. Autor projekta, Vasari, bio je pravi poznavalac umjetnosti, pa se pobrinuo za poseban dizajn gdje su platna trebala biti smještena.

Desetine godina nakon početka grandiozne gradnje, porodica Medici je konačno mogla da dovede ovde svoj ponos - jedinstvenu kolekciju slika i skulptura sakupljenih iz celog sveta. U Firencu su predstavnici velike dinastije poslali sva svoja umjetnička djela. Medičijevi su posebnu pažnju posvetili umjetniku Sandru Botticelliju, koji je, prema istoričarima, bio vrlo prijateljski nastrojen sa poznatom porodicom.

Galerija Uffizi do danas čuva njegove rijetke kreacije. U muzeju se nalazi jedna od njegovih najpoznatijih kreacija - "Rođenje Venere" (Nascita di Venere), koja se u red remek-dela koja su ovde izložena ušla tek sredinom 19. veka. Može se govoriti o raznovrsnosti prekrasnih slika koje su naslikali najpoznatiji umjetnici u istoriji čovječanstva i dugo izložene u Uffiziju.

Ipak, vrijedno je napomenuti da je dragulj cijele kolekcije Venera de Medici.

Za razgledanje brojnih slika bit će potrebno više od jednog dana. Srećom, svi radovi koji su ovdje pohranjeni smješteni su u više od 50 prostorija hronološkim redom. Zahvaljujući ovoj mudroj organizaciji moći ćete pratiti kako se umjetnost razvijala od 13. do 18. stoljeća i kako su se stilovi slikarstva i skulpture mijenjali od vizantijskog perioda do baroka.

Čim pređete prag muzeja, nađete se na pravoj raskrsnici: od ulaza u muzej vode tri vestibula. Prvi sadrži biste od mramora i porfira, drugi je ukrašen Giovanni da San Giovanni, treći sadrži rimske statue i sarkofage. Galerija Uffizi jednostavno osvaja ne samo umjetničkim predmetima koji su ovdje izloženi. Kakvo je unutrašnje uređenje jedne od najposjećenijih galerija u Evropi!

Korisne informacije

Ulaznice

Inače, milioni turista posjećuju ovu firentinsku znamenitost svake godine. I vi možete biti jedan od tih srećnika!

• Od 1. marta 2019. do 31. oktobra 2019. cijena pune karte za Uffizi: 20 € + 4 € prethodna rezervacija. Cene se mogu povećati tokom izložbi.
• Od 1. novembra 2019. do 28. februara 2020., cijena pune karte za Uffizi: 12 € + 4 € za prethodnu rezervaciju. Ipak, imajte na umu da se blagajna zatvara u 18:05.
• Zvanične online blagajne: webshop.b-ticket.com
  Provjerene pouzdane agencije za kupovinu karata u posljednjem trenutku: www.tiqets.com i www.getyourguide.ru - obično uzimaju malu proviziju, ali tamo, čak i u sezoni, postoje kvote.
• Grupni izlet u trajanju od 1,5 sata košta 57 eura/osobi, ulaznice uključene, provode se na engleskom, italijanskom, španskom, njemačkom ili francuskom jeziku.
• Ako idete u Uffizi na ruskom sa vodičem ITALIJA ZA MENE, on će vam pomoći da rezervišete, platite karte na licu mesta.

Kako biste izbjegli višesatno čekanje u redu u samom muzeju, možete rezervirati karte na italijanskom na +39 055 294883 (rezervacija 4 eura). Najpogodnije je posjetiti ovu firentinsku znamenitost nakon 14 sati, kada se završavaju sve školske ekskurzije

Adresa i radno vrijeme

Galerija Uffizi nalazi se na Piazzale degli Uffizi, 6, Firenze, Italija i može joj se pristupiti svaki dan osim ponedjeljka i 1. maja, od 8:15 do 18:50.

Kako do tamo

Do Galerije Uffizi možete doći javnim prevozom (stanica C1 Galleria Degli Uffizi - Farmacia Logge se nalazi pored nje) ili pešice ako ste već u centru grada. Usput, ako se i dalje osjećate puni energije nakon posjete predivnoj galeriji, pogledajte obližnje atrakcije Firence: i palatu Bargello (Bargello).

↘️🇮🇹 KORISNI ČLANCI I SAJTOVI 🇮🇹↙️ PODIJELITE SA VAŠIM PRIJATELJIMA

Bogat znamenitostima od svetskog značaja. Cijela atmosfera je prožeta istorijom, ovdje su šetali veliki majstori renesanse. Putevi Mikelanđela i Leonarda mogli su se ukrstiti na ulicama Firence (takav susret bi lako mogao da se završi temperamentnim okršajem, umetnici su se sukobili, a samo ih je vreme moglo pomiriti). Dante je voleo da meditira o kamenu koji je nekada stajao na trgu Duomo (nažalost, ova gromada nije sačuvana, šteta, ali ovde svi znaju gde je stajala). U ovim ulicama su se održavale i Savonarolove propovijedi.

Pravi biser Firence je galerija Uffizi, koja je sakupila mnoga velika umjetnička djela.

Firenca i njeni pokrovitelji

Firenca je, za razliku od mnogih antičkih gradova, oduvijek građena prema planu; slučajnost je ovom gradu u početku strana. Stalno unapređenje zgrada, ulica i trgova postalo je cilj mnogih stvaralaca graditeljskih cjelina. Naravno, takav odnos prema izgledu grada nije bez ozbiljnih materijalnih troškova, ali novac, po pravilu, nije bio u pitanju. Najbogatije firentinske porodice Alberti, Strozzi i mnoge druge nisu štedjele zlata, pokušavajući da stvore prekrasan okvir za ovaj biser Toskane, a da pritom ovjekovječe svoja imena.

Mediči, čiji su preci bili lekari, postali su prosperitetni bankari sredinom petnaestog veka. Njihove donacije bile su posebno izdašne, a zbirka slika i skulptura činila je osnovu budućeg velikog muzeja, kojim se Italija ponosi. Galeriju Uffizi osnovali su Mediči.

Izgradnja zgrade gradske uprave

Godine 1559., jedan od I (Senior), koji je tada vladao gradom, odlučio je da stvori centralizirano upravno tijelo i okupi cjelokupnu upravu u jednoj zgradi. Nije bio baš učen čovjek, iako je iskreno cijenio umjetnost, ali je na ideju o stvaranju galerije došao kasnije.

Zanimljivo je da je skulpture koje su označile početak zbirke Vatikan odbio, pa ih je poklonio Pije V. Tvrdnje crkvenog vrha nisu bile umjetnička zasluga radova, već činjenica da su kipovi prikazivali gole likove. , izgledalo je grešno. U početku su se sva ta blaga čuvala u porodici u palači Riccardi, koja je služila kao dvorac porodice Medici.

U međuvremenu, 1560. godine počelo je projektovanje prostrane palate, poverene čuvenom arhitekti Vasariju. Predviđeno je rušenje mnogih objekata, a njihovi fragmenti su dozvoljeni za izgradnju nove palače. Riječ "Uffii" sa italijanskog je prevedena kao "kancelarije" (u množini).

Arhitektonski projekti

Slučaj se odugovlačio, 1574. godine majstor je umro, a Buontalenti je morao dovršiti gradnju, koji je zadatak završio godinu dana kasnije. U to vrijeme, namjena zgrade se već promijenila, ali ime je ostalo isto, Galerija Uffizi. Firenca je bila obogaćena djelima velikih majstora i sakupljena od strane porodice Mediči, ali u početku su u njima mogli uživati ​​samo predstavnici plemstva. Deset godina se zgrada nastavljala dovršavati, na kraju je palata u planu ispala potkovičasta, sa pogledom na rijeku sa prozora uske strane. Arhitekte nisu digle ruku da unište neke antičke građevine (staru kovnicu novca i katedralu San Pietro Sceragio), već su ušle u opštu cjelinu. U to vrijeme su obje građevine bile stare već četiri stoljeća.

Formiranje galerije

Već pri kraju izgradnje, Vasari (a on je bio umjetnik, a ne samo arhitekta) bio je svjestan da ne gradi palatu za gradsku upravu, već galeriju. Ufizi je otvoren u šesnaestom veku, a perspektivne odluke arhitekte doprinele su najpovoljnijim uslovima osvetljenja za buduću izložbu. Godine 1737., prema oporuci kardinala Leopolda, posljednjeg iz porodice Medici, cjelokupna porodična zbirka postala je vlasništvo grada Firence. Vek kasnije, muzej je postao javan. Istovremeno, tridesetih godina XVIII vijeka sastavljen je prvi inventar zbirke, koji je zauzimao deset tomova.

autoportreti

Galerija Uffizi sakupila je mnoge autoportrete, antičke i moderne, koji se mogu koristiti za proučavanje epoha. Osnovu ove zbirke činio je niz djela Leopolda de Medičija, koji je služio kao kardinal, od rimske akademije sv. Luke, a zatim se redovno dopunjavala. Prvi sprat zgrade postao je mjesto izložbe portretnog slikarstva. Zahvaljujući ovoj kolekciji, savremeni ljudi mogu steći predstavu o izgledu i likovima velikih slikara, italijanskih (uključujući da Vinčija, Ticijana, Veroneza, Romana, Rafaela, Mikelanđela) i drugih zemalja (Dürer, Rembrandt, Rubens, Velasquez, Van Dyck i Karl Bryullov). Usput, o Bryullovu. Njegovi obožavatelji bili su Walter Scott i Commuci, divili su se Posljednjem danu Pompeja, slici koja je odjeknula u Italiji i prije trijumfa u Sankt Peterburgu.

Ali tu su i Giotto, i Caravaggio, i mnoga druga slavna imena...

Tribina Uficija

U galeriji se nalaze posebna vrata, presvučena kožom i platnom, koja vode do centralne izložbe, nazvane Tribina. Sala nije velika, osvijetljena staklenim lanternom na krovu i sadrži najistaknutija djela, uključujući skulpture i slike iz različitih epoha i škola. U središtu sobe sa osam zidova stoji Venera okružena rasplesanim faunima i Apolonom. Tu je i skulptura strogog roba koji oštri nož. Još dvije Venere, ovoga puta slikovite, pripadaju Tizianovom kistu. Vjeruje se da Tribune sadrži ono najbolje što galerija Uffizi može ponuditi: Rafaelove slike "Madona sa češljugom", "Portret pape Julija II" i "Jovan Krstitelj". Ovdje je Botičelijevo "Rođenje Venere" i nekoliko djela koja otkrivaju biblijsku temu obožavanja Maga (Ghirlandaio i Leonardo da Vinci), ali pravi dragulj je "Sveta porodica" titana renesanse od Michelangelo.

Uffizi gubici

Italija je iskusila mnoge prevrate i ratove tokom vekova, u kojima su stradali ne samo ljudi, već i umetnička dela. Mnogo puta je i galerija Uffizi pretrpjela gubitke. Firenca je bila na putu Napoleonovih armija. Zbirka je oštećena i djelimično opljačkana tokom neprijateljstava koja su se vodila 1943. godine, kada su nacisti okupirali zemlju, pokušavajući da spriječe napredovanje savezničkih snaga. Zatim je, nakon eksplozije gradskog vodovoda, donji sprat djelimično poplavljen. Teroristi koji su 1993. godine ubili petoro ljudi bombom i oštetili neprocjenjiva umjetnička djela u dvorani Niobe dodali su nevolje. Neke freske nisu mogle biti restaurirane.

Prije posjete ovoj divnoj kolekciji, korisno je dobiti neke informacije o tome koja su pravila i gdje se nalazi Galerija Uffizi. Fotografisanje i snimanje u salama, kao iu većini muzeja, zabranjeno je. Ovo nije hir administracije, već potpuno racionalna mjera koja je potrebna da bi se osigurala sigurnost slika. Ovdje je slobodan dan ponedjeljak, svim ostalim danima vrata su prijateljski otvorena od pola deset ujutru do sedam uveče, ali bolje je doći ranije, ima mnogo posjetitelja i stvaraju se redovi koji će trajati najmanje sat vremena (a ponekad i mnogo duže). Manje je ljudi zimi. Ulaznica košta 9 eura i 10 centi, ali na rođendan svi mogu ući besplatno. Isto važi i za prelepu polovinu čovečanstva, ali samo 8. marta (i ovde se slavi).

Nikakvo piće ne treba da nosite sa sobom, neće vas pustiti unutra. Ponude nekih preduzimljivih vodiča za izlete bez reda treba zanemariti. Grupa se okuplja dugo vremena, a to će trajati ne manje vremena nego stajanje u redu, a troškovi će se značajno povećati. Posetu je bolje rezervisati na internetu, moraćete da sačekate samo dvadesetak minuta, doplata je 4 evra, ali ne možete da kasnite.

Ruksak je najbolje ostaviti u hotelu, sa njim vas neće pustiti, a red za skladištenje je skoro isti kao i za kartu. Galerija Ufici ljubazno nudi za 8 evra veoma zgodnu stvar koja se zove audio vodič. Da biste ga preuzeli, potreban vam je depozit, bilo koji dokument sa fotografijom.

I nemojte imati za cilj da vidite sve u jednoj posjeti. To jednostavno nije moguće. Ako nema dovoljno vremena za višestruku posjetu, bolje je fokusirati se na najzanimljiviji pravac u umjetnosti, galerija Uffizi je bogata njima. Recenzije poznanika i prijatelja koji su bili ovdje pomoći će u tome.

Kako pronaći?

Muzejski kompleks je lako pronaći, dovoljno je da svaki lokalni prolaznik kaže dvije riječi: „Galerija Uffizi“. Adresa je jednostavna, Uffizi Square, Uffizi Palace. Zapravo, ispravno je reći tri riječi na italijanskom: “Galleria degli Uffizi”, ali oni će to tako razumjeti. Nalazi se u samom centru grada, s jedne strane most Ponte Vecchio, s druge Piazza Senoria. Najveći se nalazi na rijeci Arno.

> > > >

Jedan od najstarijih i najposjećenijih muzeja na svijetu. I, naravno, jedan od najpoznatijih. A s obzirom da su male grupe dozvoljene unutra, redovi na blagajni su ogromni i to u svakom trenutku. Muzej se nalazi u centru Firence, između reke i.

Galerija Uffizi u Firenci ima jedinstvenu kolekciju umjetnosti, uglavnom iz renesanse. Zbirka galerije sadrži slike najpoznatijih italijanskih umjetnika, uključujući imena Botticelli, Michelangelo, Leonardo da Vinci, Raphael, Tizian, Giotto, Caravaggio. Među remek-djelima izložbe - " Rođenje Venere» Botticelli (vidi gore), koji je postao simbol italijanskog slikarstva 15. stoljeća, « Ubrinski diptih" Pierro della Francesco (vidi dole) - jedan od najznačajnijih portreta renesanse, posebna soba (br. 15) posvećena je djelima Leonarda da Vincija, među kojima - " Krštenje Hristovo" i " Navještenje«.

Napomena: Prva nedelja u mesecu Ulaz u galeriju Uffizi je besplatan.

Posjeta galeriji Uffizi:

Galerija Uffizi je najpoznatiji i najpopularniji muzej u Firenci, tako da možete izgubiti dosta vremena u redu za ulaznice. Možete izbjeći gubljenje vremena u redu na vrelom toskanskom suncu ako kupite kartu putem interneta (ali morate platiti nešto više - 5,99 € i 10,00 €). Ne možete rezervisati kartu za "besplatni" dan (prva nedelja svakog meseca) - u ovom trenutku ulaz na ulaz se vrši po principu "prvi dođe, prvi uslužen" (koji su ovih dana još duži!) .

Cijene ulaznica za galeriju Uffizi:

Ako je galerija domaćin privremene izložbe, onda se cijena posjete privremene izložbe dodaje svakoj ulaznici. Dodatne naknade se ne mogu izbjeći.

Zvanična stopa za ulaznice u galeriju:

• Puna cijena - 8,00 €
• Koncesionar (Evropljani 18 - 25 godina) - 4,00 €
• Besplatno - mlađi od 18 godina

Od 26.09.2016. do 08.01.2017. - održat će se privremena izložba, pa će ulaznica koštati 12,50 € (puna) ili 6,25 € (snižena).

Cijene za online prednarudžbe(+doplata, koja se razlikuje u zavisnosti od lokacije):

• Standardna cijena - 12,00 €
• Privremene izložbe - +4,50 €
• Audio vodič - 7,53 €
• Besplatno za sve mlađe od 18 godina.
• Snižena karta - za državljane EU od 18 do 25 godina.

Radno vrijeme galerije Uffizi:

• Utorak - Nedjelja 8:15 - 18:50
• Ponedjeljak - zatvoreno
• Zatvoreno: 1. januara, 1. maja, 25. decembra.
• Praznici su obično otvoreni. Ako se praznik poklopi s ponedjeljkom, uprava sama odlučuje hoće li muzej otvoriti ili ne, ovisno o broju posjetitelja.
• Biletarnice se zatvaraju u 18:05. U 18:35 posjetitelji se mole da se okrenu i nastave prema izlazu.
• Od 31. marta do 27. septembra, galerija Uffizi radi do 22:00 sata. Biletarnice - do 21:05, sve počinje da se zatvara u 21:35.

UFFICI GALERIJA

Direct-Media, Moskva, 2016

Predgovor

Sredinom 16. vijeka slava Firence kao grada u kojem je cvjetala visoka renesansa postala je legendarna prošlost. Ali, kao što znate, sveto mjesto nikad nije prazno: lokalni umjetnički život nije nestao, samo je dobio drugačiji oblik. Umjetnost je ušla u muzej. Međutim, tadašnji firentinski vladar imao je ideju da proširi svoju rezidenciju. Ispostavilo se da on ispunjava volju sudbine, a ona je htjela da se u Firenci pojavi jedan od najpoznatijih muzeja na svijetu...

Do tog vremena Mediči su uspostavili vlast nad cijelom Toskanom. Cosimo I, predstavnik mlađe grane porodice Medici, odlučio je da izgradi zgradu u kojoj bi bile koncentrisane sve državne institucije. Otuda i naziv - "Uffizi", ili, moderno rečeno, "kancelarije". No, Firenca je imala sreće: obitelj bankara i trgovaca koja je njome vladala odlikovala su se po dvije osobine - Medičiji su s generacije na generaciju prenosili ljubav prema umjetnosti i dugo patronizirali umjetnike. Ponekad su i sami postali umjetnici, u širem smislu. Sredinom 16. vijeka Mediči su sakupili dobru zbirku, koja je, između ostalog, sadržavala i mnoga umjetnička djela, te su od samog početka odlučili da dio prostorija u Uffiziju daju za skladištenje.

Giorgio Vasari, čovjek različitih talenata (bio je i slikar i istoričar umjetnosti), pozvan je kao arhitekta planirane zgrade. A 1560. godine, između trga Signoria i rijeke Arno, započela je izgradnja zgrade u obliku slova U. Trebalo je da se sastoji od dva krila i prelaza između njih. Ali ansambl je uključivao i zgrade koje su već postojale na odabranom mjestu, uključujući i Loggia dei Lanzi s pogledom na trg, koji je bio namijenjen za sastanke i prijeme.

Ispostavilo se da je zgrada ogromna, a kako bi je diverzificirao i istovremeno je kompoziciono ujedinio izvana, Vasari je osmislio arhitektonski modul koji se ponavljao na cijeloj fasadi: trijem s pilastrima na bočnim stranama - na prvom spratu i tri prozora iznad njega - na drugom. Dio koji je spajao oba krila Uffizija bio je isječen velikim prolaznim lukovima koji su svjetlošću ispunjavali uski prostor između dva krila. Ispostavilo se i da je to zanimljivo dizajnirana fasada koja gleda na rijeku Arno. Kolekcije Medičija su brzo rasle, pa je Cosimov sin Francesco I odlučio proširiti izložbeni prostor u Uffiziju. Naredio je da se sa drugog sprata zgrade uklone administrativne institucije, a da se na njihovom mestu urede sale za antičke statue. Za njih je Bernardo Buontalenti, koji je radio u Uffiziju nakon Vazarijeve smrti, stvorio dugačku galeriju sa svodovima oslikanim "groteskama" - životinjskim i biljnim ornamentima. Sličan ukras krasio je Neronovu "Zlatnu kuću" - drevnu građevinu, čije su ruševine otkrivene tokom renesanse. Osim toga, Buontalenti je izgradio takozvanu Tribinu - osmougaonu dvoranu sa visokim prozorima, njen prototip je bila čuvena Kula vjetrova u Atini. Ovo pozivanje na antiku takođe je bilo svojevrsno okupljanje.

Za vrijeme Ferdinanda I, koji je vladao nakon svog brata Francesca, u Uffiziju su se pojavile radionice umjetnika, vajara, draguljara, pozlata, kamenorezbara, minijaturista i proizvođača porculana. Istovremeno je uređena i „Dvorana geografskih karata“ na čijim zidovima su iscrtane karte, a u centru je postavljen globus i „Sala matematike“ u kojoj su postavljeni naučni instrumenti. U ostalim prostorijama izloženo je oružje i oklop, gravirano ukrasno kamenje i portreti. Kao što vidite, Mediči su sakupljali sve što je imalo umjetničku, istorijsku ili naučnu vrijednost, ili čak samo oku ugodno. Stoga je u početku Uffizi spojio umjetničku galeriju i kabinet zanimljivosti.

Jedan od glavnih događaja u istoriji muzeja u nastajanju desio se 1591. godine: zbirka je otvorena za posetioce iz najviših krugova društva. Galerija Uffizi se aktivno popunjavala umjetničkim djelima koja su slali članovi vladajuće porodice koji su živjeli izvan Firence, na primjer, francuske kraljice Katarina i Marija Mediči. Iz crkava i manastira, slike su počele da se odnose u Uffizi, ponekad ih zamjenjujući kopijama.

Ali prvi od Medičija, koji je počeo vješto skupljati slike i crteže, bio je Ferdinandov brat, kardinal Leopoldo: dobro upućen u umjetnost, sakupljao je slike i grafike kako bi određene umjetničke škole i razdoblja bile predstavljene što potpunije. Za vrijeme vladavine Leopolda u zapadnom krilu postavljene su zbirke autoportreta, crteža, porcelana, medalja i bronze. Osim toga, u Uffiziju je otvorena Fonderia, gdje su se proizvodili parfemi i lijekovi, a izlagali su prirodni rariteti: rog nosoroga, nojevo jaje, balzamirane životinje.

1737. umro je posljednji vladar porodice Mediči, Gian Gastone. Iste godine, njegova sestra Anna-Maria potpisala je dokument prema kojem je Uffizi sa svim zbirkama otišao iz Firence i proglašen javnim muzejom, a ne samo “za svoj”. Jednom je Lorenco Veličanstveni Mediči, jedan od najpoznatijih predaka onih koji su uređivali ovu galeriju, i sam pokrovitelj umjetnosti, napisao u svojoj pjesmi o idealnom vladaru: „Bogatstvo, sjaj, sve što priliči Moći, nije njegovo, dio naroda... » I tako se dogodilo.

Prvi posjetioci, kako kažu, "s ulice" pojavili su se u hodnicima muzeja 1769. godine. Za kustosa galerije Uffizi imenovan je Luigi Lanzi, koji je krenuo u sređivanje cijele zbirke, a posebno na postavljanje izloženih slika. prema hronologiji i slikarskim školama. Zatim, pod Ferdinandom III od Lorene, kada je Tommaso Puccini postao direktor muzeja (koji je sačuvao remek-djela koja su osvajači mogli ponijeti u Pariz tokom invazije na Italiju), u Galeriji je izgrađen stakleni krov tako da je prirodna svjetlost prodirala u prostorije. , a pločice s imenima postavljene su u blizini slika umjetnika i datuma nastanka djela.

Već u 19. veku postalo je jasno da je jednostavno nemoguće sve što je skupljeno tokom dugih godina postojanja smestiti u jedan muzej. Odlučeno je da se iz zbirke ukloni većina antičke umjetnosti, nakita, naučnih instrumenata, svo oružje i na njihovoj osnovi stvore novi muzeji. Uffizi je, s druge strane, postao umjetnička galerija, koja uglavnom čuva slike, a prate ih statue i umjetnička i zanatska djela.

Započelo je ozbiljno proučavanje slika predstavljenih u kolekciji i njihova restauracija. Posljednje prostorije, koje su još uvijek bile u posjedu nekih državnih institucija, ispražnjene su i predate eksponatima.

Općenito, kao što su preci Italijana - stari Rimljani, rekli, "vita brevis, ars longa", što znači "život je kratak, umjetnost je vječna".

UMJETNOST STARE GRČKE I STAROG RIMA

Venus Medici
KLEOMENA, APOLODOROV SIN

Ova mramorna kopija izgubljenog grčkog originala iz helenističke ere nalazila se u papinskoj zbirci umjetnina u Rimu, a nabavila ju je zbirka Medici, pa otuda i ime. Kip pripada tipu "Afrodite iz Knida" ili "Venera stidljiva", koja rukama prikriva svoju golotinju.

Prekrasno cvjetno tijelo boginje koje izranja iz morske pjene fino je razradio vajar. U cijelom izgledu Venere, a ne samo u njenom gestu, osjeća se drhtavi strah: činilo se da se iznutra malo stisnula i stala. Iz činjenice da mermerno "meso" izražava stanje lika, skulptura deluje kao da je živa, diše. Džordž Gordon Bajron je pisao u Hodočašću Čajlda Harolda o ovoj statui:

Gledaš, ne možeš da se oprostiš od nje,
Došao si kod nje - i nema povratka!
U lancima iza trijumfalne kočije
Slijedite umjetnost, jer ste zarobljeni.

UMJETNOST STARE GRČKE I STAROG RIMA:

• Torzo kentaura (Torso Gaddi)
• Portret Cicerona

Torzo kentaura (Torso Gaddi)
1. vek pne e. Mramor. Visina 153

Fragment statue koji prikazuje kentaura sa rukama sklopljenim na leđima bio je u vlasništvu porodice Gaddi, pa otuda i njegovo ime. Ovo je primjer helenističke umjetnosti, a pripada takozvanoj Pergamonskoj školi, čiji su vajari izradili "Pergamonski oltar" sa scenama bitke bogova i titana.

Torzo je pun snage, a ujedno je toliko razrađen da mišići "igraju" ispod kože. Oštar okret tijela ispunjava ga izražajnim pokretom, čiji se valovi osjećaju čak i na daljinu. Ova skulptura je utjecala na mladog Michelangela Buonarrotija, italijanskog vajara i slikara čije likove odlikuju snažna, mišićava tijela.

Portret Cicerona
Sredina 1. veka. Mramor. Visina 74

O Marku Tuliju Ciceronu, rimskom filozofu, govorniku i političaru koji je živeo u 2.-1. veku pre nove ere, Plutarh je napisao: „U to vreme, kada je pohlepa cvetala... Ciceron je dao jasne dokaze o svojoj ravnodušnosti prema dobitku, svojoj ljudskosti i integritetu ” .

Posvećenost rimskih kipara realizmu pomogla je nepoznatom majstoru ne samo da istinito utjelovi izgled Cicerona, već i da pokaže unutrašnje stanje ove osobe. Mramorna bista prikazuje ga kao sredovečnog i umornog, uhvaćenog u teškom periodu svog života. Ciceronovo čelo, kojeg Plutarh opisuje kao veselog čovjeka, ovdje je namršteno, oči su mu usredotočene, a usne stisnute. Stiče se utisak da u sebi vodi dijalog sa zamišljenim protivnikom, ili se možda svađa sam sa sobom.

Vrsta skulpturalne biste, uobičajena u rimskoj umjetnosti tog vremena - zaobljena pri dnu, s togom položenom u razne nabore, na okruglom postolju - pomogla je da se prikazano uzvisi, uprkos svim osobinama osobe koje je skulptor isticao.

ITALIJANSKA UMJETNOST: PRIJE XVI VEKA

Proljeće. Fragment
SANDRO BOTTICELLI
Oko 1478. Tempera na drvu. 203x314

Procvat slikarstva Sandra Botticellija došao je u vrijeme kada se na Medičijevom dvoru zbližio s krugom humanista - pjesnika, pisaca, filozofa, umjetnika. Lorenco Veličanstveni, vladar Firence, pisao je poeziju i bio pokrovitelj umjetnosti. Za vilu njegovog rođaka Lorenza di Pjerfrančeska Medičija naručena je ova slika kompleksnog filozofskog i poetskog sadržaja.

"Proljeće" odražava tri neodvojiva pravca u kojima se razvijala umjetnost i filozofija firentinskih humanista: antički, kršćanski i dvorski. Od antike ovdje su likovi i motivi mitova. Desno, Zefir, topli zapadni vjetar, otima Hlorisu, grčku nimfu polja i cvijeća, koja se pretvara u Floru, prikazanu upravo tamo, već rimsku boginju, koja obasipa cvijeće po zemlji. Na lijevoj strani - tri milosti, koje personificiraju čednost, ljubav i zadovoljstvo. Merkur, rastjerujući oblake, stojeći pod krošnjama narandžinih stabala, šalje maštu gledaoca na mit o Parizu i njegov izbor najljepše od boginja, kojoj je kao pobjednicu poklonio jabuku. Ova boginja, Afrodita, ili kako su je stari Rimljani zvali, Venera, nježno stupa na tepih od bilja i cvijeća u središtu slike. Iznad njene glave je Kupidon sa lukom, koji cilja na jednu od gracioznosti.

Kršćanska tema se ovdje manifestira u činjenici da glavni lik liči na Madonu, čija ruka kao da blagosilja sve. U ovoj heroini blista i kult “lijepe dame”, inspiratorke pjesnika. Ova dvorska osjećanja su procvjetala u krugu Lorenza Veličanstvenog. Slika je naslikana ubrzo nakon smrti voljenog brata Lorenca, Đulijana de Medičija, prelepe Simonete Vespuči. Venera liči na njeno lice. Sam Merkur liči na Đulijana, u kome se prepoznaje i sveti Sebastijan, hrišćanski mučenik.

Ovaj rad, u kojem su se spojili različiti motivi, označio je važan zaokret ka slikarstvu, koje nije podložno nikakvim kanonima. U njemu se već vidjela samo duša umjetnika i njegova volja. Ruski likovni kritičar Pavel Muratov napisao je o Botticelliju: "On je bio prvi koji je susreo jutarnju maglu novog i dugog dana u istoriji svijeta pod jedinim zastavom čiste umjetnosti."

ITALIJANSKA UMJETNOST (PRIJE XVI VEKA):

• Madona s Djetetom s anđelima (Ognisanti Madonna). DUCCIO DI BUONINSEGNA
• Navještenje. SIMONE MARTINI
• Dovođenje u hram. AMBROGIO LORENZETTI
• Adoration of the Magi. GENTILE DA FABRIANO
• Bogorodica s Djetetom sa Svetom Anom i anđelima. MASOLINO DA PANICALE,
  MASACCIO
  
• Marijino krunisanje. FRA BEATO ANGELICO
• Bitka kod San Romana. PAOLO UCCELLO
• Triptih sa klanjanjem mudraca, obrezanjem i uznesenjem. ANDREA MANTENA
• Herkul i Hidra. ANTONIO POLLAIOLO
• Portreti Federika da Montefeltra Urbinskog i Batiste Sforce. PIERO DELLA FRANCESCA
• Krštenje Hristovo. ANDREA VERROCCHIO, LEONARDO DA VINCI
• Adoration of the Magi. LEONARDO DA VINCI
• Navještenje. LEONARDO DA VINCI
• Adoration of the Magi. SANDRO BOTTICELLI
• Rođenje Venere. SANDRO BOTTICELLI
• Madona s Djetetom s anđelima (Madonna del Magnificat). SANDRO BOTTICELLI
• sveta alegorija. GIOVANNI BELLINI
• Pieta. PIETRO PERUGHINO

Madona s djetetom s anđelima (Madonna Rucellai)
DUCCIO DI BUONINSEGNA
1285. Drvo, tempera. 450x290

Duccio di Buonisegna, umjetnik iz grada Siene, unio je dekorativnost i eleganciju francuske gotike u vizantijski stil pisanja, koji je vladao u savremenom italijanskom slikarstvu. Ovu oltarnu sliku naručila je Marijina zajednica za kapelu u firentinskoj crkvi Santa Maria Novella, a u 16. stoljeću je prebačena u drugu kapelu, Rucellai, po kojoj je i dobila današnje ime.

Slika Bogorodice s Djetetom na tronu, postavljena na zlatnu podlogu, prati vizantijsku tradiciju. Ali blještavilo boja, njihova svečanost, kao i hirovite linije Bogorodičinog ogrtača, posebno zlatni obrub na Njenom ogrtaču, rezultat su „gotičkog uticaja“. A u pojavama svih ovdje predstavljenih likova, do anđela, koji pažljivo spuštaju tron ​​s neba, mogu se osjetiti novi trendovi realnijeg slikarstva tog vremena. Ducciova umjetnost, iako oprezno, već je nagovijestila renesansu.

Madona s djetetom s anđelima (Ognisanti Madonna)
GIOTTO (GIOTTO DI BONDONE)
Oko 1306–1310. Drvo, tempera. 325x204

Ova velika Giottova oltarna slika, koja prikazuje Bogorodicu i Dete okružene anđelima i svecima („ognisanti“ na italijanskom znači „svi sveci“), izrađena je u tradiciji 11.-13. Tada je italijansko slikarstvo bilo pod snažnim vizantijskim uticajem, ali je umetnik doneo nešto sasvim novo u srednjovekovni slikovni kanon.

Madona sjedi na tronu ne strogo u sredini i prikazana je napola okrenuta. Giotto je naslikao njenu figuru na takav način da izgleda veličanstveno i voluminozno, to je naglašeno plastičnim naborima ogrtača. Uvjetna zlatna pozadina, koja simbolizira nebo, ovdje je spojena sa dubinom prostora, izraženom kroz arhitekturu prijestolja - njegove stepenice i baldahin. Majstor se fokusirao i na emocije likova, prikazujući anđele i svece kako pobožno podižu svoje glave i sa duhovnim strahopoštovanjem gledaju u Majku Božju s Djetetom.

Navještenje
SIMONE MARTINI
1333. Drvo, tempera. 265h305

U djelu Simone Martini, predstavnika sijenske škole, obilježja kasne gotike, s njenim dekorativnim efektom i izduženim gracioznim tijelima, spojena su s obilježjima protorenesansnog slikarstva.

"Navještenje" umjetnik je napisao za oltar svete Ansanije u katedrali u Sieni. Lik Marije se nazire na zlatnoj pozadini, simbolizirajući nebo, u suzdržanoj, glatkoj silueti. Hiroviti oblik lika arhanđela Gavrila - njegova krila koja još uvijek lete, ogrtač koji vijori iza - unosi osjećaj zraka i vjetra u prostoriju. Od nebeskog glasnika Mariji na slici dolaze riječi iz Jevanđelja: „Raduj se milosti puna, Gospod je s tobom“ (Luka 1,28), a ova tanka ligatura izgleda kao dio ukrasa koji crta i boji formu. Ovdje sve miluje oko: svijetla anđeoska krila i bijeli ljiljani koji stoje u vazi - simbol Marijine čistoće i čistoće, i linije, i kombinacija boja na slici.

Slike u središnjoj sceni su krhke, bestjelesne, kao da ih napuhuje planinski vazduh. U odnosu na njih, Sv. Ansanija i Sveta Julita, prikazani u bočnim dijelovima oltara, ispisani su obimnije, što je istraživače navelo na pomisao da li su djelo Lippo Memmija, čiji je potpis također ispod slike. . Međutim, umjetnikov učenik je najvjerovatnije samo pozlatio okvir, a Martini je sam naslikao svece i slikovitije ih prikazao kako bi naglasio nezemaljski duh prikazane scene.

Dovođenje u Hram
AMBROGIO LORENZETTI
1342. Drvo, tempera. 257x168

Sijenski majstor Ambrogio Lorenzetti kreirao je ovaj oltar, od kojeg je do nas došao samo središnji dio, za Sijensku katedralu.

Gotički interijer crkve - Lorenzettijeva radnja odvija se u katedrali za koju je oltar bio namijenjen - kombinira se sa "antičkim" skulpturama na fasadi, na primjer, s krilatim genijima koji podupiru vijenac. Svečanost prizora naglašena je jarkim, zvučnim bojama odjeće i arhitektonskih elemenata, a detaljni detalji su divno u skladu s ovom visokom harmonijom - haljina prvosveštenika, žrtveni golubovi u njegovoj ruci, kapiteli stupovi, mozaik koji ukrašava crkvu.

Starac Simeon drži dete Hrista u naručju i sa strepnjom prorokuje o Njemu, dok je Marija, čuvši njegove reči, tužna i zaokupljena sobom. Svi ostali likovi koji slušaju starijeg također su obdareni vlastitim emocijama. Ta želja da se izraze osjećanja prikazanih, da se njihove figure napišu u dovoljnom obimu bila je nesumnjivi znak približavanja renesanse.

Adoration of the Magi
GENTILE DA FABRIANO
1423. Drvo, tempera. 303x282

Slika Gentilea da Fabriana predstavlja takav trend u evropskoj umjetnosti kao što je međunarodna gotika. Oltar "Poklonstvo mudraca" izradio je majstor za Strozzi kapelu crkve Santa Trinita u Firenci.

Prikazana je prepuna šarena povorka koja se kreće prema prvom planu slike. Evanđeoska priča o kraljevima koji su došli pokloniti se Djetetu Kristu ovdje je tumačena u duhu srednjovjekovnog viteškog romana: sluga privezuje mamuzu jednom od mudraca, koja naglašava da njegov gospodar pripada viteštvu, isprepletene su scene lova. na slici, a način mnogih likova može se definisati riječju "dvorski" - samo pogledajte, na primjer, sobarice s lijeve strane. Ovo djelo je zanimljivo za razmatranje, jer je puno čudesnih detalja, na primjer, Novorođenče Krist miluje glavu starijeg čarobnjaka koji mu ljubi nogu. Među onima koji su došli iz daleka jednostavno nema nikoga - mladih i starih, vitezova i lovaca. Na slici nisu samo ljudi, već i životinje - lav, gepard, majmuni, soko. Čini se da je i umjetnik koristio radnju kako bi dočarao bogatstvo svijeta koji je poznavao.

Ova oltarna slika ispisana je čistim, blistavim, poput dragulja, bojama, a njen dekorativni učinak je pojačan tu i tamo prošaranim zlatom. Okvir je napravljen prema crtežu samog majstora, koji je u njega uključio male slike i osmislio dekor do najsitnijih detalja. Predela oltara sastoji se od tri slikovna dela koja predstavljaju Rođenje Hristovo, Bjekstvo u Egipat i Privođenje u Hram. Istoričar umetnosti Viktor Lazarev je napisao: „Na svom oltarskom liku, najlepšoj i najsvečaniji slici ranog Quattrocenta, Gentile je prikazao feudalni svet koji je napuštao istorijsku pozornicu u svoj svojoj blistavosti, sa svim svojim spolja privlačnim osobinama, u oreolu svog „ viteška romansa.”

Bogorodica s Djetetom sa Svetom Anom i anđelima
MASOLINO DA PANICALE,
MASACCIO (TOMMASO DI GIOVANNI DI SIMONE CASSAI)
Oko 1425. Tempera na drvu. 175x103

Masolinov kist u ovom djelu, izrađen za crkvu Sant'Ambrogio u Firenci, pripada liku Svete Ane i anđela, a Masaccio - Bogorodice s Djetetom i anđela u zelenoj i crvenoj haljini. Utjecaj srednjovjekovne umjetnosti ovdje se vidi u zlatnoj pozadini, zavjesi, ikonografiji cijele scene - Marija sjedi ispred Svete Ane s malim Kristom na koljenima, a anđeli postavljeni jedan na drugog stoje na strane. Ali ovo je već renesansno djelo, posebno tamo gdje je djelovao Masacciov kist, koji je bio prvi od onih koji se u potpunosti mogu pripisati majstorima renesanse. Likovi koje je on naslikao osvijetljeni su sa strane i prikazani sa poznavanjem perspektive koju je umjetnik proučavao. Svoju pažnju zaustavlja samo na glavnoj stvari, stoga u stvorenim slikama postoji moć koja se ubrzo očitovala u muralima koje je umjetnik napravio u firentinskim crkvama. Masaccio nije dugo poživio, ali je uspio utjecati na cjelokupno renesansno slikarstvo.

Marijino krunisanje
FRA BEATO ANGELICO (FRA GIOVANNI DA FIESOLE)
1434–1435 Drvo, tempera. 112x114

Slika ranorenesansnog umjetnika, dominikanskog monaha Fra Angelica, prožeta je stanjem tihe radosti. Njime su ispunjena i majstorova višefiguralna djela, poput „Marijinog krunisanja“, izrađenog za crkvu Sant' Egidio u Firenci.

Hristos stavlja krunu na glavu Majke Božije, Kraljice nebeske, anđeli trube u svoje trube, sveci sa poštovanjem posmatraju šta se dešava. Zlatna pozadina, koja dolazi iz vizantijske tradicije prikazivanja nebesa, ovdje je spojena s reljefnim figurama, a duh srednjeg vijeka, koji se još uvijek osjeća u ovoj oltarnoj slici, kombinira se sa složenom kompozicijom svojstvenom već renesansi.

Kolorit slike najbolje opisuju riječi iz pjesme Nikolaja Gumiljova o Fra Angelicu:

A boje, boje su jarke i čiste,
Oni su rođeni sa tim i umrli sa njim.
Postoji legenda: rastvorio je cvijeće
U biskupima posvećeno ulje.

U kompozicijama predele, odnosno smještene u dnu glavne slike, umjetnik je predstavio zaruke Marije i Uznesenje Marijino, koje se danas čuvaju u muzeju San Marco u Firenci.

Bitka kod San Romana
PAOLO UCCELLO
Oko 1438. Tempera na drvu. 180x323

Predstavljena slika umjetnika Quattrocento Paola Uccella jedna je od tri slike koje je naslikao na ovu temu i koja je stajala na početku batalnog žanra u evropskoj umjetnosti. Svi ovi radovi, koje je naručio Leonardo Bartolini Salimbeni, koji je učestvovao u bici, prikazuju trenutke bitke između Firentinaca i Sijenaca, koja se dogodila 1432. godine.

Na slici “Bitka kod San Romana” firentinski vitez kopljem izbija iz sedla vođu neprijateljske vojske Bernardina della Chardu. Sjedeći na bijelom konju, vođa Firentinaca Niccolo da Tolentino već je oborio jednog od neprijatelja na zemlju. Okolo se vodi bitka, „konji i ljudi pomešani u gomilu“, bacaju se koplja i samostreli, vitezovi i njihovo oružje lete na zemlju. Napetost cijeloj sceni daje i činjenica da se u mali prostor uklapaju mnoge figure, štoviše, kompozicija je namjerno odsječena okvirom po rubovima, zbog čega se čini da je skučena u zadanim granicama.

Uccello prikazuje svoje likove u raznim pozama. Vjerovatno se, kako bi uvježbao ovu vještinu, prihvatio posla. Crveni konj s lijeve strane, koji galopira, siv, sa vitezom koji je pao s njim, bijeli, na kojem sjedi vođa Firentinaca, pokazuje kako se umjetnik nosio sa složenim uglovima i perspektivom. Dinamizam cijele scene naglašen je koloritom u kojem se sudaraju svijetle, čiste boje.

Triptih sa klanjanjem mudraca, obrezanjem i uznesenjem
ANDREA MANTENA
1460–1464 Drvo, tempera. 86x161.5

Andrea Mantegna je umjetnik u čijem su se slikarstvu, već nekoliko decenija prije početka visoke renesanse, osjećali približavajući koraci ove moćne umjetnosti.

Triptih je naručio markgrof Ludovico Gonzaga za kapelu u njegovoj porodičnoj palati u Mantovi (slikar će za ovu porodicu raditi do kraja života). Minijaturno pisanje oltarne slike, obilje čudesnih detalja, karakterističnih za umjetnost rane renesanse, ovdje su spojeni sa snagom i monumentalnošću koja je bila svojstvena već sljedećoj fazi talijanskog slikarstva. Kao rezultat toga, mali slikoviti oltar ostavlja isti utisak kao zidne slike Mantegne u palači Gonzaga. A u isto vrijeme želite da gledate na triptih kao na dragulj iz kutije.

U središnjem dijelu umjetnik je predstavio scenu obožavanja magova: među kamenitim krajolikom koji je toliko volio kreće se duga povorka ljudi u raskošnim haljinama. Odlaze da se poklone Djetetu koje sjedi u Marijinom krilu. Anđeli lete okolo. Suvo i svijetlo pisanje Mantegne čini da slika doslovno blista i zahvaljujući posebnom "vazduhu" na slikama - potpuno prozirnom, razrijeđenom, koji može biti samo visoko u planinama. Dakle, u svijetu koji je umjetnik stvorio, sve je vidljivo: put u daljini, i svijetli zamak do kojeg vodi, i vuna od kamile, i žilava trava, i tanke zlatne niti koje prožimaju odjeću. . A u isto vrijeme, scena se može zamisliti kao kapela u punom zidu. Mantegna je to znao i, da bi pojačao efekat monumentalnosti prikazanog, napisao je to na konkavnoj površini.

U sceni “Obrezivanje” (desno) umjetnik je mukotrpno slikao zidne ukrase, kompozicije u lunetama – “Izakova žrtva” i “Mojsije predaje ploče zavjeta narodu”, korpu sa golubovima u Josipova ruka, poslužavnik sa priborom za obrezanje, koji dječak pruža prvosvešteniku. Dirljiva je slika malog Jovana Krstitelja, koji siše prst, držeći u drugoj ruci ugrizeni đevrek. Sav ovaj detaljan prizor bio bi prikladan za veliku fresku.

I tek u trećoj kompoziciji - "Uznesenje" (lijevo) - gotovo da nema pomno prikazanih detalja, asketskija je i moćnija, u njoj se opet vidi stjenoviti krajolik, pa čak i oblak na kojem stoji Krist izgleda kao da biti isklesan od mermera. Ali, kao i ranije, osjećaji likova su suptilno preneseni: čuđenje i nada Marije i apostola, lagana tuga i obećanje susreta na nebu u očima Spasitelja.

Herkul i Hidra
ANTONIO POLLAIOLO
1460. Drvo, tempera. 17x12

Mala slika Antonija Polaiola, firentinskog slikara Quattrocento, prikazuje jedan od podviga starogrčkog heroja Herkula ili Herkula. U muzeju se nalazi i druga ploča sa kompozicijom na temu ovog mita. Istraživači sugeriraju da su oba djela skice za velike slike koje je naručio umjetnik Piero Medici, ili njihove manje kopije. Ali to mogu biti i samostalna djela, a onda treba napomenuti tim više da je Pollaiolo uspio tako maloj slici podariti monumentalnost.

Kao zaplet, majstor je uzeo onaj dio mita o Herkulesu, u kojem se bori sa lernejskom hidrom, ogromnom zmijom koja je imala mnogo glava od kojih je jedna besmrtna. Napetost bitke umjetnik prenosi prikazom junakovih natečenih mišića i očajnog izraza lica. Rad je pun pokreta. Snagu i moć Herkula naglašava krajolik koji se nalazi daleko ispod i činjenica da je glavni lik postavljen na pozadini neba. Ali u isto vrijeme, slikara su jasno fascinirali lijepe i elastične linije draperija, tijelo zmije, vijugava vrpca rijeke, koji stvaraju složenu šaru u radu.

Portreti Federika da Montefeltra Urbina i Battiste Sforze
PIERO DELLA FRANCESCA
1465. Oba - drvo, ulje. 47h33

Kao da su ispunjene vazduhom, slike ovog umetnika Quattrocento istovremeno ostavljaju utisak snage i mira. Ovo su portreti vojvode od Urbina Federika da Montefeltra i njegove supruge Batiste Sforce.

Njihova lica data su u profilu, u skladu sa portretnom tradicijom tog vremena, usko povezana sa prikazom poznatih ličnosti na kovanicama i medaljama. Ali nijedan od portretista nije bio u stanju da izvuče takve prednosti iz ovog ugla kao Piero della Francesca: dao je pojavama Federika i Batiste neviđenu veličinu, po prvi put podigao portretisanu osobu do onih visina na kojima bi trebalo da stoji u doba humanizma. Utisak monumentalnosti slika sa malim dimenzijama ploča pojačava činjenica da ulogu pozadine ima pejzaž koji se povlači u daljinu, prikazan sa visoke tačke. Treba napomenuti da je ugao u kojem je prikazan Federico također omogućio da se sakrije unakažena polovina lica neustrašivog kondotiera. No, izvučeni profil, još više naglašen ujednačenom crvenom bojom ogrtača, ima meko oblikovanje svjetla i sjene. Smiren, samouvjeren pogled ispod teških kapaka i nježnost kože na sljepoočnicama, obrazima i vratu daju tako suptilan i istinski osjećaj osobe da psihološki portret koji se kasnije proširio ne daje uvijek.

U početku su vrata oltara, zahvaljujući šarkama, bila pomična, mogla su se preklopiti i gledati na poleđini dasaka sa portretima scene trijumfa Federika i Batiste. Oba supružnika, sjedeći na konjskim kolima, jašu jedno prema drugom. U slici pejzaža, detaljno oslikanoj i sa prenosom svetlo-vazdušne sredine, primetan je uticaj holandskog slikarstva.

Krštenje Hristovo
ANDREA VERROCCHIO,
LEONARDO DA VINCI
1470–1475. Drvo, tempera, ulje. 177h151

Kao prvenstveno vajar, Andrea Verrocchio je povremeno izvršavao slikarske narudžbe, zbog čega nije mogao dovršiti jednu od svojih slika - Krštenje Kristovo. Zamolio je svog učenika Leonarda da Vinčija da dovrši ono što je započeo, mladog koji je u to vrijeme već postigao veliki uspjeh, iako je ostao u učiteljskoj radionici. Središnje figure i anđeo na desnoj strani već su bili naslikani na način tipičan za Verrocchia - suhoparno, linearno, sa izvrsnim siluetama figura.

Leonardo je prikazao anđela kako stoji s lijeve strane, ali nije koristio temperu, kao učitelj, već uljane boje, koje se duže suše i omogućavaju mu da prenese meki chiaroscuro, obavija sliku laganom izmaglicom. Tako je nastala Leonardova tehnika "sfumato", koja je kasnije postala poznata. Umjetnik je također naslikao dio pejzaža iza anđela, na osnovu crteža koji prikazuje dolinu rijeke Arno. Rad mladog slikara impresionirao je Verrocchia i postao toliko popularan da su napravljene kopije iz ove grupe anđela.

Adoration of the Magi
LEONARDO DA VINCI
1480–1481. Drvo, tempera, ulje. 243x246

Ovu oltarnu sliku Leonardo je naručio od kanonika manastira San Donato u Scopetu, ali je ostao nedovršen, bilo zato što je umjetnik otišao u Milano ili zato što je jednostavno odustao od ove ideje. Ali slika izgleda kompletna i nosi sve karakteristike slikarstva tadašnjeg majstora.

U tradiciji Quattrocenta, Leonardo je donekle preopteretio kompoziciju obiljem figura u ekspresivnim pozama, pejzažnim i arhitektonskim detaljima. Međutim, to se može objasniti činjenicom da je Leonardo, kao umjetnik renesanse, bio znatiželjan o tome šta čini svjetski poredak. Stoga je takva kategorija kao što je raznolikost odigrala veliku ulogu za njega. Leonardov savremenik, pisac Baldassare Castiglione, zabilježio je: „...svjetski poredak koji vidimo, sa prostranim nebom, tako sjajnim sjajnim zvijezdama, i sa zemljom u centru, okruženom morima, koja je raznolika planine, doline i rijeke i koja je okićena tako različitim drvećem i ljupkim cvijećem i biljem - moglo bi se reći, plemenita je i velika slika, nacrtana rukom prirode i Boga..."

Italijanski humanisti postavili su božansko u centar svemira. U Leonardu, Marija, koja drži dijete Krista u krilu, ističe se na pozadini mnogih "aktivnih" likova mirnom pozom i glatkim okretanjem glave. Umjetnik gradi kompozicioni trokut ili, tačnije, piramidu, na čijem je vrhu glava Marije. Ova tehnika, koja je prikazanom dala ravnotežu i sklad, bila je naširoko korištena među majstorima visoke renesanse.

Navještenje
LEONARDO DA VINCI
Oko 1472. Drvo, ulje, tempera. 98x217

Leonardo je radio na ovoj slici još u Verrocchiovom ateljeu. Mlada umjetnica je morala dovršiti ono što su drugi učenici započeli i ispraviti svoje greške. Napravio je nekoliko skica Marijinog ogrtača i haljine arhanđela Gavrila, te je na osnovu ovih crteža prepravio draperije koje su kao rezultat formirale obimne nabore. Zatim je Leonardo prefarbao glavu arhanđela Gabrijela, učinivši je lagano pognutom, ali nije imao vremena da promijeni sliku Marije, čija poza ne izgleda sasvim prirodno. Onaj čiji je kist ovdje prošao prije Leonarda vjerovatno nije dobro poznavao zakone perspektive. Ali sve ove greške na neočekivan način pokazuju koliko je bilo teško savladati one tehnike realističkog slikarstva koje se na slikama renesansnih majstora čine tako prirodnim.

Sačuvan je crtež olovkom i tušem, koji je umjetnik izradio u isto vrijeme, na kojem je Marija pognula glavu, pokrivši oči, kosa joj je na vrhu vezana vrpcom sa skupocjenim brošem, a svilenkasti pramenovi rasuti po njoj. ramena. Leonardo je, očigledno, toliko volio ovu suptilnu, poetsku sliku, rođenu pod njegovim perom, da je naslikao zasebnu malu sliku na temu Blagovijesti.

Adoration of the Magi
SANDRO BOTTICELLI
Oko 1475. Tempera na drvetu. 111x134

U ovoj višefiguralnoj kompoziciji majstor Quattrocento Sandro Botticelli predstavio je članove porodice Mediči, bankare i trgovce, vladare Firence i njima bliske, među kojima je bio i on, u liku Maga koji se klanjaju Malom Kristu.

Među ruševinama starog Rima, simbolizirajući kraj starog svijeta i početak novog, kršćanskog, sjedi Madona. Ona drži bebu na koljenima, stoji iza, oslanjajući se na njegovu ruku, Josepha i nježno gleda novorođenče. Kozimo Stariji Mediči kleknuo je pred Hristom. Giorgio Vasari je napisao: „I vidimo posebnu izražajnost u starcu, koji, ljubeći noge našeg Gospodina i topeći se od nježnosti, na najizvrsniji način pokazuje da je stigao do cilja svog najdužeg putovanja. Bliže prednjoj ivici slike su sinovi Cosima, Piero i Giovanni. U vrijeme kada je djelo napisano, oni i njihov otac su već umrli, ali ih je Botticelli uključio u krug porodice kao neraskidivo povezane s njim. U crnom sa crvenim ogrtačem stoji, razmišljajući, Đulijano, Pjerov sin, iza njega sa bradom i u šeširu - filozof Đovani Argiropulo, ispred njega u plavom - naručilac dela, Zanobi del Lama. S lijeve strane, u ponosnoj pozi, stoji Đulijanov brat, Lorenco Veličanstveni, do njega je pjesnik Angelo Poliziano, nešto im govori humanista i filozof Pico della Mirandola. Konačno, u donjem desnom uglu, sam Botticelli, umotan u crveni ogrtač, gleda u posmatrača. Tradicija prikazivanja sebe među učesnicima scene iz Svetog pisma bila je raširena u doba renesanse.

Medičiji su u Firenci osnovali takozvano Bratstvo Maga, koje je uključivalo njih same i njihove saradnike. Bratstvo je organizovalo kostimirane povorke: njegovi članovi, prerušeni u magove, šetali su i jahali konje ulicama grada. Vjerovatno su i ove misterije našle svoj odjek u Botticellijevoj slici.

Rođenje Venere
SANDRO BOTTICELLI
1483–1485 Platno, tempera. 172,5x278,5

"Rođenje Venere", kao i "Proleće", umetnik je napisao za Lorenca di Pjerfrančeska Medičija. Radnja ove slike zasnovana je na mitu o tome kako je boginja ljubavi rođena iz morske pjene. Botticelli je mogao pronaći izlaganje mita od antičkih autora ili njegovu obradu od pjesnika Angela Poliziana, koji je radio na dvoru.

…Uključuje
Zaljubljeni bijeli sljez tone na obalu,
I njihova se nebesa raduju njihovom letu...
... I vidiš - boginjine oči sijaju.
Pred njom sa osmehom nebo i stihije.
Tamo, u belom, Hore šetaju obalom...

Venera, koja stoji u školjki, pliva, podstaknuta Zefirom i Klorisom, a Ora, jedna od pratilja boginje, koja drži veo da je obavija, dolazi joj u susret. Hiroviti nabori vela i odjeće koja leprša na vjetru, valovi na moru, isprekidana linija obale, „nabraviti“ preklop školjke i konačno leteća Venerina kosa - sve to ističe glatke obrise boginjino tijelo i pojačava osjećaj vrhunske harmonije koji izaziva njena pojava. Iznad glave Venere, ruke likova se gotovo sklapaju, a čini se kao da je nadsjeni luk, koji odjekuje zaobljenim dnom školjke. Tako se lik božice zatvara u zamišljeni oval. Ako se u "Proljeću" kompozicija sastoji od nekoliko grupa jednakog značenja, onda je ovdje Venera centar kojem sve teži.

Za renesansne umjetnike, gola Venera, za razliku od odjevene, simbolizirala je nebesku ljubav. Botticelli je svoju junakinju obdario tom čednošću, koja se poštuje kao najviša vrlina, pa otuda motiv obožavanja prisutan na slici. Lijepo lice heroine podsjeća na lica Madone na Botičelijevim slikama, pa stoga u ovom djelu kroz antičku zvuči kršćanska tema, a spoj antičkog humanizma i kršćanstva dao je fenomen talijanske renesanse.

Madona s djetetom s anđelima (Madonna del Magnificat)
SANDRO BOTTICELLI
1483. Drvo, tempera. Prečnik 118

“Magnificat” je naziv katoličke pohvalne pjesme Djevice Marije, datoj ovoj doksologiji u prvom redu: “Magnificat anima mea Dominum” - “Veliča duša moja Gospoda”, stoga slika ima drugo ime, koje se prevodi kao "Veličanstvenost Madone". Kod Botičelija, Majka Božja drži olovku u ruci, spremajući se da je umoči u mastilo, a zatim u knjigu zapiše reči iz Jevanđelja po Luki, na kojoj je napisana himna.

Oblik tonda - okrugle slike - posebno je odgovarao Botičelijevoj slici svojim glatkim, tečnim linijama, oblinama tijela, pognutim glavama likova. U ovom slučaju, umjetnik cijeloj kompoziciji daje zaobljene obrise, koje formiraju poze Madone s Djetetom, pognutog anđela s lijeve strane, ruku anđela koji se sastaju na vrhu, držeći krunu i stavljajući je na glava Marije. Osim toga, cijela grupa je postavljena na pozadini okruglog prozora, krajolik iza njega također se čudno krivuda, kao da se ogleda u konveksnom ogledalu. Ovo je jedno od najlirskijih Botticellijevih djela, gdje je muzika oličena u kompoziciji, ritmu, bojama, linijama i izrazima lica.

sveta alegorija
GIOVANNI BELLINI
1490–1499 Drvo, ulje. 73x119

Giovanni Bellini, čiji je rad utjecao na cjelokupno venecijansko slikarstvo i prije svega na njegovo raspoloženje, ostavio je zagonetku koju još uvijek ne mogu riješiti: kakva je radnja slike "Sveta alegorija"? Ovo apstraktno ime dobila je jer niko nije mogao tačno da odgovori na pitanje.

Umjetnik je prikazao takozvani sveti razgovor: Bogorodica koja sjedi na prijestolju okrenuta je prema svecima. Među njima se može razlikovati Pavle sa mačem koji tjera čovjeka u turbanu, Petar, naslonjen na balustradu i čuvajući ulaz na platformu, Sebastijan sa strijelom u prsima i Job, molitveno sklopljenih ruku. Ali kompozicija “svetog razgovora”, koja je uvijek bila centralna kada su se Bellini ili drugi umjetnici okretali ovom zapletu, okrenuta je postrance prema gledaocu i postaje jedan od predstavljenih motiva. Drugi su bebe koje se igraju ispod drveta. U njihovoj grupi se izdvaja jedan koji u rukama drži jabuku koja simbolizira ljudske grijehe. Ovo dijete može biti Krist, koji je došao na svijet da iskupi grijehe, a bebe oko njega mogu biti duše u čistilištu za koje se sveci mole. Rijeka je najvjerovatnije ljeto, odvaja ovaj svijet od svijeta živih, što se vidi na srednjim i daljim planovima. Tamo se anahorite moli u pećini, kentaur, personificirajući iskušenja, luta u blizini, a još dalje ljudi žive svojim uobičajenim životom.

No, ruski likovni kritičar Pavel Muratov bio je u pravu kada je o Beliniju napisao: „I možda ključ njegovog slikarstva nije toliko u onome što je prikazano, koliko u samom osjećaju kojim je ovdje sve prožeto.<…>Razumijemo duboku kontemplativnu meditaciju u koju su uronjeni njegovi sveci i netjelesnu suptilnost infantilnih igara sa zlatnim jabukama mističnog drveta tamnog lišća. U zemlji koja se otvara iza uspavanih ogledala voda Lethe, prepoznajemo našu zemlju molitava i čari. Duše naše lutaju tamo u samoći stena, kad ih san oslobodi... U zoru jutra, po drugi put zaranjaju u vode Lete i izlaze, čuvajući tugu, na obalu života .

Pieta
PIETRO PERUGHINO
Oko 1493–1494. Drvo, ulje, tempera. 168x176

Šef slikarske škole Umbrije i Rafaelov učitelj, Pietro Perugino, kreirao je slike na kojima, na primjer, u predstavljenoj vlada neka posebna tišina. Reč „pieta“, što na italijanskom znači „sažaljenje, sažaljenje“, koristi se u slikarstvu i vajarstvu da se odnosi na scenu Majke Božije koja oplakuje mrtvog Hrista koji joj leži na krilu.

Slikom dominiraju dvije međusobno uravnotežene kompozicione linije - izduženo tijelo Spasitelja i polukružni lukovi, kojima odjekuje lik Marije. Luk - simbol nebeskog svoda i svjetske harmonije - već svojim oblikom unosi osjećaj u kompoziciju, naglašavajući da Kristova žrtva nije bila uzaludna. Na Njegovom licu - smirenje, Bogorodica - duboka čežnja koja ne nalazi izlaz, a na licima Jovana Evanđeliste i sveca koji stoji iza njega - onaj izraz koji se može definisati klasičnom crtom "tuga moja svijetla je ." Tuga, a uz nju i nada, osjećaju se kako u proljetnom pejzažu u daljini, tako i u zlatnom zraku koji obavija sve prikazano.

ITALIJANSKA UMJETNOST:
XVI STOLJEĆE I POSLE

Madona sa detetom sa anđelima i prorokom (Madona sa dugim vratom)
PARMIGANINO (FRANCESCO MAZZOLA)
1534–1540. Drvo, ulje. 216x132

Jedan od vodećih umjetnika manirizma, Parmigianino, za razliku od majstora renesanse, tražio je sklad u namjerno izmijenjenim figurama i predmetima, izduženim i kao da gravitiraju prema beskonačnosti. Sliku "Madona sa dugim vratom" napisao je majstor po narudžbini sestre njegovog prijatelja, Elene Baiardi, za crkvu Santa Maria dei Servi u Parmi.

Tijela prikazanih su izdužena (otuda drugo ime ovog djela) i valovito zakrivljena. To je posebno vidljivo na liku anđela koji stoji ispred. Osećaj nestvarnog, magičnog koji izaziva ovo delo pojačavaju hladne, sedefne boje, kao i lik svetog Jeronima, koji je premali u odnosu na ostale, i arhitektonska pozadina, nedovršena, bilo namjerno ili zbog smrti majstora, gdje se ispostavilo da stubovi ništa ne nose. . A u isto vrijeme, jedan stupac ovdje dobija posebno značenje kao simbol istrajnosti.

Raspeće je prikazano na vazi u rukama anđela. Tema buduće muke i smrti Spasitelja također je oličena u pozi usnulog Djeteta, koja podsjeća na ikonografiju piete - lik Majke Božje, koja oplakuje mrtvog Krista, kojeg drži na koljenima.

ITALIJANSKA UMJETNOST (XVI STOLJEĆE I KASNIJE):

• Doni Madona (Sveta porodica). Michelangelo Buonarroti
• Auto portret. RAFAEL SANTI
• Madona sa češljugarom. RAFAEL SANTI
• Ratnik i štitonoša (Gattamelata). GIORGIONE (?)
• Adonisova smrt. SEBASTIANO DEL PIOMBO
• Persej oslobađa Andromedu. PIERO DI COSIMO
• Flora. TITIAN VECELLIO
• Portret Eleonore Gonzaga della Rovere. TITIAN VECELLIO
• Venus Urbinskaya. TITIAN VECELLIO
• Madona s djetetom (Madonna of the Harpies). ANDREA DEL SARTO
• Portret djevojke sa Petrarkinom knjigom pjesama. ANDREA DEL SARTO
• Portret Kozima Starijeg Medičija. JACOPO PONTORMO
• Večera u Emausu. JACOPO PONTORMO
• Portret Lorenca Veličanstvenog. GIORGIO VASARI
• Portret Bia Medici. AGNLOLO BRONZINO
• Portret Eleonore od Toleda sa sinom Giovannijem de' Medici. AGNLOLO BRONZINO
• Leda i labud. JACOPO TINTORETTO
• Madonna del Popolo. FEDERICO BAROCCI
• Bacchus.
• Žrtva Isaka. Michelangelo Merisi Da Caravaggio
• David sa glavom Golijata. Michelangelo Merisi Da Caravaggio
• Judita odrubljuje glavu Holofernu. ARTEMISIA GENTILESCHI
• Pogled na Duždevu palatu u Veneciji. ANTONIO KANAL (CANALETTO)
• Portret Felicite Sartori (?) u turskoj nošnji. ROSALBA CARRIERA

Madona Doni (Sveta porodica)
Michelangelo Buonarroti
1505–1506 Drvo, ulje, tempera. Prečnik 120

Ovo djelo je jedina gotova štafelajna slika koja je do nas došla od Mikelanđela, koji se fokusirao na skulpturu, arhitekturu i freske. Na njegovim monumentalnim muralima figure podsjećaju na skulpturu, i to nije slučajno: na pitanje pisca Benedeta Varke o tome što je više - slika ili skulptura, Michelangelo je odgovorio: "Slikarstvo se, čini mi se, smatra boljim kada je više sklon olakšanju."

Tako su u "Madonna Doni" ili "Tondo Doni" (tondo - okrugla slika ili reljef) ispisani likovi Bogorodice, Krista, sv. Josipa, sv. Ivana Krstitelja i mladića u pozadini. upravo reljefno, skulpturalno. Međutim, ova karakteristika je razlikovala čitavu slikarsku školu Toskane od, na primjer, venecijanske. Centralna grupa podsjeća na skulpturalnu kompoziciju: kompaktna je i čini se da se može obići sa svih strana i razgledati. U ovom radu se osjeća i razmišljanje arhitekte, pa je sve prikazano stabilno i sigurno „fiksirano“ u prostoru.

Slikarstvo slike podsjeća na monumentalnu, slično onim freskama koje je Michelangelo izveo na stropu Sikstinske kapele 1508-1512. Likovi likova i nabori draperija Madone Doni su lapidarni, odnosno dizajnirani su za pogled na daljinu. Poza Majke Božije je složena kao i ona sikstinskih likova, kao da ima za cilj da odjekne plastičnost neke arhitekture. A svojom prostornom kompozicijom, zalazeći u dubinu, tondo izgleda kao oslikana plafonska lampa.

Pa ipak, radi se o štafelajnoj slici, o čemu svjedoči i njezina boja koja se sastoji od dubokih i čistih boja, koje nisu toliko potrebne u monumentalnom slikarstvu, i zatvorena kompozicija tonda, i prikazani živahni likovi. Tako je Michelangelo, koji je sebe nazivao, prije svega, kiparom, dokazao da tečno vlada tehnikama štafelajnog slikarstva i pokazao sve svoje talente u ovom radu, kako je i priličilo majstoru visoke renesanse.

auto portret
RAFAEL SANTI
1506. Drvo, tempera. 47,5x33

Mladić nadahnutog lica, lice mladog genija - takav je Raphael, koji nas gleda sa autoportreta. Iz njegovog izgleda izvire smirenost i nebeska harmonija, koja odlikuje cjelokupno slikarstvo umjetnika. Kolorjenje ove slike je naglašeno suzdržano - neutralna pozadina, tamna kosa, ista kapa. Između tamnog ruha i tople boje kože vidljiva je uska bijela pruga košulje - u ovom najtanjem prijelazu od gluhih crnih do živih tonova lica i vrata - sve Raphael, koji je osjetio duboke zakone slikarstva.

Autoportret, veoma sličan ovome, samo u ogledalu, umetnik je postavio na fresku “Atinska škola” (1508–1511) u Vatikanu “Stanza della Senyatura”: desno, na slici starogrčkog slikara Apelesa, vidljiva je ista slika Rafaela ispunjena visokom poezijom.

Madona sa češljugarom
RAFAEL SANTI
1507. Ulje na drvetu. 107h77

Ovo je jedna od onih slika Madone s Djetetom s Ivanom Krstiteljem koje je Rafael stvorio u Firenci. Naručio ju je umjetniku njegov prijatelj, trgovac Lorenzo Nazi, za vlastito vjenčanje. Slikar je ovdje koristio istu trokutastu kompoziciju kao i na drugim slikama na ovu temu, zahvaljujući kojoj je slika stekla ravnotežu i rijetku harmoniju.

Čini se da Marija pokriva dijete Krista i malog Ivana. Meke linije Njene figure, tečni nabori njenog ogrtača, kao i idilični pejzaž u pozadini, koji je postao tipičan za Raphaela, sa glatkim obrisima pejzaža, uronjenog u laganu izmaglicu i tope se, ispunjavaju sliku. sa raspoloženjem mira. Ali češljugar, simbol muke Hristove, u ruci Jovana Krstitelja, do kojega stiže Novorođenče, unosi alarmantnu notu u sliku. Istovremeno, lice Madone, nežno, oborenih očiju, uokvireno mekom kosom, izražava smirenost koja se prenosi na gledaoca.

Ratnik i štitonoša (Gattamelata)
GIORGIONE (?)
Oko 1505–1510. Platno, ulje. 90x73

Na platnu je prikazan condottiere Erasmo de Narni, koji je živio skoro vek pre slike i dobio nadimak Gattamelata - "ljubazna mačka". Dolazeći iz nižih slojeva društva, postao je najamni vojnik, služio je u različitim gradovima i različitim vladarima, uzdigao se do čina kondotjera - vođe odreda koji je bio u službi komune. Osim toga, postao je vladar Padove, a njegova konjička statua koju je izradio Donatelo postavljen je u blizini glavne padovanske katedrale - papske bazilike Sant Antonio. Slika pored Gatamelate vjerovatno prikazuje njegovog sina Antonija.

Giorgione i njegovi sljedbenici formirali su cijeli trend u venecijanskom slikarstvu na prijelazu iz 15. u 16. stoljeće, čiji je obilježje bilo kontemplativno raspoloženje prikazanih likova. Tako se ovaj ratnik nerafiniranog izgleda, naviknut na težak život pun rizika, ukočio sa izrazom lica, kao da sluša muziku. Njegov mač, oklop i šlem doživljavaju se samo kao simboli, a dječak je anđeo koji mu stoji preko ramena.

Adonisova smrt
SEBASTIANO DEL PIOMBO
1512. Ulje na platnu. 189x285

Kao učenik Giovannija Belinija i pod utjecajem Giorgionea, Sebastiano del Piombo je od njih preuzeo mekoću oblika i lirsko raspoloženje, unoseći ih u svoje slike. Ali dok je radio u Rimu, na njega je utjecala i umjetnost Raphaela s njegovom apsolutnom harmonijom i Michelangela, koji je svojim likovima obdario neviđenu moć.

Umjetnik se na predstavljenom platnu okrenuo mitu o Adonisu, najljepšem mladiću, ljubavniku Afrodite, koji je ubijen tokom lova na vepra. Del Piombo je prikazao trenutak kada Afrodita saznaje za Adonisovu smrt, o čemu je obavještava Kupidon, a najveći dio posla zauzimaju božanstva koja sjede u šumarku, a umirući junak je u daljini. Ova tehnika - da se vrhunac čitave scene prenese na određenu distancu, da se odgodi njena percepcija od strane gledaoca - izoštrava tjeskobno raspoloženje koje se prolije na slici i provlači kroz likove u talasu.

U pozadini, umjetnik je uhvatio pogled na Veneciju sa Duždevom palatom i zvonikom katedrale San Marco, koji se ogleda u mirnim vodama lagune. Večernji pejzaž sa svijetloplavim nebom, zlatnim zalaskom sunca, bijelim napuhanim oblacima na nebu i sjenama koje trče po kopnu i vodi ispunjava sve prikazano suptilnom tugom koju su venecijanski umjetnici voljeli prenijeti na svojim slikama.

Persej oslobađa Andromedu
PIERO DI COSIMO
Oko 1510–1515. Drvo, ulje. 70x120

Firentinski umjetnik Piero di Cosimo spojio je u svom radu harmonične, produhovljene slike visoke renesanse s ljubavlju prema detaljnom prikazu svijeta oko sebe, koju je preuzeo od holandskih slikara.

Na predstavljenoj slici, naslikanoj u kasnom periodu stvaralaštva, majstor je koristio starogrčki mit o Perseju koji je spasio Andromedu. Vraćajući se nakon pobjede nad Gorgonom Meduzom, junak je vidio djevojku vezanu za stijenu. Bila je to Andromeda, koju su stanovnici njene rodne zemlje žrtvovali morskom čudovištu koje je gutalo ljude kako bi ga se riješili. Persej, u svojim krilatim sandalama i magičnom šlemu koji ga je učinio nevidljivim, prikazan je na slici dva puta - kako leti iznad mora i stoji na leđima čudovišta, mašući mačem. Na lijevoj strani se muči Andromeda i kriju se uplašeni ljudi, pokrivajući se ogrtačima, a desno se ljudi zabavljaju i mašu lovorovim grančicama slaveći heroja.

Uključivanje događaja iz različitih vremena u kompoziciju i njihova interpretacija koja podsjeća na bajku svjedoči o još uvijek nezastarjeloj tradiciji prošlog stoljeća – Quattrocentu, ali meki obrisi figura i krajolik širom otvoren u daljini ukazuju na to da ovo djelo je nastalo u doba visoke renesanse.

Flora
TITIAN VECELLIO
Oko 1515–1517. Platno, ulje. 79,7x63,5

O tome ko je prikazan na predstavljenoj slici Tiziana, venecijanskog umjetnika visoke renesanse, dugo su se raspravljali. Nekada se vjerovalo da je riječ o kćeri umjetnika Palme Starijeg, a samo djelo mu je pripisano, a zatim, kada je ponovo prepoznato kao Tizianovo djelo, nastavljeni su sporovi oko heroine slike. Ideju da se zarobljena djevojka poistovjeti sa Florom, rimskom boginjom cvijeća, nagovijestio je buket u njenoj ruci. A cijela pojava ovog mladog, rascvjetanog, sanjivog stvorenja raspuštene kose, u bijeloj košulji koja pada s jednog ramena, zaista asocira na drevnu boginju.

Istovremeno, ovo je portret stvarnog Venecijanca, sa zlatnom, po modi tog vremena, kosom i svijetlom, baršunastom kožom. Sasvim je moguće da ju je naslikao mladi Tizian, maštajući na temu antike, a rezultat je bila živa, punokrvna i istovremeno uzdignuta slika iznad stvarnosti.

Portret Eleonore Gonzaga della Rovere
TITIAN VECELLIO
1536–1537 Platno, ulje. 114x103

Obično je Tizian, stvarajući slike na mitološke i kršćanske teme, kao i fantazijske portrete poput Flore, bio slobodan u slikovnim sredstvima. Ali, portretirajući plemenite osobe, činilo se da je postao svjetovna osoba kakva je bio u životu. Voleći život i umejući da uživa u njemu, on je ipak dobro znao šta su konvencije ponašanja. Stoga, portret prikazuje, prije svega, aristokratu iz plemićke italijanske porodice, koja sjedi u svečanoj pozi i obučena u luksuznu odjeću. Umjetnik je pažljivo prenio i lomljivost somota, i sjaj zlata, i prozračnost čipke.

Tizian naglašava dostojanstvo Eleanore i kroz njega - njenu vrlinu, ovaj koncept je bio važan za renesansu. Lice manekenke je ravnodušno, a samo nježno rumenilo na bijeloj koži i smeđe oči, blistave inteligencijom i snagom, oživljavaju ga i omogućavaju da se osjeti karakter žene koja postoji u granicama koje propisuje njena klasa. Ako je istina da je Eleanor služila kao Tizianova muza kada je slikala slike poput "Djevojka u krznenom ogrtaču" i posebno "Venera iz Urbina", onda se može zamisliti raspon mogućnosti ovog slikara: mogao je maštati o izgledu žena koje je volio i da slika stroge ceremonijalne portrete.

Venus Urbinskaya
TITIAN VECELLIO
1538. Ulje na platnu. 119x165

Antička tema, koja se često javljala u Tizianovom djelu, omogućila je ovom veselom Mlečanu da na platnu izbaci svo svoje divljenje prema svijetu i sposobnost da cijeni njegovu ljepotu. Majstor je volio antiku kao nešto živo i stoga je likove grčke ili rimske mitologije hrabro smjestio u savremeno okruženje.

Njegova "Venera", koju je kupio Gvidobaldo dela Rovere, vojvoda od Urbina i stoga joj je dao današnje ime, predstavlja mladog Venecijanca, ljepoticu živahnog izgleda, nježnog tijela i zlatne kose. Njeno držanje podseća na klasični tip "Venere Pudik", odnosno "stidljive", ali je ova devojka, ako je malo postiđena, potpuno svesna svoje lepote. Slika podsjeća na Giorgioneovu Usnulu Veneru, koja se čuva u Drezdenskoj umjetničkoj galeriji, ali Tizian pod maskom boginje ima više senzualnosti. Međutim, ovaj senzibilitet je varljiv. Umjetnik je odabrao prostoriju u kojoj sve diše udobnošću jakog doma: u pozadini sobarica traži nešto u škrinji, a druga je gleda u iščekivanju. Na prozoru stoji mirta - simbol bračnog života, na krevet su položene bijele čaršave i bačeni bijeli jastuci koji govore o čistoći žene koja leži na njima, kod čijih se nogu sklupčao pas, simbolizirajući odanost. Dakle, skriveno značenje slike mora se shvatiti kao bračna ljubav.

Madona s djetetom (Madonna of the Harpies)
ANDREA DEL SARTO
1517. Ulje na platnu. 207x178

Andrea del Sarto je radio u vreme kada je renesansno slikarstvo bilo na vrhuncu, pa umetnikovo delo nosi sve odlike te umetnosti. To je posebno došlo do izražaja u harmoniji, uzvišenosti slika na slikama. Ali u isto vrijeme, u radovima majstora vidljivi su znaci već nastajajućeg manirizma: izdužene figure, očigledna „iscenirana“ scena, podvučena elegancija poza i gesta, te jedva primjetna „slatkoća“ koja obilježava izgled likova.

Predstavljeni rad rađen je za crkvu San Francesco u Firenci, pa je na platnu prikazan i Sv. Franjo. Na desnoj strani je Sv. Jovan Evanđelist. Naziv slike asocira na čudna krilata stvorenja isklesana u visokom reljefu na postolju. Giorgio Vasari je vjerovao da su to harpije - čudovišta iz grčke mitologije, ptice sa ženskim glavama. Ali najvjerovatnije se radi o slici skakavaca iz Apokalipse, na koju ukazuje i lik Jovana Evanđeliste, u čijem Otkrovenju se kaže: „I iziđoše skakavci iz dima na zemlju, i dade se vlast njih, koje imaju zemaljski škorpioni” (Otkrivenje, 9:3). Prikazujući Bogorodicu kako stoji nad simbolima predstojećih katastrofa, umjetnica je naglasila Njenu ulogu spasiteljice pravednika.

Portret djevojke sa Petrarkinom knjigom pjesama
ANDREA DEL SARTO
1528. Drvo, tempera. 87x69

Slike ispunjene veličinom i lirskim, srdačnim portretom devojke dva su pola u delu Andrea del Sarta, firentinskog umetnika visoke renesanse. Međutim, na ovom portretu prisutna je i toplina i domaćinstvo jer je majstor naslikao kćer svoje voljene supruge Lukrecije iz prvog braka - pastorku Mariju, koju je odgajao kao svoju.

Sa lukavim pogledom na gledaoca, djevojka u rukama drži svesku Petrarkovih ljubavnih soneta. Prvi put se dotiče tajni osjećaja koji je uzbuđuju i mame, junakinja želi sakriti svoje otkriće i to ne može, nespretno upirući prstom u redove koje čita. Sve je to umjetnik toliko precizno uhvatio da naizgled običan zaplet sa zaljubljenom djevojkom, nehotice nagovještavajući njeno povišeno unutrašnje stanje, izaziva toplo i pobožno raspoloženje kod gledatelja. Malo ko je postigao takvu dubinu u otkrivanju unutrašnjeg svijeta mladog bića u vrijeme Andrea del Sarta.

Portret Kozima Starijeg Medičija
JACOPO PONTORMO
1519–1520. Drvo, ulje. 86x65

U ovom ranom djelu Jacopa Pontorma već postoje znakovi manirizma, čiji će on postati jedan od osnivača. Upravo je način slike, odnosno način na koji je napisana, privukao umjetnika.

Portret Kozima Starijeg Medičija nastao je više od pola veka nakon što je preminuo osnivač dinastije Mediči, bankar i trgovac koji je postao vladar Firence. U posthumnom prikazu osobe, majstor je sebi mogao dati malo slobode.

Portret je naručio sekretar vojvode od Urbina, Lorenco Medici, jedan od Kozimovih potomaka, vjerovatno za rođenje njegovog sina. Kozimo sedi u fotelji, ispred njega je grana lovorovog drveta, amblema porodice, oko koje se vijuga papirna vrpca sa stihovima iz Vergilijeve Eneide. U pognutoj mršavoj figuri prikazanog i njegovom licu osjeća se umor od burnih godina, stisnute su mu ruke, poput onih koji su navikli da zapovijedaju i ne žele se rastati od moći. Crveni ogrtač Cosima, koji se ističe na tamnoj pozadini, unosi alarmantnu notu na platno i prenosi dramu koja obilježava ljudsko stanje.

Večera u Emausu
JACOPO PONTORMO
1525. Ulje na platnu. 230x173

Na ovoj slici Jacopo Pontormo prikazuje trenutak opisan u Jevanđelju po Luki, kada je uskrsli Hrist, koji se pojavio dvojici svojih učenika na putu za Emaus i koji ga oni nisu prepoznali, pristaje da podeli sa njima večeru: „ I kada je s njima sjedio, tada, uzevši hljeb, blagoslovi, razlomi i dade im. Tada im se otvoriše oči i prepoznaše Ga” (Luka 24:30).

Slikar je prikazao Hrista višeg od ostatka scene, ali je On u istoj ravni sa posmatračem, a pod, sto i likovi koji sede iza njega vide se malo odozgo. Odatle je cijela kompozicija doslovno privučena liku Spasitelja. Pontormo je u svoj rad unio karakteristike svakodnevnog žanra, uočljive u pozama učenika, u načinu na koji jedan toči vino, a drugi drži kruh. Ali iznad glave Hrista, svevideće oko Božije prikazano je u trouglu okruženom sjajem i simbolizujući Trojstvo, i to gledaoca vraća slici na njen uzvišeni plan.

Portret Lorenca Veličanstvenog
GIORGIO VASARI
Oko 1533–1534. Drvo, ulje. 90x72

Arhitekta, umjetnik i prvi istoričar italijanske umjetnosti, Giorgio Vasari, naslikao je ovaj portret koji je naručio Alessandro Medici mnogo godina nakon smrti osobe koja je na njemu prikazana.

Lorenzo Veličanstveni bio je unuk Kozima Starijeg Medičija i koncentrisao je svu vlast nad Firencom u svojim rukama, ali je istovremeno patronizirao umjetnike i pjesnike i sam pisao poeziju. Vrijeme njegove vladavine bilo je "zlatno doba" firentinske umjetnosti. Ali ovaj portret prikazuje čovjeka umornog izgleda, zamišljenog, ravnodušnog i prema slavi i bogatstvu, na šta nagoveštava crvena torbica, pa čak i prema činjenici da je proglašen "posudom svih vrlina", o čemu svjedoči natpis iza. Vasari je na slici izrazio čežnju za vremenom kada su slikarstvo, poezija i riječi humanista odzvanjale u duši vladara.

Ruski likovni kritičar Pavel Muratov pisao je o Lorencu kako je bio u opadajućim godinama: „Tada je Firenca još disala s njim; učinio je njenu sliku neiskvarenom. Čak i za umove narednih generacija, Quattrocento Firenca, Firenca Lorenca Veličanstvenog, činilo se kao manifestacija drevnog božanstva u čovjeku koji je posjetio italijansku zemlju. Samo joj se obraćanje bilo je ohrabrujuće. Kada je, pola veka kasnije... Giorgio Vasari preuzeo portret Lorenca sada u Uffizia, genije stare Firence je na čudan način oživeo u njemu..."

Portret Bia Medici
AGNLOLO BRONZINO
1542. Drvo, tempera. 64x48

Agnolo Bronzino, koji je radio za vojvodu Cosima I od Medičija, poput mnogih dvorskih slikara, nastojao je portretima prenijeti ne toliko unutrašnji svijet osobe koliko osjećaj onih koje je uhvatio za njihov visoki položaj. Otuda - neka odvojenost ljudi koje je on prikazao. Ali na predstavljenom portretu djevojčica je, uprkos svoj svečanosti njenog držanja i pomalo „zatvorenom“ izrazu lica, puna šarma, kao i svako dijete. U isto vrijeme iz nje izbija neka tuga. Možda je činjenica da se radi o posthumnom portretu kćeri Cosima I Biance, koja se u malom broju zvala Biya. Rođena je prije očevog braka s Eleonorom od Toleda od žene čije su ime znali samo vojvoda i njegova majka. Bija je umrla kao dete, njen otac je naručio Bronzinov portret, a umetnik je naslikao devojčicu rumenih punačkih obraza i odraslog pogleda, naizgled gledajući u posmatrača, ali i pored njega.

Portret Eleonore od Toleda sa sinom Giovannijem de' Medici
AGNLOLO BRONZINO
1545. Ulje na platnu. 115x96

Agnolo Bronzino bio je predstavnik manirizma, slikarskog pokreta koji je nastao u utrobi visoke renesanse, koja je jenjavala. Manirizam je umetnost stavio iznad prirode, pa otuda izvesna hladnoća koja izbija iz umetnikovih radova. Istovremeno, njegovi portreti su puni onog znanja o ličnosti koje je dostupno samo velikim majstorima.

Eleonora od Toleda, ćerka napuljskog vicekralja i supruga Kozima I de Medičija, i njena deca Bronzino su pisali više puta, ali ovaj portret je možda najbolji. Ovdje je predstavljena kao vladarica Toskane. Žena je obučena u raskošnu haljinu od srebrnog brokata sa zlatovezom, na glavi ima bisernu mrežu, na grudima biserne ogrlice, lice joj je izbijeljeno i razdvojenog izraza. Ali punašna beba, koju Eleanor grli, tjera te da zaboraviš na njenu titulu i vidiš da smo mi, prije svega, majka (rodila je jedanaestoro djece), koja voli svoje dijete i brine za njega. Majčinsku anksioznost, koju nije mogla da sakrije ni zbog bontona, Bronzino je uočio u pogledu žene. Ispostavilo se da je čitava luksuzna odjeća vojvotkinje svojevrsna distrakcija koja tjera gledatelja da pogleda sporedne stvari, kako bi kasnije sreo Eleanorine oči i shvatio da je ovu sliku stvorio umjetnik koji je duboko razumio osobu.

Leda i labud
JACOPO TINTORETTO
1555. Ulje na platnu 162x218

Ovaj venecijanski slikar kreirao je velika platna na kojima su poze i gestovi likova složeni i izražajni, a svjetlo se bori s mrakom. U ovom slučaju, Tintoretto se okrenuo drevnom mitu o tome kako joj se Zeus, ili Jupiter među Rimljanima, opčinjen ljepotom Lede, pojavio u obliku labuda. Stari rimski pjesnik Ovidije napisao je u Heroidima:

Što treba zapamtiti o obmani bijele pernate ptice potoka
I žalite što se Jupiterov labud sakrio u sebi?

Radnja je bila popularna među talijanskim umjetnicima zbog mogućnosti da prenese nijansu senzualne ljubavi, prikaže prekrasno nago tijelo žene i konačno unese posebnu plastičnost u sliku. U Tintorettu, labud dopire do Lede, koja i sama podsjeća na ovu gracioznu pticu. Prema legendi, radnja se odvijala na rijeci Evros, gdje se Leda kupala, ali je umjetnik scenu premjestio u sobu u bogatoj venecijanskoj kući. Ljepotica je zavaljena na krevetu, iza nje je baršunasta zavjesa koja ističe bjelinu tijela i naglašava njegovu glatkoću i nježnost. S lijeve strane je sluga koji, ne znajući o kakvom je labudu riječ, sprema ga staviti u kavez. Radnja služavke, od koje Leda zatvara svog ljubavnika, pojačava trenutak misterije prisutne na slici.

Madonna del Popolo
FEDERICO BAROCCI
1575–1579 Platno, ulje. 359x252

Nastanak baroka jasno se vidi u slikarstvu Federica Baroccija, koji je stvorio velika emocionalno ekspresivna platna s mnogo likova i složene kompozicije. Ova umjetnost je procvjetala u papskom Rimu u doba kontrareformacije, kada je Katolička crkva na sve moguće načine nastojala ojačati svoju poziciju i željela moćnu sliku koja se dopada vjernicima.

Barocci prikazuje Hrista, pred kojim Majka Božja kleči i moli se Sinu za čovečanstvo (otuda i naziv slike: „popolo“ na italijanskom znači „ljudi“). Dole se gomila svašta: bogalj, slepi muzičar, plemenita dama sa decom, obična žena sa detetom. Na slici je odjek našla i tema "sedam djela milosrđa", koja, prema učenju Katoličke crkve, vode ka spasenju. Stoga je, na primjer, ovdje prikazan bogato odjeveni dječak koji daje milostinju siromašnima.

Cijela slika je puna pokreta, arhitektura u pozadini se čudno pomiče u prostoru, ostavljajući utisak nečeg iluzornog. Ova osobina je bila karakteristična i za manirizam - pravac iz kojeg je izrastao i barok.

Bacchus
Michelangelo Merisi Da Caravaggio
Oko 1595–1597. Platno, ulje. 95x85

Stojeći na počecima baroka, Caravaggio je naslikao ovu sliku u relativno spokojnom periodu svog života. Otuda i izbor teme - Bacchus, grčki bog vina i zabave, na čijoj je slici majstor pokazao mladića klonulog pogleda, koji s ljubavlju pruža gledaocu čašu vina.

Njegovo snažno, mišićavo tijelo zrači zdravljem, nježno rumenilo igra na obrazima, punačke usne su sočne, a boja platna ostavlja osjećaj slavlja. Ali voće u vazi ispred Bacchusa nije tako svježe: jabuka je trula, na njoj je crvotočina. A lišće vinove loze u junačkom vijencu već vene. Karavađo se nije plašio da prikaže život onakvim kakav jeste, on je oštro osećao njegovu skrivenu dramatiku, koja se odrazila i na njegovu kasniju umetnost, koja je uticala na celokupno evropsko slikarstvo. Umjetnik se još jednom vratio temi veselog antičkog boga, ali je sam naslikao na njegovu sliku, fizički i psihički iscrpljen bolešću (platno „Bolesni Bahus“, pohranjeno u Galeriji Borghese u Rimu).

Žrtvovanje Isaka
Michelangelo Merisi Da Caravaggio
1601–1602 Platno, ulje. 104x135

Drama koja je rasla u Caravaggiovom djelu u potpunosti se manifestirala u prikazanom djelu, tim više zbog njegove radnje. Slika je naslikana za kardinala Maffea Barberinija, čije je pokroviteljstvo umjetnik uživao. On je prikazao trenutak kada biblijski starešina Abraham sprema da žrtvuje svog sina Isaka, kako mu je naređeno, kako bi utvrdio dubinu svoje vere, Boga.

U najkraćem vremenskom periodu, Caravaggio je uspio sadržati nekoliko intenzivnih radnji koje su izvodili likovi: otac, držeći rukom glavu vezanog sina, podiže nož nad njim, sin vrišti od straha, ali anđeo poslan od Boga zaustavlja Abrahama i pokazuje ga na žrtvenog ovna. Slika je toliko preplavljena emocijama da čak i anđeo izgleda zabrinuto, a jagnje zabrinutim pogledom vuče glavu, kao da moli da ga se stavi na Isakovo mjesto. Kompozicija koja se odvija horizontalno razvlači sve radnje likova u vremenu, tjerajući i njih i gledatelja da još snažnije dožive dramu koja je ovdje prikazana. Nije uzalud barokno slikarstvo, čiji je predak i jedan od najsjajnijih predstavnika bio Caravaggio, karakteriziralo upravo napetost strasti.

Ali umjetnik nije samo prikazao ljudska iskustva u određenom trenutku - on je otišao dalje, psihološki ih produbljujući. Dakle, Abrahamovo lice odražava žarku vjeru i očinsku ljubav koja se bore u njemu. Pejzaž u pozadini koji uranja u sumrak pojačava dramu, ali grad na planini i svijetla udaljenost neba naglašavaju prosperitetni ishod koji će uskoro doći.

David sa glavom Golijata
Michelangelo Merisi Da Caravaggio
1605. Ulje na platnu. 222x147

Umjetnik bolonjske škole, gdje je akademizam cvjetao, Guido Reni je također bio pod utjecajem Caravaggia. Prihvatio je majstorovo uvjerenje da umjetnost treba da bude što bliža stvarnosti, pa se ne treba bojati prikazati čak i neugodne ili strašne stvari. Ova sinteza strastvenog, realističkog slikarstva i akademskog manira oličena je u Renijevoj slici David sa glavom Golijata.

Jedna od karakteristika karavagizma bila je kontrastna rasvjeta koju umjetnik ovdje koristi, ali njegova svjetlost nije toliko topla kao Caravaggiova, već prilično hladna. Biblijski pastir David, koji je pobijedio diva, stoji u gracioznoj pozi, u kapici s perom, i gleda daleko u glavu neprijatelja, ispisanu naturalističkim detaljima. Tradicija prikazivanja Davida kao lijepog mladića uspostavljena je u italijanskoj umjetnosti još u 15. vijeku, a primjer je Donatelova statua. Ali kontrast između mladog, cvjetajućeg junaka, koji personificira sam život, i strašne glave ubijenog diva, na kojem se temelji Renijevo djelo, bio je karakterističan za umjetnost manirizma i akademizma.

Judita odrubljuje glavu Holofernu
ARTEMISIA GENTILESCHI
1620. Ulje na platnu. 199x162.5

Ćerka Orazija Gentileskija, najboljeg od onih koji su pripadali školi Caravaggio, Artemisia Gentileschi naslijedila je sve karakteristike ovog trenda. Oni su se pojavili na predstavljenoj slici.

Za platno je umjetnik odabrao trenutak kada ga Izraelka Judita, koja je zavela asirskog zapovjednika Holoferna, čija je vojska opsjedala njen rodni grad, ubija. Gentileschi prikazuje krvavu scenu sa zastrašujućim detaljima: služavka pokušava zadržati Holoferna, izbezumljena od straha, a Judith ga hvata za kosu i zabija mu oštricu mača u vrat.

Slika Caravaggia, koji je također prikazivao Juditu i Holoferna, Davida sa glavom Golijata, odlikovala se intenzivnom dramatikom. Uticaj ovog majstora objašnjava kako složene poze na Gentileschijevoj slici, tako i jarku bijelu svjetlost, poput bljeska munje, izvlačeći figure iz mraka. Poput njenog nastavnika dopisnog, Gentileschi vješto oslikava ljudsko tijelo, ponekad snažno i napeto, poput Juditinih ruku, ponekad meko i već gotovo mlohavo, poput ramena i nogu Holoferna.

Kompozicija koja se razvija oko nevidljive ose, usiljene emocije likova, određena teatralnost svojstvena prikazanom znaci su barokne umjetnosti, u kojoj se umjetnica pokazala.

Pogled na Duždevu palatu u Veneciji
ANTONIO KANAL (CANALETTO)
Prije 1755. Ulje na platnu. 51h83

U Veneciji 18. stoljeća bile su popularne veduta, odnosno slike gradskih vizura. Ova tradicija je nastala u umjetnosti umjetnika iz 15. stoljeća Gentilea Bellinia i Vittorea Carpaccioa. Ali ako su za njih i osoba i grad bili ekvivalentni, onda za majstore venecijanskog olova grad postaje glavna stvar. Jedan od najboljih predstavnika ovog žanra je Canaletto. Voleo je da crta ogroman prostor, gde se Venecija uklapa između vode i neba, a često je prikazivao lagunu, katedralu San Marko, Duždevu palatu. Zgrade na ovoj slici se ogledaju u vodi i "gledaju" u nebo. Ako drugi majstor olovke, Francesco Guardi, na platnima izgleda kao da je sve zasićeno vlagom kanala i obližnjeg mora, onda su Canalettova tri elementa - voda, zemlja i zrak - ekvivalentna. Njegova zemlja nije klimava traka na ivici voda, arhitektura izgleda svečano se otkriva, a sve sjedinjuje zlatna svjetlost koja se s neba slijeva na blagoslovljenu zemlju Serenissime - "Najsjajniju", kako se zove Venecija .

Portret Felicite Sartori (?) u turskoj nošnji
ROSALBA CARRIERA
1730-ih. Papir, pastel. 70x55

Portreti koje je Rosalba Carriera slikala svojim suptilnim bojama, svjetlošću i zrakom nose sve karakteristike venecijanskog slikarstva. Umjetnik je jedan od predstavnika rokoko stila, čija su prepoznatljivost lagani, prozirni (za Carriera - zahvaljujući pastelnoj tehnici) tonovi i razigrani zapleti. Zapravo, svo venecijansko slikarstvo XVIII vijeka po svojoj strukturi bilo je blisko rokokou. U njoj, kao i u ovoj svijetloj umjetnosti, ima dosta karnevala: nakon što je Venecija prestala da igra jednu od vodećih uloga u političkom teatru Evrope, ona se sve više pretvarala u pozorište, u grad duhova, gdje maskenbal je počeo da izgleda kao prirodna zabava. Devojka sa slike, obučena u tursku haljinu i sa maskom u ruci, deo je ovog karnevala.

Sedef, roze, plava su neke od omiljenih boja rokoko majstora. Oblina tijela modela, okretanje glave i njen pogled u stranu također su tipični rokaj.

UMJETNOST HOLANDIJE, HOLANDIJE I FLANDRIJE

auto portret
Rembrandt Harmens Van Rijn
Oko 1639. Ulje na drvu. 62,5x54

Rembrandt je bio umjetnik u novom evropskom slikarstvu koji je nastojao da prodre u dubinu ljudske duše, zbog čega je toliko slikao autoportrete, kao da razgovara sam sa sobom. U mladosti, dok je još bio sretan, pa čak i nonšalantan, volio je da se prikazuje obučenog i blago pozira. “Rembrandt je volio da se oblači i oblači kao pravi glumac”, rekao je francuski pisac i umjetnik Eugene Fromentin. - Stavio je turbane, somotne beretke, šešire od filca, kamizole, kabanice... Zakačio je nakit na kosu, stavio zlatne lančiće sa kamenjem oko vrata. Ali istovremeno je umjetnik nastojao da pronikne u tajnu tajne osobe, što je vidljivo i u ovom „Autoportretu“.
Crtajući sebe kako cvjeta, majstor je nastojao zadržati mladost i ljepotu na platnu, jer prolaze. Čovek kakav jeste - slab, prepušten na milost i nemilost, a opet jak, dok u sebi oseća ritam života - to je glavna tema Rembrantovog slikarstva.

UMJETNOST HOLANDIJE, HOLANDIJE I FLANDIJE:

• Položaj u kovčegu. ROGIER VAN DER WEYDEN
• Klanjanje pastira (Portinari oltar). HUGO VAN DER GUS
• Sveti Benedikt. HANS MEMLING
• Navještenje. MATTHIAS STOMER
• Portret Isabelle Brant. PETER PAUL RUBENS
• Portret Margerite od Lorene, vojvotkinje od Orleana. ANTONIS VAN DYCK

Položaj u kovčegu
ROGIER VAN DER WEYDEN
Oko 1450. Ulje na drvu. 100x96

U svojoj slici Rogier van der Weyden, umjetnik rane holandske renesanse, uspio je prikazati različita ljudska raspoloženja. U predstavljenoj oltarskoj pali, vjerovatno nastaloj tokom putovanja po Italiji, slikar je prenio duboku patnju i istovremeno je odjenuo u čudesne boje i linije.

Josip iz Arimateje i Nikodim, krijući svom snagom svoje duševno stanje, nose mršavo i mršavo tijelo Kristovo do groba; John se sagnuo da mu poljubi ruku; Marija Magdalena je kleknula užasnuta, Majka Božja izmučenog lica nježno drži ruku svoga Sina. Snažan religiozni osjećaj koji je pokretao kist Rogiera van der Weydena ovdje sve osvjetljava, i zato, uprkos svemu, daje ljepotu dramskoj sceni. Poze, na primjer, Johna su graciozne, pokreti su glatki, boje su čiste, a duh je uhvaćen iz suncem okupanog pejzaža u daljini.

Francuski istoričar i filozof Hipolit Taine pisao je o holandskim umetnicima tog vremena: „Obratite pažnju na njihove neobično bogate i jarke boje, na čiste i moćne tonove... na veličanstvene prelome ljubičastih haljina, na azurna udubljenja dugotrajnih haljine, do draperija, zelene kao livada probijena zracima sunca... u moćnu svjetlost koja grije i pozlaćuje cijelu sliku..."

Poklonstvo pastira (Portinari oltarna slika)
HUGO VAN DER GUS
Oko 1476–1478. Drvo, ulje. 253x588

Majstor sjeverne renesanse, Hugo van der Goes, mogao je u svojim djelima reflektirati svijet oko sebe sa svim detaljima i istovremeno gledati na prikazano s visine koja je bila svojstvena renesansi. Umjetnik je imao istinski interes za unutrašnji svijet ljudi koje je slikao, a opisani kvalitet bio je renesansne prirode. Sve se to posebno u potpunosti manifestira u prikazanom triptihu.

Oltar je posvećen klanjanju pastira Mladencu Hristu, na bočnim krilima su prikazani donatori - Tomazo Portinari, njegova supruga Marija Barončeli, njihova deca i sveci, a na poleđini krila je Blagoveštenje. Italijan Tommaso Portinari, koji je vodio ured banke Medici u belgijskom gradu Briž, naručio je ovu oltarnu sliku za crkvu Sant'Egidio u Firenci.

Glavni dio oltara je prostrani prostor, u čijem se središtu nalazi dijete Hristos, koji izgleda posebno mali u odnosu na likove Majke Božje, Josipa i pastira. Talijanski majstor bi u ovom slučaju nacrtao punašno i krupno dijete kako bi naglasio njegovo neobično porijeklo, ali holandski umjetnik je vjeran životnoj stvarnosti, stoga je na oltarnoj slici Van der Goesa novorođenče malo, on ima maglovit izgled jedva rođene osobe i slabe pokrete ruku i nogu. Prikazujući Boga, koji je na svijet došao u obliku malog, dirljivog djeteta, umjetnik je djelu postavio posebno raspoloženje - nježnost.

Taj osjećaj izražava suptilno, jer ovdje niko nije otvoreno dotaknut: Majka Božja je uronjena u kontemplaciju Sina, anđeli počinju detaljno da se mole, na licima drugih likova postoji duboka zamišljenost i ozbiljnost. Ali načinom na koji je zabačena Josifova kosa, koji nije imao vremena da je izgladi od uzbuđenja, njegovim rukama marljivo sklopljenim u molitvi, porivom u kojem se pastiri klanjaju pred Bebom, oseća se radosni šok koji se smenjuje emocijama u dušama svih ovih ljudi. I samo jedan od pastira grubog, običnog lica, koji nije stigao da klekne i sklopi ruke u molitvi, gleda šta se dešava, bukvalno otvarajući usta u čudu. Umjetnik je pozoran na sve ove detalje, jer oni stvaraju ugođaj slike, poput cvijeća u vazi u prvom planu, koja se djelomično raspada, i vezenih haljina anđela na desnoj strani, i prekrasnog, svjetlom ispunjenog pejzaža u pozadinu.

Kada je 1483. oltar dovezen preko mora u Firencu, zadivio je one koji su ga vidjeli i imao je veliki utjecaj na talijansko slikarstvo.

Sveti Benedikt
HANS MEMLING
1487. Ulje na drvetu. 45,5x34,5

Rad učenika Rogiera van der Weydena, Hansa Memlinga, pripadao je novom periodu holandskog slikarstva 15. stoljeća, koje je već bilo pod znatnim talijanskim utjecajem, što se vidi iz prikazanog portreta.

Sveti Benedikt je rodonačelnik zapadnog monaštva i autor povelje koja je činila osnovu njegove zajednice. Memling je prikazao Benedikta u crnoj monaškoj odori, sa štapom, kako pažljivo čita Bibliju. Čini se da svetac šapuće božanske reči. Umjetnik je pod krinkom ovog askete i pustinjaka prenio izraz lica osobe udubljene u čitanje i divljenje napisanom. Meka crno-bijela slika lica i ruku svetog Benedikta još više čini da osjetite njegovu sliku, čijom tišinom i koncentracijom odjekuje večernji krajolik ispred prozora.

Navještenje
MATTHIAS STOMER
1633–1637/1638 (?). Platno, ulje. 113x166

Matijas Stomer bio je jedan od onih koje zovu "karavagisti", odnosno sledbenik italijanskog umetnika Mikelanđela Merisija da Karavađa, čiju je sliku Holanđanin mogao da vidi tokom boravka u Napulju. Od njega je Stomer preuzeo, između ostalog, crte chiaroscura, koje je koristio na ovoj slici.

Djevica Marija i arhanđel Gavrilo koji su joj se ukazali obasjani su plamenom svijeće koja stoji na stolu, grabeći svoje likove iz sumraka sobe. Fluktuirajuća svjetlost pojačava napetost cijele scene, što se očituje u Marijinom izrazu lica i Njenom gestu. Sve što je Stomer prikazao izgleda magično u ovom svjetlu. Ali umjetnik, pribjegavajući ovoj metodi osvjetljenja, ne samo da stvara raspoloženje, već rješava i čisto slikovne probleme. Ruke i lica likova dobijaju toplinu, a čini se da se kroz providnu kožu vidi pulsiranje krvi. Gledalac oseća da stoji veoma blizu ovog stola, odnosno da je svedok onoga što se dešava. Ovaj efekat je u slikarstvu postigao sam Caravaggio, i svi koji su bili pod njegovim uticajem.

Portret Isabelle Brant
PETER PAUL RUBENS
Oko 1625–1626. Platno, ulje. 86x62

Umjetnik koji je stvorio mnoga platna na kojima vlada obilje mesa, Rubens je ujedno bio i najbolji portretista. Pisao je uglavnom rodbini i više puta, kao što je, na primjer, njegova prva žena Isabella Brant. Ovaj portret je Rubens napravio neposredno prije njene smrti. Nakon smrti svoje žene, ovako je o njoj govorio u jednom od svojih pisama: „Zaista, izgubio sam odličnu prijateljicu... nije bila ni gruba ni slaba, ali tako ljubazna i tako poštena, tako čestita da su je svi voleli živi i oplakuj mrtve.”

Ali dok je umjetnikova vjerna djevojka živa, on hvata njenu mladu i privlačnu, živahnih, inteligentnih očiju i nježnog osmijeha. Čini se da iz Isabelle izbija nevidljiva svjetlost. Rubens ne razdvaja tjelesno i duhovno u čovjeku: duh lebdi kroz materiju. Stoga je majstor na sve moguće načine pokušao naglasiti tjelesnu ljepotu svoje voljene, na primjer, zasjenio je njenu bijelu nježnu kožu, kao što je to često činio, tamnim krznenim kaputom. Crvena pozadina odzvanja rumenilo na obrazima, a ogrlica i čipka stvaraju nešto poput dragocjenog ambijenta za ženu tako dragu srcu umjetnika.

Portret Margerite od Lorene, vojvotkinje od Orleana
ANTONIS VAN DYCK
1634. Ulje na platnu. 204x117

Anthony van Dyck je portretirao mnoge osobe iz kraljevske porodice, ali, uhvativši ih u svečanim pozama, nastojao je prenijeti unutrašnji svijet prikazanih ljudi.

Vertikalno izduženi format karakterističan za mnoge slike ovog umjetnika naglašava veličanstvenost i istovremeno sofisticiranost prikazane žene. Bijelu, poput porculana, Margaritinu kožu zasjenila je tamna haljina, a njena lijepo oblikovana glava, vrat i šake sa dugim prstima koji prebiraju kroz somot izgledaju još elegantnije zbog raskoši ruha.

Platno je dizajnirano u nekoliko boja - bijela, crna, svijetlosmeđa, telesna, ovu diskretnu kolorit oživljava crvena draperija pomaknuta u stranu i blago otvarajući krajolik razvučen u daljini s lijeve strane. Ruže u ruci djevojke mogu simbolizirati ljubav ili naglasiti njenu mladost i privlačnost, što je posebno vidljivo čak i na svečanom portretu.

HANS HOLBEIN JUNIOR

Portreti koje je stvorio Hans Holbein odlikuju se velikim psihologizmom, a istovremeno i onom mjerom generalizacije koja podiže prikazano iznad svakodnevnice.

Sir Richard Southwell je predstavljen na ovoj slici, naslikanoj u vrijeme kada je Holbein postao dvorski slikar Henrija VIII. Služio je na sudu, bio je član parlamenta i vojnik koji je učestvovao u nekoliko kampanja. Neutralna pozadina i gotovo jednobojna shema boja rada omogućavaju gledaocu da se fokusira na lice prikazane osobe. Umjetnik precizno prenosi sve detalje Southwellovog izgleda, kao i njegov miran i samouvjeren karakter, što se događa ljudima koji su vidjeli mnogo u životu. Ali lik slike, koliko god blizak gledaocu, izolovan je od njega: on intenzivno gleda u daljinu, razmišlja o svom.

Sposobnost da se otvori duša osobe i istovremeno je malo uzdigne istakla je Holbeina kao jednog od majstora renesanse.

Adoration of the Magi
ALBRECHT DURER
1504. Ulje na drvu. 99x113.5

Njemačkom renesansnom umjetniku Albrechtu Düreru naručio je elektor Fridrih Mudri od Saksonije kapelu svog dvorca u Wittenbergu. Direr se upravo vratio sa svog prvog putovanja u Italiju, pa odlike severnoevropskog slikarstva - detaljan prikaz detalja, jarke, blistave boje - ovde koegzistiraju sa uticajem italijanskog slikarstva, koji je izražen u perspektivnoj konstrukciji kompozicije. Osim toga, slika prikazuje ruševine antičkih građevina, stvarajući složene prostorne planove, što je opet bilo tipično za talijansko slikarstvo.

Poklonstvo mudraca podsjeća na nedovršenu sliku Leonarda da Vincija slične teme, koja se također čuva u Uffiziju. Ali Mlečani su imali direktan uticaj na Durera - Andrea Mantegna sa svojom strašću za obiljem kamena na slikama i Giovanni Bellini sa svojim laganim i jasnim slikarstvom. Međutim, Durerovi likovi su pisani sa stepenom psihologizma koji mu je posebno bio svojstven.

Umjetnik je u scenu bogosluženja unio dirljive trenutke: Novorođenče Krist otvara kovčeg, u kojem leži zlato koje mu je donio jedan od mudraca, sa radoznalošću kojom su sva djeca privučena nepoznatom, a stari Mag gleda u ovo dijete ozbiljnog i nadahnutog pogleda, lagano nagnuvši glavu na jednu stranu. . Kao i mnogi umjetnici sjeverne renesanse, Dürer ne odstupa od detalja da su mudraci došli Kristu iz različitih dijelova svijeta, što znači da bi među njima mogao biti i crnac.

Uprkos obilju detalja, slika je puna uzvišenog duha, mekog i istovremeno svečanog raspoloženja, što je bilo karakteristično za slikarstvo ovog njemačkog majstora.

Mučeništvo svetog Florijana
ALBRECHT ALTDORFER
Oko 1520. Ulje na drvu. 76x67

Rad nemačkog renesansnog umetnika i rukovodioca podunavske škole Albrehta Altdorfera bio je deo velikog slikarskog ciklusa, koji je danas raspršen po raznim muzejima i predstavlja prizore iz života svetog Florijana.

Sveto predanje kaže da je ovaj rimski vojnik, koji je živeo u III-IV veku, tajno prešao na hrišćanstvo i pokušao da spase hrišćane od pogubljenja u gornjoaustrijskim zemljama, zbog čega je osuđen na smrt. Vezali su mu kamen oko vrata i bacili ga u rijeku. Altdorfer je prikazao Florijana kako kleči na mostu sa ogromnim mlinskim kamenom vezanim oko vrata. Mučitelji i samo posmatrači su se gurali okolo. Umjetnik je cijelu scenu prikazao gledano odozdo, zbog čega se u rasponu mosta otvara predeo koji oduzima dah: vode rijeke su prozirne, prave kovitlace oko oslonaca, daleke plave planine dave se u sunčanoj izmaglici, a na vrhu se vidi dvorac. Svijet na Altdorferovim slikama izgleda magično lijepo, čak i kada on prikazuje mučeništvo. Kompoziciono podižući čitavu scenu, slikar je time iskazao veličinu podviga Florijana, a svijet koji blista naglašava duhovnu ljepotu sveca.

auto portret
HANS HOLBEIN JUNIOR
1542. Pastel na papiru. 32x26

Mali autoportret umjetnika nastao je oskudnim sredstvima kojima je Hans Holbein godinama pribjegavao sve češće. Obično se na njegovim portretima modeli prikazuju na neutralnoj pozadini, ali u ovom slučaju ona je zlatna, što podsjeća na srednjovjekovnu umjetnost, gdje je takva pozadina simbolizirala nebo. Ova tehnika pretvara cijelu sliku u neku vrstu uzvišenog plana.

Holbein je pažljivo prenio detalje vlastitog izgleda: široko lice, blago žmirkave oči, kratku pahuljastu bradu i druge crte. Koncentracija, iskreno interesovanje vidljivi su u njegovom pogledu, a to je istovremeno i pogled osobe koja sve oko sebe vidi iz širokog ugla. Ovako umjetnici gledaju na svijet - kako izbliza, tako i zagrljajući ga kao ogromnu panoramu.

Portret Martina Luthera i Philipa Melanchthona
Lucas Cranach stariji
1543. Ulje na drvetu. 16x21

Njemački renesansni slikar i grafičar Cranach radio je dugi niz godina, do kraja života, na dvoru saksonskog izbornika Fridriha Mudrog. U Vitenbergu, gradu koji je, zahvaljujući naporima svog vladara, postao jedan od centara evropskog humanizma, umetnik se sprijateljio sa osnivačem nemačkog protestantizma i istaknutom figurom reformacije Martinom Luterom i njegovim saradnikom teologom Filipom. Melanchthon.

Majstor je oba portreta svojih prijatelja naslikao u istom stilu: postavio je figure u tamnim haljinama na neutralnoj pozadini i istaknuo lica portretiranih. Luter, koncentrisan i odlučan, gleda u daljinu, Melanchthon se produbio u sebe. Umjetnik je prenio i fizionomske osobine svakog od njih: jedan je punašan, mekog obrisa obraza i vrata i tvrdoglave brade, drugi je mršav, oštrih crta lica. Cranach i u jednom i u drugom ističe, prije svega, ljudski, individualni početak, što je bilo posebno važno za majstore sjeverne renesanse. Zahvaljujući umetnikovoj posvećenosti realizmu, gledalac može jasno da zamisli kakvi su bili ti ljudi koji su stvarali istoriju.
Portret grofice de Chinchon.
FRANCISCO GOYA

Izduženi format slike i sve gušći mrak kao pozadina daju liku grofice posebnu krhkost, naglašenu laganom, prozračnom haljinom svijetlo sivo-smeđe boje s ružičastim prugama i frizurom u kojoj kao da vreba vjetar. . U celom liku devojke, makar i iz kraljevske porodice, oseća se tuga, prozirna i u njenim živahnim smeđim očima i u njenim sklopljenim rukama, koje Marija Terezija, kao namerno, pokušava da čvršće stisne. Grofica je tada doživjela ne najbolje vrijeme u svom životu: njen suprug, svemogući premijer španske vlade, Don Manuel Godoy, imao je vlastodržac, osim toga, ovaj čovjek je bio kraljičin ljubavnik. Goja je već naslikao groficu, a sada, dobro poznavajući ovu mladu ženu i saosećajući se prema njoj, primetio je njenu duboko skrivenu tugu. Portret, zamišljen kao ulazna vrata, prikazuje gledaocu živahnu i šarmantnu osobu.
EL GRECO (DOMENIKOS THEOTOKOPULOS)
Oko 1600. Ulje na platnu. 110x86

El Grecovo slikarstvo se nekad pripisuje manirizmu, nekad baroku, dapače, ne pripada nijednoj struji. Originalnost manira ovog umjetnika izražena je u prikazanoj slici.

El Greco je na njemu prikazao sv. Ivana Evanđelistu kako razgovara sa sv. Franjom. Kod Jovanovih nogu je postavljen njegov simbol - orao, a u rukama apostol drži zdjelu iz koje ispuzi zmaj. Učitelj se ovdje prisjeća priče o tome kako je jedan Hristov učenik, koji je propovijedao Njegovu riječ, uhvaćen i poslan u Rim, gdje mu je data čaša otrova. Nakon što ga je popio, Džon je ostao nepovređen. Na slici zdjela u ruci simbolizira crkvu, a zmaj, koji je vremenom zamijenio zmiju u ovoj ikonografiji, zlo je pobijeđeno vjerom. Primjer takve vjere je sveti Franjo.

Izdužene figure likova, tipične za El Grecovu sliku, podsjećaju na plamen iznad svijeća. Zemlja, koja se proteže do stopala svetaca, naglašava razmjer njihovih slika, a pozadina je nebesko plavetnilo s gustim oblacima, uz koje su se Ivan i Franjo mogli uzdići na nebo.

Portret Marie-Therese de Bourbon y Vallabriga na konju
FRANCISCO GOYA
1783. Ulje na platnu. 82h61

Jedan od najmisterioznijih španskih umjetnika, Francisco Goya, mnogo je radio na kraljevskom dvoru, gdje je naslikao i ovaj portret Marije Tereze de Bourbon y Vallabriga, buduće grofice de Chinchon, prikazujući je na konju iu pozadini planinskog pejzaža. . Tamni oblaci jure nebom, sjene od njih jure po zemlji, a prirodu zahvati to alarmantno stanje koje se događa uoči oluje. Ali mlada žena pokušava da bude pribrana i čvrsto u sedlu. Ona je prikazana u profilu, što njenom izgledu daje određenu oštrinu.

Međutim, figura djevojke ispisana je laganim potezima, čipka na njenim grudima pjeni se, a baršun haljine svjetluca. Lice Marije Terezije dirnuto je rumenilo, sva izgleda nježno i pobožno, okružena surovom prirodom sa stjenovitim krajolikom i stjenovitim planinama. Goya, koji je imao iskreno interesovanje za ljude, uspeo je čak i na ovoj skici da izrazi tu krhkost i istovremeno snagu čoveka, koji izazivaju veoma topao osećaj.

Rođen u Švajcarskoj, Jean-Étienne Lyotard je studirao slikarstvo u Francuskoj, a zatim je otputovao i vratio se u Pariz. Tamo je stekao zaštitnicu u liku Madame de Pompadour, koja je dala ton u francuskom visokom društvu. Od tada je umjetnik naslikao mnoge ljepotice kraljevske porodice i dame koje su blistale na dvoru. Jedan od ovih portreta predstavlja Marie Adelaide od Francuske, kćer kralja Luja XV.

Lyotard je prikazao šarmantno mlado stvorenje koje sjedi na sofi s knjigom u ruci i obučeno u tursku nošnju. Nakon nekoliko godina provedenih u Carigradu, umetnik je zavolio orijentalnu odeću i sam se u njih obukao. Crtajući Marie Adelaide, slikar je prenio tanku, baršunastu kožu princeze i laganu tkaninu njenog kostima. Svjetlost s prozora pada tako da djevojčino lice ostaje u sjeni, a njen obraz, malo uho sa visećom minđušom i vrat su osvijetljeni, što sliku čini još nježnijom i dirljivijom. Mekoća jastuka na sofi pojačava raspoloženje blaženstva koje je proliveno na ovoj slici, ali je istovremeno Lyotard uneo neke „protivurečnosti“ u svoj rad: Marie Adelaide, obučena kao za maskenbal, sedi na sofi, uronjena u čitanje. , što nije dovoljno odgovara mirisu senzualnosti razlivenog oko nje. Ovaj kontrapunkt stvara blagu napetost u slici, što je bilo karakteristično za rokoko umjetnost.
Djevojka sa loptom
JEAN-BAPTISTE SIMEON CHARDIN
Oko 1737. Ulje na platnu. 82x66

Poezija svakodnevnog života, njen jedan jedini trenutak - na tome počiva slika Jean-Baptiste Chardina. Bio je pristalica svakodnevnog žanra, uzdignut do filozofskih visina. Umjetnik je birao jednostavne radnje i tjerao gledatelja da dugo gleda u njegove slike, kao u ovu "Djevojku s loptom", gdje se čini da se ništa ne događa, samo nježno stvorenje, rumeno i prnjavo, smrznuto od loptica i reket u rukama. Na licu heroine je zbunjen i tužan izraz, kao da niko ne želi da se s njom udruži ili nije baš uspešna u igri. Utisak je da se vidi kako joj usne drhte, a oči pune suza. U gledaocu odjekuju doživljaji gotovo djeteta, koji u ovoj žanrovskoj sceni vidi ljepotu i složenost života, izraženu u malim stvarima.

Povodom ove i još jedne slike – „Dečak sa bravom od kartice“, koja se takođe nalazi u muzeju, – umetnikov sunarodnik, francuski pisac Stendhal, ovako je odgovorio: „Stajao sam i gledao ih u onom srećnom stanju koje je moglo samo budi...”

IZDAVAČKA KUĆA "DIRECT-MEDIA":

Generalni direktor: K. Kostyuk
Glavni urednik: A. Baraghamyan
Umetnički urednik: M. Gordeeva
Autor teksta: I. Kravchenko
Urednik: S. Suvorova
Korektor: G. Barysheva
Dizajn: P. Kallinikov
Adresa izdavača: 117342, Moskva,
st. Obručeva, d.34/63, zgrada 1
[email protected]
www.directmedia.ru