Galeri Uffizi di Florence. Alamat dan deskripsi museum. Galeri Uffizi di Florence (Galleria degli Uffizi) Istana Uffizi di Florence

"Bunga Tuscany" disebut di zaman kuno Florence. Bahkan di antara kota-kota lain di Italia, yang kaya akan monumen bersejarah dan artistik, kota yang berkembang pesat ini dianggap sebagai harta karun seni. Itu dihiasi dengan kreasi abadi Giotto, Michelangelo, Brunelleschi, Cellini dan banyak arsitek, pematung, dan pelukis hebat lainnya.

Istana Florentine kuno, gereja dengan lukisan dinding karya seniman terkenal, museum dengan harta karunnya yang tak ternilai harganya telah lama menarik para pecinta seni dari seluruh dunia. Bagi orang Italia sendiri, Florence adalah simbol Renaisans. Beberapa dekade lalu, pusat bersejarah Florence ditutup untuk mobil. Jalanan dikembalikan ke pesona aslinya, menjadi lebih mudah untuk membayangkan bagaimana Leonardo da Vinci dan Michelangelo melewati rumah-rumah ini, biksu Dominika Savanarola yang gigih berjalan di tengah kerumunan pengagum fanatik ... Sayangnya, waktu yang tak terhindarkan menghancurkan batu di Duomo Persegi, di mana dia mencintai sendirian duduk Dante yang hebat. Tapi setiap Florentine bisa menunjukkan tempat ini...

Sudah di zaman kuno, banyak yang menganggap Florence sebagai kota paling sempurna dari semua kota. Misalnya, Leonardo Bruni menulis kata pujian kepada kota: “Tidak ada yang tidak teratur di dalamnya, tidak ada yang tidak pantas, tidak ada yang tidak masuk akal, tidak ada yang tidak masuk akal; semuanya memiliki tempatnya, dan tidak hanya didefinisikan secara ketat, tetapi juga sesuai dan perlu. Florentine memuliakan kota mereka tidak hanya dengan kata-kata, tidak hanya dengan menulis pesan pujian. Mereka mengubah bangunan, alun-alun, dan jalan-jalannya, serta merayakan liburan dengan kemewahan yang belum pernah ada sebelumnya. Pada pertengahan abad XIV, banyak keluarga dengan energi dan ketajaman bisnis yang tiada habisnya (Strozzi, Alberti, dll.) Muncul ke permukaan kehidupan perkotaan Florence. Di antara mereka menonjol keluarga Medici, yang dulunya adalah tabib (inilah arti nama belakang mereka). Tetapi pada pertengahan abad ke-15, rumah perbankan Medici telah menjadi salah satu yang terkaya dan paling berpengaruh di Florence. UVFICI, di Florence, adalah salah satu galeri seni paling representatif di Italia. Bertempat di gedung yang dibangun untuk kantor pemerintahan pada 1560-1585. arsitek G. Vasari dan B. Buontalenti. Didirikan pada 1575 berdasarkan koleksi keluarga Medici. Galeri ini menyimpan koleksi Italia abad XIII-XVIII terkaya di dunia. (karya Duccio, Giotto, P. Uccello, Piero della Francesca, S. Botticelli, Leonardo da Vinci, Raphael, Titian, dll.) dan lukisan Eropa, karya seni kuno, pilihan unik potret diri seniman Eropa. Galeri Uffizi (itu. Galleria degli Uffizi) adalah sebuah istana atau, demikian juga disebut, sebuah palazzo di Florence, Italia, di mana salah satu museum tertua dan paling terkenal di dunia berada. Galeri Uffizi terletak di jantung kota Florence. Di utara, bangunan berbatasan dengan Palazzo Vecchio dan Piazza della Signoria, sedangkan sisi selatannya menghadap tanggul sungai Ario dan Poite Vecchio.
Sejarah Uffizi dimulai pada Juli 1559, ketika penguasa Florence, Cosimo I Medici, berencana menyatukan semua layanan administrasi kota menjadi satu istana umum yang luas. Untuk mengimplementasikan proyek tersebut, master Giorgio Vasari diundang, yang mulai bekerja pada tahun 1560. Namun, Vasari meninggal pada tahun 1574, dan penggantinya, Bernardo Buontalenti, menyelesaikan pembangunannya. Sejak 1575, pembentukan museum dimulai di gedung Uffizi - dasarnya adalah koleksi keluarga Medici

"Potret Bia Medici

putri Cosimo I", 1542 Galeri Uffizi, Florence

Potret Cosimo I Medici dalam baju zirah, 1545

Cosimo Medici turun dalam sejarah dengan nama Penatua, dan meskipun dia sendiri tidak terlalu terpelajar, dia adalah seorang teman pendidikan dan seni. Potret penguasa Florence yang tidak bermahkota ini, dilukis oleh seniman Pontormo, digantung di Galeri Uffizi yang terkenal. Cosimo de' Medici digambarkan dalam pose yang tenang. Dia duduk di kursi berlengan dengan tangan terlipat dan kepalanya yang sedikit tertunduk menoleh ke samping ke arah penonton. Tidak ada seremonial atau teatrikal tentang kepala keluarga Medici: dia mengenakan jubah merah polos dengan kerah kosong dan lengan baju yang lebar. Potret tersebut menggambarkan seorang pria kurus dan paruh baya, yang wajahnya cerdas dan energik terlihat sedih, dan jari-jarinya terkepal erat. Tampaknya dia penuh dengan pikiran dan kekhawatiran, dan hidupnya jauh dari ketenangan dan kebahagiaan. Biji-bijian Galeri Uffizi disusun pada abad ke-15 tepatnya di bawah pria ini - Cosimo de Medici the Elder, yang juga disebut "bapak Tanah Air". Dia adalah Medici pertama yang, dengan uangnya sendiri, mulai dengan sengaja mengumpulkan lukisan dan pahatan untuk menghiasi istana dan kotanya sendiri. Penggantinya kemudian mengikuti teladannya, memperkaya koleksinya. Fondasi galeri diletakkan oleh Francis I, yang menerima 26 patung kuno dari Paus Pius V, yang diakui oleh paus sebagai cabul bagi Vatikan. Awalnya, semua koleksi ada di kastil keluarga Medici - Palazzo Riccardi, tetapi di era peristiwa sejarah yang bergejolak, banyak harta yang terkumpul mati atau jatuh ke tangan yang salah. Sebagai seorang arsitek, Cosimo mengundang Giorgio Vasari, mengizinkannya untuk menghancurkan kawasan lama di dekat Piazza della Signoria, dan menggunakan pecahan bangunan batu yang hancur dalam konstruksi. Pekerjaan dilakukan dengan tergesa-gesa, tetapi baik Cosimo maupun Vasari tidak melihat bangunan yang sudah selesai. Konstruksi selesai pada 1580; bangunan Uffizi memiliki bentuk U yang panjang, menyisakan fasad sempit ke sungai. Itu tidak sepenuhnya asli, termasuk beberapa bangunan awal. Ini termasuk Gereja San Pietro Sceragio dan Mint, yang mencetak florin emas pertama pada tahun 1252. Karya desain di Uffizi dilakukan oleh seniman terkenal (termasuk Allori, Bizzelli, dan Pieroni). Sebuah taman gantung diletakkan di atas loggia dei Lanzi, dan sebuah teater didirikan di lantai dua. Pembangunan istana dimulai pada tahun 1560 oleh arsitek Giorgio Vasari untuk Cosimo I de Medici sebagai tempat pertemuan hakim Florentine, oleh karena itu dinamai ufizzi yang artinya kantor. Konstruksi selesai pada 1581. Ngomong-ngomong, Vasari bukan hanya seorang arsitek, tetapi juga seorang seniman, jadi dia menekankan perspektif panjang koridor, menghiasi fasad dengan cornice atap panjang. Bertahun-tahun berlalu, istana menjadi tempat favorit untuk memamerkan lukisan dan pahatan yang dikumpulkan oleh keluarga Medici atau dibeli kembali oleh mereka. Setelah penurunan rumah Medici, permata artistik tetap ada di Florence, membentuk salah satu museum modern pertama. Galeri telah dibuka untuk umum sejak abad keenam belas, tetapi baru dibuka secara resmi untuk umum pada tahun 1765, sejak perwakilan terakhir keluarga Medici memberikannya sepenuhnya kepada orang-orang Florence. Dasar koleksi museum adalah karya seni yang ditugaskan atau diperoleh oleh anggota keluarga Medici. Jadi, misalnya, Ferdinando I pernah membeli Medici Venus, patung paling terkenal dari koleksi patung yang tersedia di Galeri Uffizi. Dia juga memindahkan semua harta karun dari vila Romawinya ke sini. Ferdinand II menambah koleksi lukisan yang diwarisinya. Kardinal Leopoldo juga berkontribusi pada pembuatan museum dengan koleksi gambar dan potret diri yang luar biasa dari berbagai seniman. Pada 1737, setelah kematian Medici terakhir, semua harta ini menjadi milik kota Florence.
Pada abad ke-18, Galeri Uffizi menjadi museum umum. Pada tahun 1730-an, sekelompok ilmuwan menyusun inventaris terperinci (sepuluh jilid) dari karya seni yang disimpan di sini. Pada 1769, museum memperoleh direktur pertamanya. Pemerintahan baru melakukan upaya keras, mencoba mengumpulkan mahakarya milik dinasti Medici yang tersebar di berbagai vila. Penulis Madame de Stael, yang mengunjungi galeri tersebut pada tahun 1807, mencatat: “Sikap terhadap seni rupa di Florence sangat demokratis. Secara umum, setiap anggota keluarga Medici memberikan kontribusi yang sangat besar pada Galeri Uffizi. Secara khusus, Leopold mengambil koleksi potret diri - pemasok utamanya adalah Akademi St. Luke, tempat ia memperoleh banyak lukisan. Kebijaksanaan keluarga Medici terdiri dari penilaian seni yang adil: mereka tidak hanya memperoleh lukisan karya master tua, tetapi juga memberi pengaruh besar pada orang-orang sezamannya. Diketahui bahwa biara-biara, di mana terdapat koleksi yang layak, sendiri memberi tahu para adipati tentang keberadaan mahakarya dan dengan mudah menjualnya. Medici juga melindungi banyak seniman. Koleksi benda yang sangat banyak di Galeri Uffizi menjadi alasan mengapa karya berskala besar, seperti patung, dipindahkan ke museum Florentine lainnya (Bargello dan lainnya). Sebagai bagian dari perluasan museum pada tahun 2006, bangunan tambahan dibuka, dan area eksposisi bertambah dari 6 ribu meter persegi menjadi 13, memungkinkan pengunjung untuk melihat secara langsung apa yang sebelumnya hanya ada di dalam lemari besi.
Pada abad ke-18, Galeri Uffizi menjadi museum publik. Pada tahun 1730-an, sekelompok ilmuwan menyusun inventaris terperinci (sepuluh jilid) dari karya seni yang disimpan di sini. Pada 1769, museum memperoleh direktur pertamanya. Pemerintahan baru melakukan upaya energik, mencoba mengumpulkan mahakarya milik dinasti Medici yang tersebar di berbagai vila Giotto, Botticelli, Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo (di Uffizi-lah tondo terkenal dengan gambar Keluarga Suci disimpan - satu-satunya karya lukisan besar pematung panik di luar Kapel Sistina ), Caravaggio, Titian ... Belum lagi contoh seni Purbakala yang luar biasa, serta karya (karya terbaik!) Prancis, Jerman Belanda, seniman Flemish ... Seniman terbaik, karya terbaik.
Pada tahun 1993, sebuah bom meledak di Via dei Georgofili yang merusak sebagian istana dan juga menewaskan lima orang. Kerusakan paling signifikan terjadi pada Niobe Hall, yang dekorasi neoklasik dan pahatan klasiknya telah dipugar, dan sebagian besar lukisan dinding dapat direstorasi. Alasan tindakan vandalisme ini masih belum jelas, dikaitkan dengan aktivitas mafia Italia.

Ahli Monogram Brunswick

Di lantai pertama terdapat koleksi potret master tua dan modern, yang dilukis sendiri. Dasar dari koleksi berharga ini diletakkan oleh Kardinal Leopold Medici, yang membeli sebagian besar potret di Akademi St. Lukas di Roma, dan kemudian memperoleh potret para ahli dan seniman kuno pada masanya. Dengan demikian, koleksi potret Michelangelo, Leonardo da Vinci, Raphael, Giulio Romano, Veronese, Tintoretto, Titian, dan master seni lukis lainnya terbentuk. Dari seniman asing, Albrecht Durer, Rubens, Rembrandt, Van Dyck, Velasquez dan pelukis lainnya terwakili di sini. Di Galeri Uffizi, di samping potret mereka, juga terdapat "Potret Diri" karya Karl Bryullov. Bahkan sebelum Petersburg, lukisannya "The Last Day of Pompeii" membuat heboh di Italia, di mana pelukis sejarah Kommuchi dan penulis Inggris Walter Scott tergila-gila padanya, dan di mana Bryullov sendiri diberi penghargaan kerajaan. Untuk sampai ke Galeri yang tepat, seseorang harus menaiki tangga lebar tapi agak curam ke lantai atas. Di deretan panjang aula terdapat koleksi lukisan, patung, perunggu, cameo, koin, medali, gambar, dan cetakan terkenal dunia dari berbagai abad. Di bagian pertama koridor besar, yang mencakup seluruh museum di tiga sisi, terdapat rangkaian lukisan yang sangat menarik.

Maria Teresa Valabridge

Berikut adalah karya lukisan ikon tiruan dari Abad Pertengahan, dan sejumlah Madonna yang suram dan khusyuk dengan latar belakang emas, dengan pakaian merah dan biru dan dengan mata besar ... Di koridor yang sama, abad ke-15 terwakili dengan kaya - keduanya master terbaik dan seniman sekunder. Di tengah koridor ada pintu yang terbuka dengan lembut, dilapisi kain dan kulit. Itu mengarah ke Tribuna yang terkenal, bagian tengah museum. Ruangan yang tidak terlalu besar ini diterangi dari atas, dan berisi patung paling berharga dari Galeri dan lukisan dari berbagai negara, sekolah, dan waktu.

1508. Ksatria dan pengawal Di lantai pertama ada koleksi potret master tua dan modern, dilukis sendiri. Dasar dari koleksi berharga ini diletakkan oleh Kardinal Leopold Medici, yang membeli sebagian besar potret di Akademi St. Lukas di Roma, dan kemudian memperoleh potret para ahli dan seniman kuno pada masanya. Dengan demikian, koleksi potret Michelangelo, Leonardo da Vinci, Raphael, Giulio Romano, Veronese, Tintoretto, Titian, dan master seni lukis lainnya terbentuk. Dari seniman asing, Albrecht Durer, Rubens, Rembrandt, Van Dyck, Velasquez dan pelukis lainnya terwakili di sini.
Di Galeri Uffizi, di samping potret mereka, juga terdapat "Potret Diri" karya Karl Bryullov. Bahkan sebelum Petersburg, lukisannya "The Last Day of Pompeii" membuat heboh di Italia, di mana pelukis sejarah Kommuchi dan penulis Inggris Walter Scott tergila-gila padanya, dan di mana Bryullov sendiri diberi penghargaan kerajaan. Untuk sampai ke Galeri yang tepat, seseorang harus menaiki tangga lebar tapi agak curam ke lantai atas. Di deretan panjang aula terdapat koleksi lukisan, patung, perunggu, cameo, koin, medali, gambar, dan cetakan terkenal dunia dari berbagai abad. Di bagian pertama koridor besar, yang mencakup seluruh museum di tiga sisi, terdapat rangkaian lukisan yang sangat menarik. Berikut adalah karya lukisan ikon tiruan dari Abad Pertengahan, dan sejumlah Madonna yang suram dan khusyuk dengan latar belakang emas, dengan pakaian merah dan biru dan dengan mata besar ... Di koridor yang sama, abad ke-15 terwakili dengan kaya - keduanya master terbaik dan seniman sekunder. Di tengah koridor ada pintu yang terbuka dengan lembut, dilapisi kain dan kulit. Itu mengarah ke Tribuna yang terkenal, bagian tengah museum. Ruangan yang tidak terlalu besar ini diterangi dari atas, dan berisi patung paling berharga dari Galeri dan lukisan dari berbagai negara, sekolah, dan waktu.
Venus pamer di tengah Tribune, terus terang anggun dalam ketelanjangannya yang anggun. Semuanya sederhana dan manis dalam dirinya: fitur halus dan tubuh halus. Dia asing dengan kebanggaan dewi yang agung, dan sifat coquetry yang melekat pada perwakilan dari masyarakat manusia yang imut. Wanita muda cantik ini "benar-benar fana", tetapi dia dikelilingi oleh faun yang datang dari dunia mitologis, yang tak tertahankan menikmati tarian ceria, Apollo yang menawan, yang menarik dengan kelembutan dan kesegaran bentuk muda. Hanya sosok suram seorang budak yang dengan tegas mengasah pisau, meskipun dieksekusi dengan sangat baik, yang merupakan disonansi dari ansambel yang hidup dan menyenangkan ini.
Di Tribun, pengunjung bisa melihat dua buah Venus karya Titian. Satu, atas kehendak penulis, mewujudkan keindahan ideal tubuh wanita: cemerlang, tetapi dingin. Yang lainnya, dengan kekayaan dan kombinasi warna yang langka, bisa disebut sebagai "genre sejarah". Ada bukti bahwa dengan menyamar sebagai dewi kecantikan, Titian memerankan Eleanor Gonzaga, istri Adipati Urbino Federigo da Montefeltre, "wanita tercantik di seluruh Italia". Galeri Uffizi menampung salah satu lukisan paling terkenal di dunia - "The Birth of Venus" oleh Sandro Botticelli, menurut filsuf Rusia N. Berdyaev, "seniman Renaisans yang paling indah, menarik, puitis dan paling menyakitkan ... ".
Sepanjang ingatannya, Botticelli sangat tidak bahagia dan bahagia pada saat yang sama. Dia, seperti yang mereka katakan, bukan dari dunia ini. Sangat pemalu, tidak logis dalam tindakan dan fantastis dalam penilaian. Dia percaya pada wawasan dan tidak khawatir tentang kekayaan. Dia tidak membangun rumahnya sendiri, tidak membuat keluarga. Namun dia sangat senang bisa menangkap manifestasi keindahan dalam lukisannya. Dia mengubah hidup menjadi seni, dan seni menjadi kehidupan sejati baginya, dalam lukisan seniman itulah "cinta dan gairah meluap". Lebih dari sekadar sinar matahari, Botticelli memercayai pancaran matanya, dan kuasnya tepat dan kokoh. Seperti Petrarch dan Dante, dia tertarik, tertipu dan terinspirasi oleh Gambar. Ini adalah gambaran seorang gadis muda yang cantik, kekasih orang lain (Giuliano Medici). Dia sendiri adalah Kecantikan, ratu seni mahakuasa. Dan itulah sebabnya, dengan hasrat yang menyakitkan, Botticelli menghangatkan tangannya di api orang lain. Dan itulah mengapa dikatakan tentang Simonetta Vespucci bahwa "tidak ada wanita yang pernah dikatakan." Botticelli membuat spanduk untuk Giuliano de' Medici saat dia mengikuti turnamen jousting. Pallas Athena tergambar di spanduk, tetapi semua orang sangat menyadari bahwa ini adalah Simonetta kesayangan Giuliano, seorang wanita cantik dengan gaun putih. Tapi hidup menghancurkan kecantikan, takdir mengejar cinta, Simonetta mati karena konsumsi. Kematiannya merupakan kesedihan yang mendalam bagi Botticelli, segudang siksaan dan penderitaan. Dalam upaya melemahkan mereka, sang seniman menangkap segalanya dan menangkap Simonetta Vespucci dalam lukisannya. Dia mendandaninya dengan pakaian yang indah, mempermalukan jalinan rambut "tembaga" dengan mutiara, dengan hati-hati menggambar hidung yang agak pesek, menandai senyum rayuan misterius dan mimpi misterius di bibirnya. Baginya dahinya yang tinggi tampak seperti dahi seorang peramal, dan ekspresi menyentuh kekanak-kanakan di wajah dan matanya yang memancarkan harapan membangkitkan kekaguman akan kelembutan.

Setiap orang yang menonton The Birth of Venus oleh Sandro Botticelli mengalami pesona yang tak terlukiskan. Lihatlah Venus ini, gadis pemalu ini, yang matanya memancarkan semacam kesedihan yang cerah. Ritme komposisi hadir dalam keseluruhan gambar - baik di lekukan tubuh muda, dan helaian rambut, yang terurai begitu indah oleh angin, dan dalam konsistensi umum tangannya, di kaki yang diinjak, di putar kepala dan pada sosok yang mengelilinginya. Dalam banyak lukisan karya Sandro Botticelli, wanita telanjang suci ini berkuasa, dijalin dari ritme garis-garis lembut, dengan malu-malu menutupi dada dan dadanya ...
Gambar digantung di delapan dinding Tribuna. Raphael di sini diwakili oleh "Madonna with the Goldfinch" - sebuah gambar yang menyentuh hati dengan pesona spiritual yang cerdik namun tinggi. Murni sebagai seorang gadis, seorang ibu-wanita, yang belum sepenuhnya mengungkapkan dirinya sebagai seorang wanita, menerangi Anda dengan pancaran tenang pagi yang cerah. Seluruh lanskap musim semi di lapangan yang dihiasi bunga sesuai dengan citranya. Dan citra Katedral Florentine dengan pegunungan biru yang jauh memberikan gambaran keseluruhan karakter keintiman.


Di sebelah "Madonna with a Goldfinch" dipamerkan dua karya Raphael lagi - "Yohanes Pembaptis" dan "Potret Paus Julius II".


Keluarga Kudus karya Michelangelo dipamerkan di ruangan yang sama. Dikatakan bahwa pelanggan menerima lukisan ini dengan ragu-ragu. Memang, karya aneh "titan of the Renaissance" ini tampaknya sangat asing dengan konten religius. Tribun juga memuat beberapa lukisan bertema Adoration of the Magi. Seniman menyukai kisah alkitabiah ini, banyak yang berpaling ke sana lebih dari sekali. Kisah Injil tentang persembahan oleh tiga orang bijak kepada Kristus yang baru lahir digunakan oleh beberapa orang untuk menunjukkan tontonan meriah dari orang banyak yang berpakaian mewah; yang lain melihatnya sebagai kesempatan untuk menunjukkan dunia pengalaman manusia. Di Sandro Botticelli, misalnya, gambar dibangun sedemikian rupa sehingga dalam pengelompokan, gerakan, dan gerak tubuh tokoh-tokoh yang berkerumun di sekitar Maria dengan bayinya, nuansa perasaan hidup yang paling beragam tersampaikan - dari rasa ingin tahu yang tenang dan hampir dingin. untuk kegembiraan badai dan manifestasi dari cinta yang bersemangat. Galeri Uffizi juga memamerkan Pemujaan Orang Majus, dilukis oleh Leonardo da Vinci dan dilukis oleh Ghirlandaio.


Duke dan Duchess of Urbino. Piero della Francesca
Galeri Uffizi memiliki koleksi lukisan Italia terkaya di dunia dari abad ke-13 hingga ke-18. (Karya-karya sekolah Venesia dan Florentine terwakili dengan sangat baik). Contoh bagus seni antik, Prancis, Jerman, Belanda, Belanda, dan Flemish disajikan. Koleksi potret diri seniman Eropa yang berlokasi di Uffizi juga unik. Potret Ferdinand Magellan oleh penulis tak dikenal, Bondone abad ke-17 (Ognissanti Madonna, 1310), Simone Martini (Annunciation, 1333), Paolo Uccello (Pertempuran San Romano, bagian tengah Bernardino della Charda jatuh dari kuda, 1450-an), Piero della Francesco (Potret Duke Federico da Montefeltro dan Duchess Battista dari Urbino, 1465-1466), Fra Filippo Lippi (Madonna dan Anak dengan Dua Malaikat, 1465), Sandro Botticelli (Musim Semi, Kelahiran Venus, Adorasi Orang Majus) ), Hugo van der Goes ("Portinari Triptych", 1476-1479), Leonardo da Vinci ("Annunciation", 1472-1475, "Adoration of the Magi", 1481), Piero di Cosimo ("Perseus Releasing Andromeda", 1515) , Albrecht Durer ("Pemujaan Orang Majus", 1504), Michelangelo ("Tondo Doni", 1503), Raphael ("Paus Leo X bersama Kardinal Giulio de Medici dan Luigi de Rossi, 1518-1519), Titian ("Venus of Urbino", 1538), Francesco Parmigianino ("Madonna dengan leher panjang", 1534-1540), Caravaggio ("Bacchus", "Pengorbanan Ishak", "Medusa"), Andrea Verrocchio ("Pembaptisan Kristus", 1472-1475).

Selain galeri, gedung Uffizi juga menyimpan koleksi penting lainnya: koleksi Contini Bonacossi, yang disumbangkan ke museum, koleksi cetakan dan gambar yang berisi hampir 120.000 karya grafis yang berasal dari akhir abad ke-14 hingga saat ini, seperti serta "koridor Vasari" yang terkenal (dibangun oleh Vasari pada tahun 1565), menghubungkan Uffizi dengan Istana Pitti dan berisi koleksi lukisan abad ke-17 yang signifikan dan koleksi potret diri yang terkenal Maesta. Giotto
Isyarat. Bahan Situs Simone Martini yang digunakan

Di kota Florence yang indah ada banyak yang memanjakan mata para turis, dan juga menghargai rasa keindahannya. Salah satu bangunan ini - Galeri Uffizi (Galleria degli Uffizi) - terletak di pusat Firenze antara Alun-alun Signoria (Piazza della Signoria) dan jembatan (Ponte Vecchio), secara sukarela dan tidak sengaja menarik banyak wisatawan, mulai dari mereka yang tidak sengaja mengembara di sini bagi mereka yang datang ke kota yang menakjubkan ini secara khusus untuk menikmati sepenuhnya mahakarya seni rupa dunia yang dipamerkan di sini.

Galeri Uffizi, yang mencakup area seluas 13.000 meter persegi, memberikan mata wisatawan biasa dan penikmat seni sejati dengan salah satu koleksi terpenting dan terbesar, yang mencakup karya seniman Italia dan asing yang bekerja dari abad ke-13 hingga abad ke-18.

Di museum Anda dapat secara pribadi menikmati kreasi master terkenal dunia seperti (Michelangelo), (Leonardo da Vinci), Sandro Botticelli (Sandro Botticelli), (Rafael), Rubens (Rubens), Rembrandt (Rembrandt) dan banyak lainnya. Omong-omong, Galeri Uffizi berhak disebut sebagai salah satu museum tertua di dunia, yang dibuka untuk pengunjung segera setelah dibangun pada abad ke-16.

Sejarah galeri

Galeri paling terkenal di Italia terletak di sebuah bangunan besar, yang proyeknya dimiliki oleh seorang arsitek berbakat (Giorgio Vasari). Pembangunan Galeri Uffizi dimulai sejak tahun 1560 atas perintah pribadi, tetapi perwakilan dinasti tidak pernah dapat melihatnya dalam bentuk jadi: pembangunan gedung selesai dua puluh tahun kemudian, setelah kematian Cosimo.

Perlu dicatat bahwa untuk menyelesaikan proyek arsitektur, para spesialis harus menghancurkan tempat lama dan membongkar bangunan abad pertengahan di dekatnya.

Namun, ketika Galeri Uffizi selesai dibangun, terlihat jelas bahwa semua pengorbanan itu tidak sia-sia. Salah satu museum paling megah di negara ini terletak di Piazza della Signoria berbentuk huruf Latin "U", dikelilingi oleh taman gantung dan galeri seni. Penulis proyek, Vasari, adalah seorang ahli seni sejati, jadi dia mengurus desain khusus tempat kanvas seharusnya ditempatkan.

Puluhan tahun setelah dimulainya pembangunan megah, keluarga Medici akhirnya bisa membawa kebanggaan mereka ke sini - koleksi lukisan dan pahatan unik yang dikumpulkan dari seluruh dunia. Ke Florence perwakilan dari dinasti besar mengirimkan semua karya seni mereka. Keluarga Medici memberikan perhatian khusus kepada artis Sandro Botticelli, yang menurut sejarawan, sangat bersahabat dengan keluarga terkenal.

Galeri Uffizi hingga hari ini menampung kreasi langkanya. Museum ini menyimpan salah satu karyanya yang paling terkenal - "The Birth of Venus" (Nascita di Venere), yang bergabung dengan jajaran mahakarya yang dipamerkan di sini hanya pada pertengahan abad ke-19. Seseorang dapat berbicara tentang berbagai lukisan indah yang dilukis oleh seniman paling terkenal dalam sejarah umat manusia dan telah lama dipamerkan di Uffizi.

Namun, perlu dicatat bahwa permata dari seluruh koleksinya adalah Venus de Medici.

Dibutuhkan lebih dari satu hari untuk memeriksa banyak lukisan. Untungnya, semua karya yang disimpan di sini terletak di lebih dari 50 ruangan dalam urutan kronologis. Berkat organisasi yang bijak inilah Anda akan dapat melacak bagaimana seni berkembang dari abad ke-13 hingga ke-18 dan gaya lukisan dan pahatan berubah dari periode Bizantium ke Barok.

Segera setelah Anda melewati ambang museum, Anda menemukan diri Anda berada di persimpangan jalan yang sebenarnya: tiga ruang depan mengarah dari pintu masuk ke museum. Yang pertama berisi patung marmer dan porfiri, yang kedua didekorasi oleh Giovanni da San Giovanni, yang ketiga berisi patung dan sarkofagus Romawi. Galeri Uffizi memikat tidak hanya dengan benda-benda seni yang dipamerkan di sini. Apa dekorasi interior salah satu galeri yang paling banyak dikunjungi di Eropa!

Informasi yang berguna

Tiket

Ngomong-ngomong, jutaan turis mengunjungi landmark Florentine ini setiap tahun. Dan Anda bisa menjadi salah satu dari mereka yang beruntung!

• Dari 1 Maret 2019 hingga 31 Oktober 2019 biaya tiket penuh ke Uffizi: 20 € + 4 € biaya pra-pemesanan. Harga dapat meningkat selama pameran.
• Dari 1 November 2019 hingga 28 Februari 2020, biaya tiket penuh ke Uffizi: 12 € + 4 € untuk pra-pemesanan. Namun, perlu diketahui bahwa box office tutup pada pukul 18:05.
• Meja kas online resmi: webshop.b-ticket.com
  Memeriksa agen tepercaya untuk membeli tiket di saat-saat terakhir: www.tiqets.com dan www.getyourguide.ru - mereka biasanya mengambil komisi kecil, tetapi di sana, bahkan di musim ramai, ada kuota.
• Tur grup selama 1,5 jam dikenai biaya 57 euro / orang, termasuk tiket, dilakukan dalam bahasa Inggris, Italia, Spanyol, Jerman, atau Prancis.
• Jika Anda pergi ke Uffizi dalam bahasa Rusia dengan pemandu ITALIA UNTUK SAYA, dia akan membantu Anda membuat reservasi, membayar tiket di tempat.

Untuk menghindari antrean berjam-jam di museum itu sendiri, Anda dapat memesan tiket dalam bahasa Italia di +39 055 294883 (biaya reservasi 4 euro). Paling mudah mengunjungi tengara Florentine ini setelah jam 2 siang, ketika semua tamasya sekolah berakhir

Alamat dan jam buka

Galeri Uffizi terletak di Piazzale degli Uffizi, 6, Firenze, Italia dan dapat diakses setiap hari kecuali Senin dan 1 Mei, dari pukul 8:15 hingga 18:50.

Bagaimana menuju ke sana

Anda dapat mencapai Galeri Uffizi dengan transportasi umum (halte C1 Galleria Degli Uffizi - Farmacia Logge terletak di sebelahnya) atau berjalan kaki jika Anda sudah berada di pusat kota. Omong-omong, jika Anda masih merasa bersemangat setelah mengunjungi galeri yang indah, lihatlah atraksi terdekat di Florence: dan Istana Bargello (Bargello).

↘️🇮🇹 ARTIKEL DAN SITUS YANG BERMANFAAT 🇮🇹↙️ BAGIKAN DENGAN TEMANMU

Kaya akan pemandangan penting dunia. Seluruh suasana dipenuhi dengan sejarah, para ahli Renaisans yang hebat biasa berjalan-jalan di sini. Jalan Michelangelo dan Leonardo dapat dilintasi di jalan-jalan Florence (pertemuan seperti itu dapat dengan mudah berakhir dengan pertempuran kecil yang temperamental, para seniman berselisih, dan hanya waktu yang dapat mendamaikan mereka). Dante suka bermeditasi di atas batu yang pernah berdiri di Lapangan Duomo (sayangnya, batu besar ini belum diawetkan, sayang sekali, tetapi semua orang di sini tahu di mana batu itu berdiri). Khotbah Savonarol juga berlangsung di jalan-jalan ini.

Mutiara asli Florence adalah Galeri Uffizi, yang telah mengumpulkan banyak mahakarya seni yang luar biasa.

Florence dan pelanggannya

Florence, tidak seperti banyak kota kuno, selalu dibangun sesuai rencana, keacakan awalnya asing bagi kota ini. Perbaikan bangunan, jalan, dan alun-alun yang konstan telah menjadi tujuan banyak pencipta ansambel arsitektur. Tentu saja, sikap terhadap penampilan kota seperti itu bukannya tanpa biaya material yang serius, tetapi uang, sebagai aturan, bukanlah masalah. Keluarga Florentine terkaya Alberti, Strozzi dan banyak lainnya tidak menyisihkan emas, mencoba membuat bingkai yang indah untuk mutiara Tuscany ini, dan pada saat yang sama mengabadikan nama mereka.

Keluarga Medici, yang nenek moyangnya adalah para dokter, menjadi bankir yang makmur pada pertengahan abad ke-15. Sumbangan mereka sangat murah hati, dan koleksi lukisan serta pahatan menjadi dasar museum besar masa depan, yang dibanggakan Italia. Galeri Uffizi didirikan oleh Medici.

Pembangunan gedung administrasi kota

Pada tahun 1559, salah satu dari I (Senior), yang memerintah kota pada waktu itu, memutuskan untuk membentuk badan pemerintahan terpusat dan mengumpulkan seluruh administrasi dalam satu gedung. Dia bukan orang yang sangat terpelajar, meskipun dia dengan tulus menghormati seni, tetapi dia mendapatkan ide untuk membuat galeri nanti.

Menariknya, patung-patung yang menandai awal koleksi ditolak oleh Vatikan, dan karena itu disumbangkan oleh Pius V. Klaim pimpinan gereja bukanlah nilai artistik dari karya tersebut, tetapi fakta bahwa patung tersebut menggambarkan karakter telanjang. , sepertinya berdosa. Awalnya, semua harta ini disimpan oleh keluarga di Istana Riccardi, yang berfungsi sebagai kastil keluarga Medici.

Sedangkan pada tahun 1560, desain palazzo yang luas dimulai, dipercayakan kepada arsitek terkenal Vasari. Penghancuran banyak bangunan diharapkan, dan pecahannya diizinkan untuk digunakan untuk membangun istana baru. Kata "Uffii" diterjemahkan dari bahasa Italia sebagai "kantor" (dalam bentuk jamak).

Proyek arsitektur

Kasusnya berlarut-larut, pada tahun 1574 sang majikan meninggal, dan Buontalenti harus menyelesaikan pembangunannya, yang menyelesaikan tugas tersebut setahun kemudian. Saat ini, tujuan bangunan sudah berubah, namun namanya tetap sama, Galeri Uffizi. Florence diperkaya oleh karya-karya yang diciptakan oleh para master hebat dan dikumpulkan oleh keluarga Medici, tetapi pada awalnya hanya perwakilan bangsawan yang dapat menikmatinya. Selama sepuluh tahun bangunan terus diselesaikan, akhirnya istana berbentuk denah berbentuk tapal kuda, dengan pemandangan sungai dari jendela sisi sempit. Arsitek tidak mengangkat tangan untuk menghancurkan beberapa bangunan kuno (Mint tua dan Katedral San Pietro Sceragio), dan mereka memasuki ansambel umum. Saat itu, kedua bangunan tersebut sudah berusia empat abad.

Formasi galeri

Pada akhir konstruksi, Vasari (dan dia adalah seorang seniman, dan bukan hanya seorang arsitek) menyadari bahwa dia tidak sedang membangun istana untuk pemerintahan kota, tetapi sebuah galeri. Uffizi dibuka pada abad keenam belas, dan keputusan perspektif arsitek berkontribusi pada kondisi pencahayaan yang paling baik untuk pameran mendatang. Pada tahun 1737, sesuai dengan kehendak Kardinal Leopoldo, yang terakhir dari keluarga Medici, seluruh koleksi keluarga menjadi milik kota Florence. Seabad kemudian, museum menjadi publik. Pada saat yang sama, pada tahun tiga puluhan abad kedelapan belas, inventarisasi pertama dari koleksi tersebut disusun, yang menempati sepuluh jilid.

potret diri

Galeri Uffizi telah mengumpulkan banyak potret diri, baik kuno maupun modern, yang dapat digunakan untuk mempelajari zaman. Dasar dari koleksi ini adalah serangkaian karya yang dibeli oleh Leopold de 'Medici, yang menjabat sebagai kardinal, dari Akademi Romawi St. Luke, dan kemudian diisi ulang secara teratur. Lantai satu gedung menjadi tempat eksposisi lukisan potret. Berkat koleksi ini, orang-orang modern dapat memperoleh gambaran tentang penampilan dan karakter para pelukis besar Italia (termasuk da Vinci, Titian, Veronese, Romano, Raphael, Michelangelo) dan dari negara lain (Dürer, Rembrandt, Rubens, Velasquez, Van Dyck dan Karl Bryullov ). Omong-omong, tentang Bryullov. Pengagumnya adalah Walter Scott dan Commuci, mereka mengagumi The Last Day of Pompeii, lukisan yang membuat heboh di Italia bahkan sebelum kemenangan di St.

Tapi ada juga Giotto, dan Caravaggio, dan banyak nama gemilang lainnya ...

Tribun dari Uffizi

Ada pintu khusus di galeri, berlapis kulit dan kain, menuju ke eksposisi pusat, yang disebut Tribun. Aulanya tidak terlalu besar, diterangi oleh lentera kaca di atapnya dan berisi karya-karya paling menonjol, termasuk patung dan lukisan dari berbagai era dan sekolah. Di tengah ruangan berdinding delapan berdiri Venus dikelilingi oleh faun menari dan Apollo. Ada juga patung budak keras yang sedang mengasah pisau. Dua Venus lagi, kali ini indah, milik sikat Titian. Diyakini bahwa Tribune berisi yang terbaik yang ditawarkan Galeri Uffizi: lukisan Raphael "Madonna with a Goldfinch", "Portrait of Pope Julius II" dan "John the Baptist". Ini adalah "Kelahiran Venus" oleh Botticelli, dan beberapa karya yang mengungkap tema alkitabiah tentang pemujaan orang Majus (Ghirlandaio dan Leonardo da Vinci), tetapi permata sebenarnya adalah "Keluarga Suci" dari titan Renaisans oleh Michelangelo.

Kerugian Uffizi

Italia telah mengalami banyak pergolakan dan perang selama berabad-abad, di mana tidak hanya orang yang meninggal, tetapi juga karya seni. Berkali-kali Galeri Uffizi juga mengalami kerugian. Florence berada di jalur pasukan Napoleon. Koleksinya rusak dan sebagian dijarah selama permusuhan yang terjadi pada tahun 1943, ketika Nazi menduduki negara itu, berusaha mencegah gerak maju pasukan Sekutu. Kemudian, setelah ledakan pasokan air kota, sebagian lantai bawah tergenang air. Para teroris yang membunuh lima orang dengan bom pada tahun 1993 dan merusak karya seni yang tak ternilai di Niobe Hall menambah masalah. Beberapa lukisan dinding tidak dapat dipulihkan.

Sebelum mengunjungi koleksi yang luar biasa ini, ada baiknya untuk mendapatkan beberapa informasi tentang aturannya dan di mana Galeri Uffizi berada. Fotografi dan pembuatan film di aula, seperti di kebanyakan museum, dilarang. Ini bukan keinginan administrasi, tetapi tindakan yang sepenuhnya rasional yang diperlukan untuk memastikan keamanan lukisan. Hari libur di sini adalah hari Senin, pada hari lain pintu terbuka ramah dari jam setengah sembilan pagi sampai jam tujuh malam, tetapi lebih baik datang lebih awal, ada banyak pengunjung, dan bentuk antrian, yang setidaknya memakan waktu satu jam (dan terkadang lebih lama). Ada lebih sedikit orang di musim dingin. Tiket masuk berharga 9 euro dan 10 sen, tetapi pada hari ulang tahun semua orang dapat masuk secara gratis. Hal yang sama berlaku untuk separuh umat manusia yang cantik, tetapi hanya pada 8 Maret (di sini juga dirayakan).

Anda tidak boleh membawa minuman apa pun, mereka tidak akan membiarkan Anda masuk. Tawaran tamasya lewati antrean dari beberapa pemandu yang giat harus diabaikan. Grup berkumpul untuk waktu yang lama, dan itu akan memakan waktu tidak kurang dari antrean, dan biayanya akan meningkat secara signifikan. Lebih baik memesan kunjungan Anda di Internet, Anda hanya perlu menunggu dua puluh menit, biaya tambahannya adalah 4 euro, tetapi Anda tidak boleh terlambat.

Yang terbaik adalah meninggalkan ransel di hotel, mereka tidak akan membiarkan Anda masuk, dan antrian untuk penyimpanan hampir sama dengan tiket. Galeri Uffizi dengan ramah menawarkan untuk 8 euro hal yang sangat berguna yang disebut panduan audio. Untuk mengambilnya, Anda memerlukan setoran, dokumen apa pun dengan foto.

Dan jangan bertujuan untuk melihat semuanya dalam satu kunjungan. Itu tidak mungkin. Jika tidak ada cukup waktu untuk beberapa kali kunjungan, lebih baik fokus pada arah seni yang paling menarik, Galeri Uffizi kaya akan hal itu. Ulasan kenalan dan teman yang pernah ke sini akan membantu dalam hal ini.

Bagaimana cara menemukannya?

Kompleks museum mudah ditemukan, cukup bagi setiap orang yang lewat untuk mengucapkan dua kata: "Galeri Uffizi". Alamatnya sederhana, Lapangan Uffizi, Istana Uffizi. Sebenarnya, mengucapkan tiga kata dalam bahasa Italia adalah benar: "Galleria degli Uffizi", tetapi mereka akan memahaminya seperti itu. Letaknya di tengah kota, di satu sisi jembatan Ponte Vecchio, di sisi lain Piazza Senoria. Yang terbesar terletak di Sungai Arno.

> > > >

Salah satu museum tertua dan paling banyak dikunjungi di dunia. Dan, tentu saja, salah satu yang paling terkenal. Dan mengingat grup kecil diperbolehkan masuk, antrian di box office sangat besar dan kapan saja. Museum ini terletak di pusat kota Florence, di antara sungai dan.

Galeri Uffizi di Florence memiliki koleksi seni yang unik, sebagian besar dari Renaisans. Koleksi galeri berisi lukisan karya seniman Italia paling terkenal, termasuk namanya Botticelli, Michelangelo, Leonardo da Vinci, Raphael, Titian, Giotto, Caravaggio. Di antara mahakarya pameran - " Kelahiran Venus» Botticelli (lihat di atas), yang menjadi simbol lukisan Italia abad ke-15, « diptych Ubrinsky" oleh Pierro della Francesco (lihat di bawah) - salah satu potret terpenting Renaisans, Ruang terpisah (No. 15) didedikasikan untuk karya Leonardo da Vinci, di antaranya - " Baptisan Kristus" Dan " Isyarat«.

Catatan: Minggu pertama setiap bulan tiket masuk ke Galeri Uffizi gratis.

Kunjungan ke Galeri Uffizi:

Galeri Uffizi adalah museum paling terkenal dan terpopuler di Florence, jadi Anda bisa kehilangan banyak waktu dalam antrean tiket. Anda dapat menghindari membuang-buang waktu dalam antrian di bawah terik matahari Tuscan jika Anda membeli tiket secara online (tetapi Anda harus membayar lebih sedikit - 5,99 €, dan 10,00 €). Anda tidak dapat memesan tiket untuk hari "bebas" (Minggu pertama setiap bulan) - saat ini masuk ke pintu masuk dilakukan berdasarkan siapa cepat dia dapat (yang bahkan lebih lama hari ini!) .

Harga tiket masuk Galeri Uffizi:

Jika galeri menyelenggarakan pameran sementara, maka biaya mengunjungi pameran sementara ditambahkan ke tiket apa pun. Biaya tambahan tidak dapat dihindari.

Tarif resmi untuk tiket ke galeri:

• Tarif penuh - € 8,00
• Konsesi (Eropa 18 - 25 tahun) - € 4,00
• Gratis - di bawah 18 tahun

Dari 26 September 2016 hingga 8 Januari 2017 - akan ada pameran sementara, jadi harga tiketnya 12,50 € (penuh) atau 6,25 € (dikurangi).

Tarif pre-order online(+biaya tambahan, yang berbeda tergantung situsnya):

• Tarif standar - 12,00 €
• Pameran sementara - +4,50 €
• Panduan audio - 7,53 €
• Gratis untuk semua di bawah 18 tahun.
• Tiket yang dikurangi - untuk warga negara UE dari usia 18 hingga 25 tahun.

Jam buka Galeri Uffizi:

• Selasa - Minggu 08:15 - 18:50
• Senin - tutup
• Tutup: 1 Januari, 1 Mei, 25 Desember.
• Hari libur biasanya buka. Jika hari libur bertepatan dengan hari Senin, maka pemerintah sendiri yang memutuskan apakah akan membuka museum atau tidak, tergantung jumlah pengunjung.
• Kantor tiket tutup pukul 18:05. Pukul 18.35, pengunjung diminta berbalik arah dan menuju pintu keluar.
• Dari 31 Maret hingga 27 September, Galeri Uffizi buka hingga pukul 22:00. Kantor tiket - hingga pukul 21:05, semuanya mulai tutup pada pukul 21:35.

GALERI UFFICI

Direct-Media, Moskow, 2016

Kata pengantar

Di pertengahan abad ke-16, kejayaan Florence sebagai kota tempat berkembangnya Renaisans Tinggi menjadi masa lalu yang legendaris. Tapi, seperti yang Anda tahu, tempat suci tidak pernah kosong: kehidupan seni lokal tidak hilang, hanya dalam bentuk yang berbeda. Seni telah mengalir ke museum. Namun, penguasa Florentine saat itu memiliki ide untuk memperluas kediamannya. Ternyata dia memenuhi kehendak takdir, dan dia ingin salah satu museum paling terkenal di dunia muncul di Florence ...

Pada saat yang bersangkutan, Medici telah menguasai seluruh Tuscany. Cosimo I, perwakilan dari cabang muda keluarga Medici, memutuskan untuk membangun gedung tempat semua lembaga negara terkonsentrasi. Oleh karena itu namanya - "Uffizi", atau, dalam istilah modern, "kantor". Tetapi Florence beruntung: keluarga bankir dan pedagang yang memerintahnya dibedakan oleh dua ciri - dari generasi ke generasi Medici mewariskan kecintaan pada seni dan seniman yang dilindungi untuk waktu yang lama. Terkadang mereka sendiri menjadi seniman, dalam arti luas. Pada pertengahan abad ke-16, Medici telah mengumpulkan koleksi yang bagus, yang antara lain berisi banyak karya seni, dan sejak awal mereka memutuskan untuk memberikan sebagian bangunan di Uffizi untuk menyimpannya.

Giorgio Vasari, seorang pria dengan berbagai bakat (dia juga seorang pelukis dan sejarawan seni), diundang sebagai arsitek dari bangunan yang direncanakan tersebut. Dan pada tahun 1560, antara Lapangan Signoria dan Sungai Arno, pembangunan gedung berbentuk U dimulai. Itu seharusnya terdiri dari dua sayap dan transisi di antara keduanya. Namun ansambel tersebut juga menyertakan bangunan yang sudah ada di lokasi yang dipilih, termasuk Loggia dei Lanzi yang menghadap ke alun-alun, yang dimaksudkan untuk pertemuan dan resepsi.

Bangunan itu ternyata sangat besar, dan untuk mendiversifikasi dan pada saat yang sama menyatukannya secara komposisi dari luar, Vasari menghasilkan modul arsitektur yang diulangi di seluruh fasad: serambi dengan pilaster di sisi - di bagian pertama lantai dan tiga jendela di atasnya - di lantai kedua. Bagian yang menghubungkan kedua sayap Uffizi dipotong oleh lengkungan besar yang mengisi ruang sempit di antara kedua sayap dengan cahaya. Itu juga ternyata merupakan fasad berdesain menarik yang menghadap ke Sungai Arno. Koleksi Medici berkembang pesat, sehingga putra Cosimo, Francesco I, memutuskan untuk memperluas ruang pameran di Uffizi. Dia memerintahkan untuk menghapus lembaga administrasi dari lantai dua gedung, dan sebagai gantinya mengatur aula untuk patung antik. Bagi mereka, Bernardo Buontalenti, yang bekerja di Uffizi setelah kematian Vasari, membuat galeri panjang dengan kubah yang dicat dengan "aneh" - ornamen hewan dan tumbuhan. Ornamen serupa menghiasi "Rumah Emas" Nero - sebuah bangunan kuno, yang reruntuhannya ditemukan selama Renaisans. Selain itu, Buontalenti membangun apa yang disebut Tribune - aula segi delapan dengan jendela tinggi, prototipenya adalah Menara Angin yang terkenal di Athena. Seruan ke zaman kuno ini juga merupakan semacam pertemuan.

Selama masa Ferdinando I, yang memerintah setelah saudaranya Francesco, bengkel seniman, pematung, perhiasan, penyepuh emas, pemahat batu, miniaturis, dan produsen porselen muncul di Uffizi. Pada saat yang sama, "Aula Peta Geografis" diatur, di dindingnya peta digambar, dan bola dunia dipasang di tengahnya, dan "Aula Matematika", tempat instrumen ilmiah ditempatkan. Di ruangan lain, senjata dan baju besi, batu hias berukir, dan potret dipamerkan. Seperti yang Anda lihat, Medici mengumpulkan segala sesuatu yang memiliki nilai seni, sejarah atau ilmiah, atau bahkan hanya enak dipandang. Oleh karena itu, pada awalnya Uffizi menggabungkan galeri seni dan lemari barang antik.

Salah satu peristiwa utama dalam sejarah museum yang baru lahir terjadi pada tahun 1591: koleksi dibuka untuk pengunjung dari kalangan masyarakat tertinggi. Galeri Uffizi secara aktif diisi ulang dengan karya seni yang dikirimkan oleh anggota keluarga penguasa yang tinggal di luar Florence, misalnya ratu Prancis Catherine dan Maria Medici. Dari gereja dan biara, lukisan mulai dibawa ke Uffizi, terkadang menggantinya dengan salinan.

Tetapi yang pertama dari Medici, yang mulai mengumpulkan lukisan dan gambar dengan keterampilan, adalah saudara laki-laki Ferdinand, Kardinal Leopoldo: ahli dalam seni, dia mengoleksi lukisan dan gambar sehingga sekolah dan periode seni tertentu terwakili semaksimal mungkin. Pada masa pemerintahan Leopoldo, koleksi potret diri, gambar, porselen, medali, dan perunggu ditempatkan di sayap barat. Selain itu, Fonderia dibuka di Uffizi, tempat pembuatan parfum dan obat-obatan, dan barang langka alami dipamerkan: cula badak, telur burung unta, hewan yang dibalsem.

Pada 1737, penguasa terakhir keluarga Medici, Gian Gastone, meninggal. Pada tahun yang sama, saudara perempuannya Anna-Maria menandatangani dokumen yang menurutnya Uffizi, dengan semua koleksinya, berangkat dari Florence dan dinyatakan sebagai museum umum, dan bukan hanya "miliknya sendiri". Suatu ketika Lorenzo the Magnificent Medici, salah satu leluhur paling terkenal dari mereka yang mengatur galeri ini, dan pelindung seni itu sendiri, menulis dalam puisinya tentang penguasa yang ideal: “Kekayaan, kemegahan, segala sesuatu yang sesuai dengan Kekuasaan, bukanlah miliknya, bagian dari orang-orang ... » Dan begitulah yang terjadi.

Pengunjung pertama, seperti yang mereka katakan, "dari jalan" muncul di aula museum pada tahun 1769. Luigi Lanzi ditunjuk sebagai kurator Galeri Uffizi, yang mulai menertibkan seluruh koleksi, khususnya, menempatkan lukisan yang dipamerkan. menurut kronologi dan sekolah melukis. Kemudian, di bawah Ferdinand III dari Lorraine, ketika Tommaso Puccini menjadi direktur museum (yang menyimpan mahakarya yang dapat dibawa para penakluk ke Paris selama invasi Italia), atap kaca dibangun di Galeri sehingga cahaya alami menembus ruangan. , dan papan nama ditempatkan di dekat lukisan seniman dan tanggal pembuatan karya.

Sudah di abad ke-19, menjadi jelas bahwa tidak mungkin menempatkan semua yang telah dikumpulkan selama bertahun-tahun keberadaannya di satu museum. Diputuskan untuk menghapus sebagian besar seni kuno, perhiasan, instrumen ilmiah, semua senjata dari koleksi dan membuat museum baru atas dasar itu. Uffizi, sebaliknya, telah menjadi galeri seni, yang sebagian besar menyimpan lukisan, dan patung serta karya seni dan kerajinan menyertainya.

Studi serius tentang lukisan yang disajikan dalam koleksi dan pemulihannya dimulai. Tempat terakhir yang masih ditempati oleh beberapa lembaga negara dikosongkan dan diserahkan untuk dipamerkan.

Secara umum, seperti yang dikatakan nenek moyang orang Italia - Romawi kuno, "vita brevis, ars longa", yang artinya "hidup itu singkat, seni itu abadi".

SENI YUNANI KUNO DAN ROMA KUNO

Venus Medici
KLEOMENE, ANAK APOLLODORUS

Salinan marmer asli Yunani yang hilang dari era Helenistik ini ada dalam koleksi seni kepausan di Roma dan diperoleh oleh koleksi Medici, karena itulah namanya. Patung itu termasuk jenis "Aphrodite of Cnidus" atau "Venus bashful", yang menutupi ketelanjangannya dengan tangannya.

Tubuh dewi berbunga indah yang muncul dari buih laut dikerjakan dengan halus oleh pematung. Di seluruh penampakan Venus, dan tidak hanya dalam gerakannya, orang dapat merasakan ketakutan yang luar biasa: dia tampak sedikit menyusut ke dalam dan berhenti. Dari fakta bahwa "daging" marmer mengekspresikan keadaan karakter, patung itu tampak hidup, bernafas. George Gordon Byron menulis dalam Childe Harold's Pilgrimage tentang patung ini:

Anda lihat, Anda tidak dapat mengucapkan selamat tinggal padanya,
Anda datang kepadanya - dan tidak ada jalan untuk kembali!
Dirantai di belakang kereta kemenangan
Ikuti seni, karena Anda telah ditawan.

SENI YUNANI KUNO DAN ROMA KUNO:

• Batang tubuh centaur (Torso Gaddi)
• Potret Cicero

Batang tubuh centaur (Torso Gaddi)
abad ke-1 SM e. Marmer. Tinggi 153

Sebuah pecahan patung yang menggambarkan centaur dengan tangan terkatup di belakang punggungnya adalah milik keluarga Gaddi, sesuai dengan namanya. Ini adalah contoh seni Helenistik, dan termasuk dalam apa yang disebut sekolah Pergamon, yang pematungnya membuat "Altar Pergamon" dengan adegan pertempuran para dewa dan raksasa.

Tubuh penuh kekuatan dan pada saat yang sama bekerja sangat keras sehingga otot "bermain" di bawah kulit. Putaran tubuh yang tajam mengisinya dengan gerakan ekspresif, yang gelombangnya terasa bahkan dari kejauhan. Patung ini memengaruhi Michelangelo Buonarroti muda, seorang pematung dan pelukis Italia yang karakternya dibedakan oleh tubuh yang kuat dan berotot.

Potret Cicero
Pertengahan abad ke-1. Marmer. Tinggi 74

Tentang Mark Tullius Cicero, seorang filsuf, orator, dan politisi Romawi yang hidup pada abad ke-2 hingga ke-1 SM, Plutarch menulis: “Pada saat keserakahan berkembang ... Cicero memberikan bukti yang jelas tentang ketidakpeduliannya untuk mendapatkan, kemanusiaan dan integritasnya ” .

Komitmen pematung Romawi terhadap realisme membantu master yang tidak dikenal tidak hanya mewujudkan penampilan Cicero dengan jujur, tetapi juga menunjukkan keadaan batin orang ini. Patung marmer menggambarkan dia sebagai orang paruh baya dan lelah, ditangkap dalam masa sulit dalam hidupnya. Dahi Cicero, yang digambarkan Plutarch sebagai pria yang ceria, mengerutkan kening di sini, matanya fokus, dan bibirnya terkatup rapat. Seseorang mendapat kesan bahwa dia sedang berdialog di dalam dirinya dengan musuh imajiner, atau mungkin dia sedang berdebat dengan dirinya sendiri.

Jenis patung patung, yang umum dalam seni Romawi pada masa itu - dibulatkan di bagian bawah, dengan toga diletakkan di berbagai lipatan, di atas dudukan bundar - membantu meninggikan yang digambarkan, terlepas dari semua ciri orang yang ditekankan oleh pematung.

SENI ITALIA: SEBELUM ABAD XVI

Musim semi. Pecahan
SANDRO BOTTICELLI
Sekitar 1478. Tempera di atas kayu. 203x314

Masa kejayaan lukisan Sandro Botticelli datang pada saat ia menjadi dekat dengan kalangan humanis - penyair, penulis, filsuf, seniman - di istana Medici. Lorenzo the Magnificent, penguasa Florence, menulis puisi dan melindungi seni. Untuk vila sepupunya Lorenzo di Pierfrancesco Medici, lukisan dengan konten filosofis dan puitis yang kompleks ini dipesan.

"Musim Semi" mencerminkan tiga arah yang tidak terpisahkan di mana seni dan filosofi humanis Florentine berkembang: kuno, Kristen, dan santun. Dari jaman dahulu inilah karakter dan motif mitos. Di sebelah kanan, Zephyr, angin barat yang hangat, menculik Chloris, bidadari ladang dan bunga Yunani, yang berubah menjadi Flora, digambarkan di sana, sudah menjadi dewi Romawi, menghujani bumi dengan bunga. Di sisi kiri - tiga rahmat, mempersonifikasikan kesucian, cinta dan kesenangan. Merkurius, membubarkan awan, berdiri di bawah kanopi pohon jeruk, mengirimkan imajinasi pemirsa ke mitos Paris dan dewi pilihannya yang paling cantik, kepada siapa dia memberikan apel sebagai pemenangnya. Dewi ini, Aphrodite, atau sebagaimana orang Romawi kuno memanggilnya, Venus, dengan lembut menginjak karpet tumbuhan dan bunga di tengah gambar. Di atas kepalanya ada Cupid dengan busur, membidik salah satu rahmat.

Tema Kristiani dimanifestasikan di sini dalam kenyataan bahwa tokoh utamanya menyerupai Madonna, yang tangannya seolah memberkati semua orang. Dalam pahlawan wanita ini, kultus "wanita cantik", penginspirasi penyair, juga bersinar. Sentimen sopan ini tumbuh subur di lingkaran Lorenzo yang Agung. Lukisan itu dilukis tak lama setelah kematian saudara tercinta Lorenzo, Giuliano de 'Medici, si cantik Simonetta Vespucci. Venus menyerupai wajahnya. Merkurius sendiri mirip dengan Giuliano, yang juga dikenal sebagai Santo Sebastian, martir Kristen.

Karya ini, di mana berbagai motif menyatu, menandai perubahan penting menuju seni lukis, tidak tunduk pada kanon apa pun. Hanya jiwa artis dan kemauannya yang sudah terlihat di dalamnya. Kritikus seni Rusia Pavel Muratov menulis tentang Botticelli: "Dia adalah orang pertama yang bertemu dengan kabut pagi di hari yang baru dan panjang dalam sejarah dunia di bawah satu-satunya panji seni murni."

SENI ITALIA (SEBELUM ABAD XVI):

• Madonna dan Anak dengan Malaikat (Ognisanti Madonna). DUCCIO DI BUONINSEGNA
• Isyarat. SIMONE MARTINI
• Membawa ke kuil. AMBROGIO LORENZETTI
• Pemujaan orang Majus. GENTILE DA FABRIANO
• Madonna dan Anak dengan Saint Anne dan Angels. MASOLINO DA PANICALE,
  MASACCIO
  
• Penobatan Maria. FRA BEATO ANGELICO
• Pertempuran San Romano. PAOLO UCCELLO
• Triptych dengan Adorasi Orang Majus, Sunat dan Kenaikan. ANDREA MANTENA
• Hercules dan Hydra. ANTONIO POLLAIOLO
• Potret Federico da Montefeltro Urbinsky dan Battista Sforza. PIERO DELLA FRANCESCA
• Baptisan Kristus. ANDREA VERROCCHIO, LEONARDO DA VINCI
• Pemujaan orang Majus. LEONARDO DA VINCI
• Isyarat. LEONARDO DA VINCI
• Pemujaan orang Majus. SANDRO BOTTICELLI
• Kelahiran Venus. SANDRO BOTTICELLI
• Madonna dan Anak dengan Malaikat (Madonna del Magnificat). SANDRO BOTTICELLI
• alegori suci. GIOVANNI BELLINI
• Pieta. PIETRO PERUGHINO

Madonna dan Anak dengan Malaikat (Madonna Rucellai)
DUCCIO DI BUONINSEGNA
1285. Kayu, tempera. 450x290

Duccio di Buonisegna, seorang seniman dari kota Siena, membawa dekorasi dan keanggunan Gotik Prancis ke dalam gaya tulisan Bizantium, yang menguasai lukisan Italia kontemporer. Altar ini ditugaskan oleh komunitas Mary untuk kapel di gereja Florentine Santa Maria Novella, dan pada abad ke-16 dipindahkan ke kapel lain, Rucellai, dari mana ia mendapatkan namanya saat ini.

Gambar Madonna dan Anak di singgasana, dengan latar belakang emas, mengikuti tradisi Bizantium. Tetapi kecerahan warna, kemeriahannya, serta garis-garis aneh jubah Bunda Allah, terutama garis tepi emas pada jubahnya, adalah hasil dari "pengaruh Gotik". Dan dalam penampilan semua karakter yang disajikan di sini, hingga para bidadari, dengan hati-hati menurunkan singgasana dari surga, orang bisa merasakan tren baru lukisan yang lebih realistis saat itu. Seni Duccio, meski dengan hati-hati, sudah meramalkan Renaisans.

Madonna dan Anak dengan Malaikat (Ognisanti Madonna)
GIOTTO (GIOTTO DI BONDONE)
Sekitar tahun 1306–1310. Kayu, suhu. 325x204

Altar besar karya Giotto ini, menggambarkan Perawan dan Anak yang dikelilingi oleh malaikat dan orang suci ("ognisanti" dalam bahasa Italia berarti "semua orang suci"), dibuat dalam tradisi abad ke-11 hingga ke-13. Kemudian lukisan Italia berada di bawah pengaruh Bizantium yang kuat, tetapi sang seniman membawa sesuatu yang sama sekali baru ke dalam kanon bergambar abad pertengahan.

Madonna duduk di singgasana tidak persis di tengah dan digambarkan setengah berputar. Giotto melukis sosoknya sedemikian rupa sehingga terlihat megah dan tebal, hal ini dipertegas dengan lipatan plastik jubahnya. Latar belakang emas bersyarat, melambangkan surga, dipadukan di sini dengan kedalaman ruang, diekspresikan melalui arsitektur singgasana - tangga dan kanopi. Sang master juga memusatkan perhatian pada emosi para tokoh, yang menggambarkan malaikat dan orang suci dengan hormat mengangkat kepala mereka dan memandang Bunda Allah dengan Anak dengan kekaguman spiritual.

Isyarat
SIMONE MARTINI
1333. Kayu, tempera. 265х305

Dalam karya Simone Martini, perwakilan dari aliran Siena, ciri-ciri Gotik akhir, dengan efek dekoratifnya dan tubuh anggun yang memanjang, dipadukan dengan ciri-ciri lukisan Proto-Renaisans.

"Kabar Sukacita" yang ditulis sang seniman untuk altar St. Ansania di Katedral Siena. Sosok Maria menjulang dengan latar belakang emas, melambangkan langit, dalam siluet halus yang tertahan. Bentuk aneh sosok malaikat Jibril - sayapnya yang masih terbang, jubah berkibar di belakang - membawa perasaan udara dan angin ke dalam ruangan. Dari utusan surgawi kepada Maria dalam gambar datang kata-kata dari Injil: “Bersukacitalah, penuh kasih karunia, Tuhan menyertai kamu” (Lukas 1:28), dan pengikat tipis ini terlihat seperti bagian dari ornamen yang memberi garis dan warna membentuk. Di sini semuanya membelai mata: sayap malaikat yang cerah, dan bunga lili putih berdiri di dalam vas - simbol kemurnian dan kesucian Maria, dan garis, dan kombinasi warna dalam gambar.

Gambar-gambar di adegan tengah rapuh, tidak berwujud, seolah dikipasi oleh udara pegunungan. Dibandingkan dengan mereka, St. Ansanias dan St. Julitta, yang digambarkan di bagian samping altar, ditulis lebih bervolume, yang membuat para peneliti berpikir jika itu adalah karya Lippo Memmi, yang tanda tangannya juga ada di bawah gambar. . Namun, murid seniman itu kemungkinan besar hanya menyepuh bingkainya, dan Martini melukis orang-orang kudus itu sendiri dan menggambarkannya dengan lebih jelas untuk menekankan semangat yang tidak wajar dari adegan yang disajikan.

Membawa ke kuil
AMBROGIO LORENZETTI
1342. Kayu, tempera. 257x168

Master dari Siena Ambrogio Lorenzetti membuat altar ini, yang darinya hanya bagian tengah yang turun kepada kita, untuk Katedral Siena.

Interior Gotik gereja - aksi Lorenzetti terjadi di katedral yang dimaksudkan untuk altar - dipadukan dengan patung "kuno" di fasad, misalnya, dengan jenius bersayap yang menopang karangan bunga. Keseriusan pemandangan ditekankan oleh warna pakaian dan elemen arsitektur yang cerah dan nyaring, dan detail detail sangat selaras dengan harmoni yang tinggi ini - jubah imam besar, merpati pengorbanan di tangannya, ibu kota dari kolom, mosaik menghiasi gereja.

Penatua Simeon menggendong Anak Kristus di pelukannya dan bernubuat tentang Dia dengan gentar, sementara Maria, mendengar kata-katanya, sedih dan mementingkan diri sendiri. Semua karakter lain yang mendengarkan sesepuh juga diberkahi dengan emosinya sendiri. Keinginan untuk mengungkapkan perasaan mereka yang digambarkan, untuk menulis sosok mereka dalam volume yang cukup merupakan tanda yang tidak diragukan dari mendekatnya Renaisans.

Pemujaan orang Majus
GENTILE DA FABRIANO
1423. Kayu, tempera. 303x282

Lukisan Gentile da Fabriano mewakili tren seni Eropa seperti gotik internasional. Altar "Adoration of the Magi" dibuat oleh master untuk Kapel Strozzi Gereja Santa Trinita di Florence.

Prosesi penuh warna yang ramai digambarkan bergerak menuju latar depan gambar. Kisah Injil tentang raja-raja yang datang untuk menyembah Anak Kristus ditafsirkan di sini dalam semangat novel kesatria abad pertengahan: seorang pelayan mengikat taji ke salah satu orang Majus, yang menekankan bahwa tuannya adalah ksatria, adegan berburu diselingi dalam gambar, dan cara banyak karakter dapat ditentukan dengan kata "sopan" - lihat saja, misalnya, pada pelayan di sebelah kiri. Karya ini menarik untuk dicermati, karena penuh dengan detail yang mengagumkan, misalnya Bayi Kristus mengelus kepala dukun tua yang mencium kaki-Nya. Di antara mereka yang datang dari jauh, tidak ada seorang pun - tua dan muda, ksatria dan pemburu. Dalam gambar tersebut tidak hanya ada manusia, tetapi juga binatang - singa, cheetah, monyet, elang. Nampaknya sang seniman juga menggunakan plot tersebut untuk menggambarkan kekayaan dunia yang dikenalnya.

Gambar altar ini ditulis dengan murni, bersinar, seperti permata, warna, dan efek dekoratifnya diperkuat oleh emas yang diselingi di sana-sini. Bingkai dibuat sesuai dengan gambar masternya sendiri, yang memasukkan gambar-gambar kecil di dalamnya dan memikirkan dekorasi dengan detail terkecil. Predella altar terdiri dari tiga bagian bergambar yang mewakili Kelahiran Kristus, Penerbangan ke Mesir dan Membawa ke Kuil. Sejarawan seni Viktor Lazarev menulis: “Dalam gambar altarnya, lukisan paling indah dan meriah dari Quattrocento awal, Gentile menggambarkan dunia feodal meninggalkan panggung sejarah dengan segala kecemerlangannya, dengan semua fitur luarnya yang menarik, dalam halo-nya “ romansa kesatria”.

Madonna dan Anak dengan Saint Anne dan Angels
MASOLINO DA PANICALE,
MASACCIO (TOMMASO DI GIOVANNI DI SIMONE CASSAI)
Sekitar 1425. Tempera di atas kayu. 175x103

Kuas Masolino dalam karya ini, dibuat untuk gereja Sant'Ambrogio di Florence, milik gambar St. Anne dan malaikat, dan Masaccio - Madonna dan Anak dan malaikat berjubah hijau dan merah. Pengaruh seni abad pertengahan dapat dilihat di sini pada latar belakang emas, tirai, ikonografi seluruh pemandangan - Maria duduk di depan St. Anne dengan Kristus kecil berlutut, dan malaikat diletakkan di atas satu sama lain berdiri di atas sisi. Tapi ini sudah menjadi karya Renaisans, terutama di mana kuas Masaccio bekerja, yang merupakan yang pertama dari mereka yang dapat sepenuhnya dikaitkan dengan master Renaisans. Sosok-sosok yang dilukisnya diterangi dari samping dan digambarkan dengan pengetahuan tentang perspektif yang dipelajari seniman itu. Dia menghentikan perhatiannya hanya pada hal utama, oleh karena itu, dalam gambar yang dibuat ada kekuatan, yang segera terwujud dalam mural yang dibuat oleh seniman di gereja-gereja Florentine. Masaccio tidak berumur panjang, tetapi berhasil memengaruhi seluruh lukisan Renaisans.

Penobatan Maria
FRA BEATO ANGELICO (FRA GIOVANNI DA FIESOLE)
1434–1435 Kayu, suhu. 112x114

Lukisan seniman Renaisans awal, biksu Dominika Fra Angelico, dijiwai dengan kegembiraan yang tenang. Itu juga diisi dengan karya multi-figur dari sang master, seperti "Penobatan Maria", yang dibuat untuk gereja Sant'Egidio di Florence.

Kristus menempatkan mahkota di atas kepala Bunda Allah, Ratu Surga, para malaikat meniup terompet mereka, orang-orang kudus dengan hormat merenungkan apa yang sedang terjadi. Latar belakang emas, yang berasal dari tradisi Bizantium dalam penggambaran langit, dipadukan di sini dengan figur-figur yang digambar dengan relief, dan semangat Abad Pertengahan, yang masih terasa dalam gambar altar ini, dipadukan dengan komposisi kompleks yang sudah melekat pada Renaisans.

Pewarnaan gambar paling baik dijelaskan dengan kata-kata dari puisi Nikolai Gumilyov tentang Fra Angelico:

Dan warnanya, warnanya cerah dan bersih,
Mereka lahir dengan itu dan mati dengan itu.
Ada sebuah legenda: dia melarutkan bunga
Dalam minyak yang disucikan uskup.

Dalam komposisi predella, yaitu yang terletak di bagian bawah gambar utama, sang seniman mempersembahkan Pertunangan Maria dan Asumsi Maria, yang sekarang disimpan di Museum San Marco di Florence.

Pertempuran San Romano
PAOLO UCCELLO
Sekitar 1438. Tempera di atas kayu. 180x323

Lukisan yang disajikan oleh seniman Quattrocento Paolo Uccello adalah salah satu dari tiga lukisan yang dia lukis tentang topik ini dan menjadi asal mula genre pertempuran dalam seni Eropa. Semua karya ini, atas perintah Leonardo Bartolini Salimbeni, yang ikut serta dalam pertempuran tersebut, menggambarkan momen-momen pertempuran antara Florentines dan Sienese, yang terjadi pada tahun 1432.

Dalam lukisan "The Battle of San Romano", seorang ksatria Florentine dengan tombak menjatuhkan pemimpin pasukan musuh, Bernardino della Charda, dari pelana. Duduk di atas kuda putih, pemimpin Florentines Niccolo da Tolentino telah menjatuhkan salah satu musuh ke tanah. Pertempuran sedang berlangsung, "kuda dan orang-orang bercampur aduk", tombak dan busur dilempar, ksatria dan senjata mereka terbang ke tanah. Ketegangan keseluruhan adegan juga diberikan oleh fakta bahwa banyak figur yang muat dalam ruang kecil, terlebih komposisinya sengaja dipotong oleh bingkai di sepanjang tepinya, sehingga terkesan sempit dalam batas yang ditentukan.

Uccello memerankan karakternya dalam berbagai pose. Mungkin, untuk melatih keterampilan ini, dia mengambil pekerjaan itu. Kuda merah di sebelah kiri, berlari kencang, abu-abu, dengan seorang ksatria yang jatuh bersamanya, putih, tempat pemimpin Florentines duduk, menunjukkan bagaimana seniman mengatasi sudut dan perspektif yang rumit. Dinamisme seluruh adegan ditekankan oleh pewarnaan di mana warna-warna cerah dan murni bertabrakan.

Triptych dengan Adorasi Orang Majus, Sunat dan Kenaikan
ANDREA MANTENA
1460–1464 Kayu, suhu. 86x161.5

Andrea Mantegna adalah seorang seniman yang lukisannya, sudah beberapa dekade sebelum dimulainya Renaisans Tinggi, langkah-langkah mendekat dari seni yang kuat ini terasa.

Triptych ditugaskan oleh Margrave Ludovico Gonzaga untuk kapel di istana keluarganya di Mantua (pelukis akan bekerja untuk keluarga ini selama sisa hidupnya). Tulisan miniatur gambar altar, kelimpahan detail yang luar biasa, ciri khas seni Renaisans Awal, digabungkan di sini dengan kekuatan dan monumentalitas yang sudah melekat pada tahap lukisan Italia berikutnya. Hasilnya, sebuah altar kecil yang indah memberikan kesan yang sama dengan lukisan dinding Mantegna di Istana Gonzaga. Dan pada saat yang sama, Anda ingin melihat triptych seperti permata dari sebuah kotak.

Di bagian tengah, sang seniman menampilkan adegan pemujaan terhadap orang Majus: di antara lanskap berbatu yang sangat ia cintai, prosesi panjang orang-orang berjubah mewah bergerak. Mereka pergi untuk membungkuk kepada Anak yang duduk di pangkuan Maria. Malaikat terbang di sekitar. Tulisan Mantegna yang kering dan cerah membuat gambar itu benar-benar bersinar juga berkat "udara" khusus dalam lukisan - benar-benar transparan, jarang, yang hanya terjadi di pegunungan tinggi. Oleh karena itu, di dunia yang diciptakan oleh seniman, semuanya terlihat: jalan setapak di kejauhan, dan kastil cerah yang dituju, dan wol unta, dan rumput keras, dan benang emas tipis yang menembus pakaian. . Dan pada saat yang sama, pemandangan itu bisa dibayangkan sebagai kapel berdinding penuh. Mantegna mengetahui hal ini dan, untuk meningkatkan efek monumentalitas yang digambarkan, menulisnya di permukaan cekung.

Dalam adegan "Sunat" (di sebelah kanan), sang seniman dengan susah payah melukis ornamen dinding, komposisi dalam lunette - "Pengorbanan Ishak" dan "Musa Menyerahkan Tablet Perjanjian kepada Orang-orang", sebuah keranjang dengan burung merpati di Tangan Joseph, sebuah nampan dengan aksesori untuk sunat, yang diulurkan bocah itu kepada imam besar. Gambar Yohanes Pembaptis kecil menyentuh, yang menghisap jarinya, memegang bagel yang digigit di tangan lainnya. Semua pemandangan mendetail ini cocok untuk lukisan dinding besar.

Dan hanya dalam komposisi ketiga - "Ascension" (di sebelah kiri) - hampir tidak ada detail yang digambarkan dengan hati-hati, lebih asketis dan kuat, lanskap berbatu terlihat lagi di dalamnya, dan bahkan awan tempat Kristus berdiri tampaknya diukir dari marmer. Namun, seperti sebelumnya, perasaan para tokoh tersampaikan secara halus: keheranan dan harapan Maria dan para rasul, sedikit kesedihan dan janji pertemuan di surga di mata Juruselamat.

Hercules dan Hydra
ANTONIO POLLAIOLO
1460. Kayu, tempera. 17x12

Sebuah lukisan kecil karya Antonio Pollaiolo, seorang pelukis Florentine Quattrocento, menggambarkan salah satu eksploitasi pahlawan Yunani kuno Hercules, atau Hercules. Tablet kedua dengan komposisi bertema mitos ini juga ada di museum. Peneliti berpendapat bahwa kedua karya tersebut adalah sketsa untuk lukisan besar yang dipesan oleh seniman Piero Medici, atau salinannya yang lebih kecil. Tetapi mereka juga bisa menjadi karya independen, dan kemudian harus dicatat terlebih dahulu bahwa Pollaiolo berhasil menganugerahi citra sekecil itu dengan monumentalitas.

Sebagai plot, sang master mengambil bagian dari mitos tentang Hercules, di mana dia bertarung dengan hydra Lernean, ular raksasa yang memiliki banyak kepala dan salah satunya abadi. Sang seniman menyampaikan ketegangan pertempuran dengan menggambarkan otot-otot sang pahlawan yang membengkak dan ekspresi putus asa di wajahnya. Pekerjaan itu penuh dengan gerakan. Kekuatan dan kekuatan Hercules ditegaskan oleh lanskap yang terletak jauh di bawah dan fakta bahwa karakter utama ditempatkan dengan latar belakang langit. Tetapi pada saat yang sama, pelukis itu jelas terpesona oleh garis-garis gorden yang indah dan elastis, tubuh ular, pita sungai yang berkelok-kelok, yang menciptakan pola rumit dalam karya itu.

Potret Federico da Montefeltro Urbino dan Battista Sforza
PIERO DELLA FRANCESCA
1465. Keduanya - kayu, minyak. 47х33

Seolah terisi udara, lukisan seniman Quattrocento ini sekaligus meninggalkan kesan kekuasaan dan kedamaian. Ini adalah potret Adipati Urbino Federico da Montefeltro dan istrinya Battista Sforza.

Wajah mereka diberikan profil, sesuai dengan tradisi potret pada masa itu, terkait erat dengan penggambaran orang-orang terkenal pada koin dan medali. Tetapi tidak ada pelukis potret yang dapat memperoleh manfaat dari sudut ini seperti Piero della Francesca: dia memberikan penampilan Federico dan Battista keagungan yang belum pernah terjadi sebelumnya, untuk pertama kalinya mengangkat orang yang digambarkan ke ketinggian di mana dia seharusnya berdiri di era humanisme. Kesan monumentalitas gambar dengan ukuran papan yang kecil diperkuat oleh fakta bahwa peran latar dimainkan oleh lanskap yang surut ke kejauhan, yang ditunjukkan dari titik tinggi. Perlu dicatat bahwa sudut di mana Federico digambarkan juga memungkinkan untuk menyembunyikan separuh wajah condottiere yang tak kenal takut. Namun profil yang dikejar, bahkan lebih ditonjolkan oleh warna jubah yang merah merata, memiliki cetakan cahaya dan bayangan yang lembut. Tampilan yang tenang dan percaya diri dari bawah kelopak mata yang tebal dan kelembutan kulit di pelipis, pipi, dan leher memberikan perasaan yang begitu halus dan nyata dari seseorang yang tidak selalu diberikan oleh potret psikologis yang menyebar di kemudian hari.

Awalnya, pintu altar, berkat engselnya, dapat digerakkan, dapat dilipat dan dilihat di bagian belakang papan dengan potret pemandangan kejayaan Federico dan Battista. Kedua pasangan, duduk di atas kereta kuda, saling menunggang kuda. Dalam gambar lanskap, dilukis dengan detail dan dengan transfer lingkungan udara terang, pengaruh lukisan Belanda terlihat.

Baptisan Kristus
ANDREA VERROCCHIO,
LEONARDO DA VINCI
1470–1475. Kayu, tempera, minyak. 177x151

Menjadi pematung utama, Andrea Verrocchio melakukan pesanan lukisan sesekali, akibatnya dia tidak dapat menyelesaikan salah satu lukisannya - Pembaptisan Kristus. Dia meminta muridnya Leonardo da Vinci untuk menyelesaikan apa yang telah dia mulai, seorang anak muda yang telah mencapai kesuksesan besar pada saat itu, meskipun dia tetap berada di bengkel guru. Figur sentral dan malaikat di sebelah kanan sudah dilukis dengan gaya khas Verrocchio - kering, linier, dengan siluet figur yang sangat indah.

Leonardo menggambarkan seorang malaikat berdiri di sebelah kiri, tetapi dia tidak menggunakan tempera, seperti seorang guru, tetapi cat minyak, yang mengering lebih lama dan memungkinkannya menyampaikan chiaroscuro lembut, menyelimuti gambar dengan kabut tipis. Beginilah teknik Leonardo "sfumato", yang kemudian menjadi terkenal, lahir. Sang seniman juga melukis sebagian lanskap di belakang para bidadari, berdasarkan gambar yang dibuatnya yang menggambarkan lembah Sungai Arno. Karya pelukis muda itu mengesankan Verrocchio dan menjadi sangat populer sehingga salinan dibuat dari kelompok malaikat ini.

Pemujaan orang Majus
LEONARDO DA VINCI
1480–1481. Kayu, tempera, minyak. 243x246

Altar ini ditugaskan oleh Leonardo dari kanon biara San Donato di Scopeto, tetapi tetap belum selesai, baik karena artis tersebut telah pergi ke Milan atau karena dia meninggalkan ide ini begitu saja. Tapi gambarnya terlihat lengkap dan mengusung semua ciri lukisan master saat itu.

Dalam tradisi Quattrocento, Leonardo agak membebani komposisi dengan banyak figur dalam pose ekspresif, lanskap, dan detail arsitektur. Namun, hal ini dapat dijelaskan dengan fakta bahwa Leonardo, sebagai seniman Renaisans, penasaran dengan apa yang dimaksud dengan tatanan dunia. Oleh karena itu, kategori keragaman memainkan peran besar baginya. Seorang kontemporer Leonardo, penulis Baldassare Castiglione, mencatat: “... tatanan dunia yang kita lihat, dengan langit luas, begitu bersinar dengan bintang terang, dan dengan daratan di tengahnya, dikelilingi oleh lautan, yang terdiversifikasi oleh gunung, lembah, dan sungai dan yang dihiasi dengan pepohonan yang berbeda dan bunga serta tumbuhan yang indah - bisa dikatakan, adalah gambaran yang mulia dan agung, yang digambar oleh tangan alam dan Tuhan ... "

Kaum humanis Italia menempatkan yang ilahi di pusat alam semesta. Di Leonardo, Mary, menggendong Anak Kristus di pangkuannya, menonjol dengan latar belakang banyak karakter "aktif" dengan pose tenang dan putaran kepalanya yang mulus. Seniman membangun segitiga komposisi atau, lebih tepatnya, piramida, di atasnya adalah kepala Maria. Teknik ini, yang memberikan keseimbangan dan harmoni yang digambarkan, banyak digunakan di antara para ahli Renaisans Tinggi.

Isyarat
LEONARDO DA VINCI
Sekitar tahun 1472. Kayu, minyak, tempera. 98x217

Leonardo mengerjakan lukisan ini saat masih di studio Verrocchio. Artis muda itu harus menyelesaikan apa yang dimulai siswa lain dan memperbaiki kesalahan mereka. Dia membuat beberapa sketsa jubah Maria dan jubah Malaikat Jibril, dan berdasarkan gambar-gambar ini dia menulis ulang gorden, yang akibatnya membentuk lipatan tebal. Kemudian Leonardo mengecat ulang kepala malaikat Jibril, membuatnya sedikit tertunduk, tetapi tidak sempat mengubah citra Maria, yang posenya tidak terlihat alami. Orang yang kuasnya lewat di sini sebelum Leonardo mungkin juga tidak mengetahui hukum perspektif dengan baik. Namun semua kesalahan ini secara tidak terduga menunjukkan betapa sulitnya menguasai teknik melukis realistik yang tampak begitu natural pada lukisan para master Renaisans.

Sebuah gambar dengan pensil dan tinta, yang dibuat oleh seniman pada saat yang sama, telah bertahan, di mana Mary menundukkan kepalanya, menutupi matanya, Rambutnya diikat di atasnya dengan pita dengan bros berharga, dan untaian sutra berserakan di atasnya. bahu. Leonardo, tampaknya, sangat menghargai citra puitis yang halus ini, yang lahir di bawah penanya, sehingga ia melukis gambar kecil terpisah dengan tema Kabar Sukacita.

Pemujaan orang Majus
SANDRO BOTTICELLI
Sekitar 1475. Tempera di atas kayu. 111x134

Dalam komposisi multi-figur ini, master Quattrocento Sandro Botticelli menampilkan anggota keluarga Medici, bankir dan pedagang, penguasa Florence, dan orang-orang yang dekat dengan mereka, di antaranya adalah dirinya sendiri, dalam gambar orang Majus yang menyembah Bayi Kristus.

Di antara reruntuhan Roma kuno, melambangkan akhir dunia lama dan awal yang baru, Kristen, duduklah Madonna. Dia menggendong Bayi di atas lututnya, berdiri di belakang, bersandar di lengannya, Joseph dan dengan lembut menatap bayi yang baru lahir. Cosimo the Elder Medici berlutut di hadapan Kristus. Giorgio Vasari menulis: "Dan kita melihat ekspresi khusus pada lelaki tua itu, yang mencium kaki Tuhan kita dan meleleh dengan kelembutan, dengan cara yang paling luar biasa menunjukkan bahwa dia telah mencapai tujuan dari perjalanan terpanjangnya." Lebih dekat ke tepi depan gambar adalah putra Cosimo, Piero dan Giovanni. Pada saat karya itu ditulis, mereka dan ayah mereka telah meninggal, tetapi Botticelli memasukkan mereka ke dalam lingkaran keluarga karena terkait erat dengannya. Berjubah hitam berdiri, berpikir, Giuliano, putra Piero, di belakangnya dengan janggut dan topi - filsuf Giovanni Argiropulo, di depannya dengan warna biru - pelanggan karya, Zanobi del Lama. Di sebelah kiri, dalam pose bangga, berdiri saudara laki-laki Giuliano, Lorenzo the Magnificent, di sebelahnya adalah penyair Angelo Poliziano, humanis dan filsuf Pico della Mirandola memberi tahu mereka sesuatu. Terakhir, di pojok kanan bawah, Botticelli sendiri, terbungkus jubah merah, menatap penonton. Tradisi menggambarkan diri sendiri di antara para peserta dalam sebuah adegan dari Kitab Suci tersebar luas selama Renaisans.

Medici mendirikan di Florence apa yang disebut Persaudaraan Orang Majus, yang mencakup diri mereka sendiri dan rekan mereka. Persaudaraan melakukan prosesi berkostum: anggotanya, yang menyamar sebagai orang majus, berjalan dan menunggang kuda melalui jalan-jalan kota. Mungkin, misteri ini juga bergema dalam lukisan karya Botticelli.

Kelahiran Venus
SANDRO BOTTICELLI
1483–1485 Kanvas, suhu. 172,5x278,5

"The Birth of Venus", seperti "Spring", sang seniman menulis untuk Lorenzo di Pierfrancesco Medici. Plot gambar ini didasarkan pada mitos bagaimana dewi cinta lahir dari buih laut. Botticelli dapat menemukan eksposisi mitos dari penulis kuno atau pengolahannya dari penyair Angelo Poliziano, yang bekerja di istana.

… Melibatkan
Marshmallow jatuh cinta tenggelam ke pantai,
Dan langit mereka bergembira atas pelarian mereka...
... Dan Anda bisa melihat - mata sang dewi bersinar.
Di hadapannya dengan senyuman langit dan unsur-unsurnya.
Di sana, dengan pakaian putih, para Horas sedang berjalan di tepi pantai ...

Venus, berdiri di dalam cangkang, berenang, didorong oleh Zephyr dan Chloris, dan Ora, salah satu sahabat dewi, yang memegang kerudung untuk menyelimutinya, datang menemuinya. Lipatan aneh dari kerudung dan pakaian yang berkibar tertiup angin, ombak di laut, garis pantai yang putus, penutup cangkang yang "bergelombang", dan akhirnya rambut Venus yang beterbangan - semua ini memicu garis halus dari tubuh dewi dan meningkatkan rasa keharmonisan tertinggi yang ditimbulkan oleh penampilannya. Di atas kepala Venus, tangan para tokoh hampir dekat, dan seolah-olah ada lengkungan yang menaungi dia, yang digemakan oleh bagian bawah cangkang yang membulat. Dengan demikian, sosok dewi ditutup dalam bentuk oval imajiner. Jika di "Musim Semi" komposisinya terdiri dari beberapa kelompok yang memiliki arti yang sama, maka di sini Venus adalah pusat yang dituju oleh segala sesuatu.

Bagi seniman Renaisans, Venus telanjang, bukan berpakaian, melambangkan cinta surgawi. Botticelli menganugerahi pahlawan wanita itu dengan kesucian, yang dipuja sebagai kebajikan tertinggi, karenanya motif pemujaan hadir dalam gambar. Wajah cantik pahlawan wanita menyerupai wajah Madonna dalam lukisan Botticelli, dan oleh karena itu dalam karya ini tema Kristen terdengar melalui tema antik, dan kombinasi humanisme kuno dan Kristen memberikan fenomena Renaisans Italia.

Madonna dan Anak dengan Malaikat (Madonna del Magnificat)
SANDRO BOTTICELLI
1483. Kayu, tempera. Diameter 118

"Magnificat" adalah nama lagu pujian Katolik Perawan Maria, yang diberikan untuk doksologi ini pada baris pertama: "Magnificat anima mea Dominum" - "Jiwaku memuliakan Tuhan", oleh karena itu gambar tersebut memiliki nama kedua, yang diterjemahkan sebagai "Kemegahan Madonna". Di Botticelli, Bunda Allah memegang pena di tangannya, bersiap untuk mencelupkannya ke dalam tinta dan kemudian menuliskan di buku kata-kata dari Injil Lukas, di mana himne itu ditulis.

Bentuk tondo - gambar bulat - sangat cocok untuk lukisan Botticelli dengan garis-garisnya yang halus dan mengalir, lekukan tubuh, kepala karakter yang tertunduk. Dalam hal ini, seniman memberikan garis bulat pada seluruh komposisi, yang dibentuk oleh pose Madonna dan Anak, malaikat yang membungkuk di sebelah kiri, tangan para malaikat bertemu di atas, memegang mahkota dan meletakkannya di atas. kepala Maria. Selain itu, seluruh grup ditempatkan dengan latar belakang jendela bundar, pemandangan di belakangnya juga melengkung aneh, seolah terpantul di cermin cembung. Ini adalah salah satu karya Botticelli yang paling liris, di mana musik diwujudkan dalam komposisi, ritme, warna, garis, dan ekspresi wajah.

alegori suci
GIOVANNI BELLINI
1490–1499 Kayu, minyak. 73x119

Giovanni Bellini, yang karyanya memengaruhi semua lukisan Venesia dan, di atas segalanya, suasana hatinya, meninggalkan teka-teki yang masih belum bisa mereka pecahkan: apa plot lukisan "Alegori Suci"? Nama abstrak ini diberikan kepadanya karena tidak ada yang bisa menjawab pertanyaan itu dengan tepat.

Artis itu menggambarkan apa yang disebut percakapan suci: Bunda Allah yang duduk di atas takhta menghadap orang-orang kudus. Di antara mereka, seseorang dapat membedakan Paul dengan pedang, mengusir seorang pria bersorban, Peter, bersandar di langkan dan menjaga pintu masuk ke peron, Sebastian dengan panah di dadanya, dan Ayub, dengan penuh doa melipat tangannya. Namun komposisi “percakapan suci” yang selalu menjadi sentral ketika Bellini atau artis lain beralih ke plot ini, dibelokkan ke samping penonton dan menjadi salah satu motif yang dihadirkan. Yang lainnya adalah bayi bermain di bawah pohon. Dalam kelompok mereka, menonjol seseorang yang memegang sebuah apel di tangannya, melambangkan dosa manusia. Anak ini mungkin adalah Kristus, yang datang ke dunia untuk menebus dosa, dan bayi-bayi di sekitar-Nya mungkin adalah jiwa-jiwa di api penyucian yang didoakan oleh orang-orang kudus. Sungai itu kemungkinan besar Musim Panas, memisahkan dunia ini dari dunia kehidupan, yang terlihat di rencana tengah dan jauh. Di sana, seorang pertapa berdoa di sebuah gua, seorang centaur, mempersonifikasikan godaan, berkeliaran di dekatnya, dan lebih jauh lagi orang-orang menjalani kehidupan biasa mereka.

Tetapi kritikus seni Rusia Pavel Muratov benar ketika dia menulis tentang Bellini: “Dan mungkin kunci dari lukisannya bukanlah pada apa yang digambarkan melainkan pada perasaan bahwa segala sesuatu diilhami di sini.<…>Kami memahami meditasi kontemplatif yang mendalam di mana orang-orang kudusnya dibenamkan, dan kehalusan inkorporeal dari permainan kekanak-kanakan dengan apel emas dari pohon mistik berdaun gelap. Di negara yang terbuka di balik perairan cermin tidur Lethe, kami mengenali negara doa dan pesona kami. Jiwa kita berkeliaran di sana dalam kesunyian bebatuan, saat mereka dibebaskan dengan tidur ... Saat fajar menyingsing, mereka terjun ke perairan Lethe untuk kedua kalinya dan keluar, menyimpan kesedihan, ke pantai kehidupan .

Pieta
PIETRO PERUGHINO
Sekitar tahun 1493–1494. Kayu, minyak, tempera. 168x176

Kepala sekolah melukis Umbria dan guru Rafael, Pietro Perugino, membuat lukisan di mana, misalnya, dalam lukisan yang disajikan, ada keheningan khusus. Kata "pieta", yang dalam bahasa Italia berarti "kasih sayang, kasihan", digunakan dalam lukisan dan pahatan untuk merujuk pada adegan Bunda Allah yang sedang berduka atas kematian Kristus yang terbaring di pangkuannya.

Gambar tersebut didominasi oleh dua garis komposisi yang saling seimbang - tubuh Juruselamat yang memanjang dan lengkungan setengah lingkaran, yang digaungkan oleh sosok Maria. Lengkungan - simbol kubah surgawi dan keharmonisan dunia - sudah dengan bentuknya memperkenalkan perasaan ke dalam komposisi, menekankan bahwa pengorbanan Kristus tidak sia-sia. Di wajah-Nya - ketenangan, Bunda Allah - kerinduan mendalam yang tidak menemukan jalan keluar, dan di wajah Yohanes Penginjil dan orang suci yang berdiri di belakangnya - ekspresi yang dapat didefinisikan dengan garis klasik "kesedihanku cerah ." Kesedihan dan bersamaan dengan itu harapan terasa baik di lanskap musim semi di kejauhan, maupun di udara keemasan yang menyelimuti semua yang digambarkan.

SENI ITALIA:
ABAD XVI DAN SETELAHNYA

Madonna dan Anak dengan Malaikat dan Nabi (Madonna dengan Leher Panjang)
PARMIGANINO (FRANCESCO MAZZOLA)
1534–1540. Kayu, minyak. 216x132

Salah satu seniman Mannerisme terkemuka, Parmigianino, berbeda dengan master Renaisans, mencari harmoni dalam figur dan objek yang sengaja diubah, memanjang dan seolah-olah tertarik ke arah tak terhingga. Lukisan "Madonna dengan Leher Panjang" ditulis oleh master yang ditugaskan oleh saudara perempuan temannya, Elena Baiardi, untuk gereja Santa Maria dei Servi di Parma.

Tubuh yang digambarkan memanjang (karena itu nama kedua dari karya ini) dan melengkung seperti gelombang. Ini terutama terlihat pada sosok bidadari yang berdiri di depan. Perasaan tidak nyata, magis yang ditimbulkan oleh karya ini diperkuat oleh warna-warna mutiara yang dingin, serta sosok St. Jerome yang terlalu kecil dibandingkan yang lain, dan latar belakang arsitektural, belum selesai, entah sengaja atau karena kematian tuannya, di mana tiang-tiang itu ternyata tidak membawa apa-apa. . Dan pada saat yang sama, satu kolom di sini memiliki arti khusus sebagai simbol ketekunan.

Penyaliban digambarkan pada vas di tangan malaikat. Tema siksaan dan kematian Juruselamat di masa depan juga diwujudkan dalam pose Anak yang sedang tidur, mengingatkan pada ikonografi pieta - gambar Bunda Allah, berduka atas kematian Kristus, yang Dia pegang di atas lututnya.

SENI ITALIA (Abad XVI DAN KEMUDIAN):

• Doni Madonna (Keluarga Suci). Michelangelo Buonarroti
• Potret diri. RAFAEL SANTI
• Madonna dengan goldfinch. RAFAEL SANTI
• Prajurit dan pengawal (Gattamelata). GIORGIONE (?)
• Kematian Adonis. SEBASTIANO DEL PIOMBO
• Perseus membebaskan Andromeda. PIERO DI COSIMO
• Flora. TITIAN VECELLIO
• Potret Eleonora Gonzaga della Rovere. TITIAN VECELLIO
• Venus Urbinskaya. TITIAN VECELLIO
• Madonna dan Anak (Madonna dari Harpies). ANDREA DEL SARTO
• Potret seorang gadis dengan buku puisi karya Petrarch. ANDREA DEL SARTO
• Potret Cosimo the Elder Medici. JACOPO PONTORMO
• Makan malam di Emaus. JACOPO PONTORMO
• Potret Lorenzo yang Agung. GIORGIO VASARI
• Potret Bia Medici. AGNLOLO BRONZINO
• Potret Eleanor dari Toledo dengan putranya Giovanni de' Medici. AGNLOLO BRONZINO
• Leda dan angsa. JACOPO TINTORETTO
• Madonna del Popolo. FEDERICO BAROCCI
• Bacchus.
• Pengorbanan Ishak. Michelangelo Merisi Da Caravaggio
• Daud dengan kepala Goliat. Michelangelo Merisi Da Caravaggio
• Judith memenggal kepala Holofernes. ARTEMISIA GENTILESCHI
• Pemandangan Istana Doge di Venesia. KANAL ANTONIO (CANALETTO)
• Potret Felicita Sartori (?) dengan kostum Turki. ROSALBA CARRIERA

Madonna Doni (Keluarga Suci)
Michelangelo Buonarroti
1505–1506 Kayu, minyak, tempera. Diameter 120

Karya ini adalah satu-satunya lukisan kuda-kuda jadi yang sampai kepada kita oleh Michelangelo, yang berfokus pada patung, arsitektur, dan lukisan dinding. Dalam mural monumentalnya, sosoknya menyerupai patung, dan ini bukan kebetulan: ketika ditanya oleh penulis Benedetto Varka tentang mana yang lebih tinggi - lukisan atau patung, Michelangelo menjawab: "Lukisan, menurut saya, dianggap lebih baik bila lebih cenderung ke arah lega."

Jadi dalam "Madonna Doni" atau "Tondo Doni" (tondo - gambar atau relief berbentuk bulat), sosok Madonna, Kristus, St. Joseph, St. Yohanes Pembaptis dan pemuda di latar belakang dituliskan tepatnya dalam relief, pahatan. Namun, fitur ini membedakan seluruh sekolah bergambar Tuscany dari, misalnya, sekolah Venesia. Grup pusat menyerupai komposisi pahatan: kompak, dan tampaknya dapat berjalan dari semua sisi dan diperiksa. Dalam karya ini, pemikiran arsitek juga dirasakan, sehingga segala sesuatu yang digambarkan stabil dan "diperbaiki" dengan aman di ruang angkasa.

Lukisan gambarnya menyerupai lukisan yang monumental, mirip dengan lukisan dinding yang dilakukan Michelangelo di langit-langit Kapel Sistina pada 1508-1512. Sosok karakter dan lipatan gorden Madonna Doni bersifat singkat, yaitu dirancang untuk pandangan jauh. Pose Bunda Allah serumit karakter Sistine, seolah dimaksudkan untuk menggemakan plastisitas beberapa arsitektur. Dan dengan komposisi spasialnya, semakin dalam, tondo tampak seperti lampu langit-langit yang dicat.

Padahal, ini adalah lukisan kuda-kuda, terbukti dari warnanya yang terdiri dari warna-warna yang dalam dan murni, tidak begitu diperlukan dalam lukisan monumental, dan komposisi tondo yang tertutup, serta tokoh-tokoh yang lincah digambarkan. Jadi, Michelangelo, yang menyebut dirinya, pertama-tama, seorang pematung, membuktikan bahwa dia fasih dalam teknik melukis kuda-kuda, dan menunjukkan semua bakatnya dalam karya ini, sebagaimana layaknya master dari High Renaissance.

Potret diri
RAFAEL SANTI
1506. Kayu, tempera. 47,5x33

Seorang pria muda dengan wajah yang terinspirasi, wajah seorang pemuda jenius - begitulah Raphael, memandang kami dari potret diri. Ketenangan dan keharmonisan surgawi terpancar dari penampilannya, yang membedakan seluruh lukisan senimannya. Pewarnaan gambar ini sangat tertahan - latar belakang netral, rambut hitam, topi yang sama. Di antara pakaian gelap dan kulit berwarna hangat, garis tipis kemeja putih terlihat - dalam transisi tertipis dari warna hitam tuli ke warna wajah dan leher yang hidup - semua Raphael, yang merasakan hukum lukisan yang dalam.

Potret diri, sangat mirip dengan yang ini, hanya dalam cermin yang terbentang, sang seniman menempatkan lukisan dinding "The School of Athens" (1508–1511) di Vatikan "Stanza della Senyatura": di sebelah kanan, dalam gambar dari pelukis Yunani kuno Apelles, gambar yang sama dari Raphael yang diisi dengan puisi tinggi terlihat.

Madonna dengan Goldfinch
RAFAEL SANTI
1507. Minyak pada kayu. 107х77

Ini adalah salah satu gambar Madonna dan Anak dengan Yohanes Pembaptis yang dibuat oleh Raphael di Florence. Itu dipesan kepada artis oleh temannya, pedagang Lorenzo Nazi, untuk pernikahannya sendiri. Di sini, pelukis menggunakan komposisi segitiga yang sama seperti pada lukisan lain tentang topik ini, berkat gambar yang memperoleh keseimbangan dan harmoni yang langka.

Mary tampaknya menutupi Anak Kristus dan John kecil. Garis-garis lembut sosoknya, lipatan jubahnya yang mengalir, serta pemandangan indah di latar belakang, yang telah menjadi ciri khas Raphael, dengan garis lanskap yang halus, terbenam dalam kabut tipis dan mencair, memenuhi gambar dengan suasana damai. Tetapi burung emas, simbol Sengsara Kristus, di tangan Yohanes Pembaptis, yang dijangkau oleh Bayi, memberikan catatan yang mengkhawatirkan pada gambar tersebut. Pada saat yang sama, wajah Madonna, lembut, dengan mata tertunduk, dibingkai oleh rambut lembut, mengekspresikan ketenangan yang ditransmisikan ke penonton.

Prajurit dan pengawal (Gattamelata)
GIORGIONE (?)
Sekitar tahun 1505–1510. Kanvas, minyak. 90x73

Kanvas tersebut menggambarkan condottiere Erasmo de Narni, yang hidup hampir seabad sebelum lukisan itu dan mendapat julukan Gattamelata - "kucing penyayang". Berasal dari lapisan masyarakat yang lebih rendah, ia menjadi tentara bayaran, bertugas di berbagai kota dan penguasa yang berbeda, naik ke pangkat condottiere - pemimpin detasemen yang melayani komune. Selain itu, ia menjadi penguasa Padua, dan patung penunggang kudanya oleh Donatello dipasang di dekat katedral utama Padua - basilika kepausan Sant Antonio. Lukisan di sebelah Gattamelata mungkin menggambarkan putranya Antonio.

Giorgione dan para pengikutnya membentuk keseluruhan tren lukisan Venesia pada pergantian abad ke-15 hingga ke-16, yang ciri khasnya adalah suasana kontemplatif dari karakter yang digambarkan. Jadi prajurit dengan penampilan yang tidak dimurnikan ini, yang terbiasa dengan kehidupan keras yang penuh risiko, membeku dengan ekspresi di wajahnya, seolah-olah sedang mendengarkan musik. Pedang, baju besi, dan helmnya dianggap hanya sebagai simbol, dan anak laki-laki itu adalah malaikat yang berdiri di atas bahunya.

Kematian Adonis
SEBASTIANO DEL PIOMBO
1512. Minyak di atas kanvas. 189x285

Menjadi murid Giovanni Bellini dan dipengaruhi oleh Giorgione, Sebastiano del Piombo mengadopsi dari mereka kelembutan bentuk dan mood liris, membawanya ke dalam lukisannya. Tetapi saat bekerja di Roma, dia juga dipengaruhi oleh seni Raphael dengan harmoni mutlaknya dan Michelangelo, yang memberkahi karakternya dengan kekuatan yang belum pernah terjadi sebelumnya.

Dalam kanvas yang disajikan, sang seniman beralih ke mitos Adonis, pemuda tercantik, kekasih Aphrodite, yang terbunuh saat berburu babi hutan. Del Piombo menggambarkan momen ketika Aphrodite mengetahui tentang kematian Adonis, yang diberitahukan Cupid kepadanya, dan sebagian besar pekerjaan ditempati oleh para dewa yang duduk di hutan, dan pahlawan yang sekarat berada di kejauhan. Teknik ini - untuk membawa klimaks dari keseluruhan adegan ke jarak tertentu, untuk menunda persepsi penonton - mempertajam suasana cemas yang tumpah dalam gambar dan mengalir melalui karakter dalam gelombang.

Di latar belakang, sang seniman mengabadikan pemandangan Venesia dengan Doge's Palazzo dan menara lonceng Katedral San Marco, yang tercermin di perairan laguna yang tenang. Pemandangan malam dengan langit biru muda, matahari terbenam keemasan, awan putih mengembang di langit, dan bayang-bayang yang menjalar di darat dan air memenuhi semua yang digambarkan dengan kesedihan halus yang suka disampaikan oleh seniman Venesia dalam lukisan mereka.

Perseus membebaskan Andromeda
PIERO DI COSIMO
Sekitar tahun 1510–1515. Kayu, minyak. 70x120

Artis Florentine, Piero di Cosimo, menggabungkan dalam karyanya gambar-gambar yang harmonis dan spiritual dari Renaisans Tinggi dengan kecintaan pada penggambaran mendetail dunia di sekitarnya, yang ia ambil dari para pelukis Belanda.

Dalam lukisan yang disajikan, dilukis pada periode akhir kreativitas, sang master menggunakan mitos Yunani kuno tentang Perseus menyelamatkan Andromeda. Kembali setelah mengalahkan Gorgon Medusa, sang pahlawan melihat seorang gadis diikat ke batu. Itu adalah Andromeda, yang dikorbankan oleh penduduk negara asalnya untuk monster laut yang melahap orang untuk menyingkirkannya. Perseus, dengan sandal bersayap dan helm ajaib yang membuatnya tidak terlihat, digambarkan dalam gambar dua kali - terbang di atas laut dan berdiri di belakang monster, mengacungkan pedang. Di sebelah kiri, Andromeda tersiksa dan orang-orang yang ketakutan bersembunyi, menutupi diri mereka dengan jubah, dan di sebelah kanan, orang-orang bersenang-senang dan melambai-lambaikan dahan pohon salam, memuliakan sang pahlawan.

Dimasukkannya peristiwa-peristiwa dari waktu yang berbeda dalam komposisi dan interpretasinya yang mengingatkan pada dongeng bersaksi tentang tradisi yang masih belum usang dari abad sebelumnya - Quattrocento, tetapi garis halus dari figur dan lanskap yang terbuka lebar di kejauhan menunjukkan bahwa karya ini diciptakan di era High Renaissance.

Flora
TITIAN VECELLIO
Sekitar 1515–1517. Kanvas, minyak. 79,7x63,5

Tentang siapa yang digambarkan dalam lukisan yang disajikan oleh Titian, seniman Venesia dari Renaisans Tinggi, mereka telah lama berdebat. Pada suatu waktu diyakini bahwa ini adalah putri seniman Palma the Elder, dan karya itu sendiri dikaitkan dengannya, kemudian, ketika karya itu kembali diakui sebagai karya Titian, perselisihan tentang tokoh utama lukisan itu berlanjut. Ide untuk mengidentifikasi gadis yang ditangkap dengan Flora, dewi bunga Romawi, dikemukakan oleh sebuah karangan bunga di tangannya. Dan seluruh penampilan makhluk muda, mekar, melamun dengan rambut tergerai, dengan kemeja putih yang jatuh dari satu bahu, benar-benar dikaitkan dengan dewi kuno.

Pada saat yang sama, ini adalah potret seorang Venesia kehidupan nyata, dengan rambut keemasan, sesuai gaya pada masa itu, dan kulit putih dan lembut seperti beludru. Sangat mungkin bahwa Titian muda melukisnya, berfantasi dengan tema zaman kuno, dan hasilnya adalah citra yang lincah, totok, dan pada saat yang sama mengangkat citra di atas kenyataan.

Potret Eleonora Gonzaga della Rovere
TITIAN VECELLIO
1536–1537 Kanvas, minyak. 114x103

Biasanya, Titian, yang membuat lukisan bertema mitologis dan Kristiani, serta potret fantasi seperti Flora, bebas dalam bergambar. Tapi, menggambarkan orang-orang yang mulia, dia tampaknya menjadi orang sekuler seperti dia dalam hidup. Mencintai hidup dan tahu bagaimana menikmatinya, dia tahu betul apa itu konvensi etiket. Oleh karena itu, potret tersebut menunjukkan, pertama-tama, seorang bangsawan dari keluarga bangsawan Italia, duduk dalam pose seremonial dan mengenakan pakaian mewah. Seniman itu dengan hati-hati menyampaikan baik kerapuhan beludru, dan kecemerlangan emas, dan renda yang lapang.

Titian menekankan martabat Eleanor dan melalui dia - kebajikannya, konsep ini penting untuk Renaisans. Wajah sang model tanpa ekspresi, dan hanya rona lembut pada kulit putih dan mata cokelat, bersinar dengan kecerdasan dan kekuatan, meramaikannya dan memungkinkan untuk merasakan karakter wanita yang ada dalam batas yang ditentukan oleh kelasnya. Jika benar Eleanor berperan sebagai muse Titian saat melukis lukisan seperti "Girl in a Fur Cape" dan terutama "Venus of Urbino", maka bisa dibayangkan berbagai kemungkinan pelukis ini: dia bisa berfantasi tentang penampilan. wanita yang disukainya, dan melukis potret seremonial yang ketat.

Venus Urbinskaya
TITIAN VECELLIO
1538. Minyak di atas kanvas. 119x165

Tema kuno, yang sering muncul dalam karya Titian, memungkinkan Venesia yang ceria ini membuang semua kekagumannya pada dunia dan kemampuannya untuk menghargai keindahannya di atas kanvas. Sang master menyukai zaman kuno sebagai sesuatu yang hidup dan oleh karena itu dengan berani menempatkan karakter mitologi Yunani atau Romawi di lingkungan kontemporer.

"Venus" -nya, diakuisisi oleh Guidobaldo dela Rovere, Adipati Urbino dan karena itu diberi nama sekarang, mewakili seorang Venesia muda, kecantikan dengan penampilan lincah, tubuh halus, dan rambut keemasan. Posturnya mengingatkan pada tipe klasik "Venus Pudik", yaitu "pemalu", tetapi gadis ini, jika sedikit malu, sangat menyadari kecantikannya. Gambar itu menggemakan Venus Tidur Giorgione, disimpan di Galeri Seni Dresden, tetapi Titian yang menyamar sebagai dewi memiliki lebih banyak sensualitas. Namun, kepekaan ini menipu. Artis itu memilih sebuah ruangan di mana segala sesuatu menghirup kenyamanan rumah yang kuat: di latar belakang, seorang pelayan sedang mencari sesuatu di peti, dan yang lain menatapnya dengan antisipasi. Sebuah myrtle berdiri di jendela - simbol kehidupan pernikahan, seprai putih diletakkan di atas tempat tidur dan bantal putih dilemparkan, berbicara tentang kemurnian wanita yang berbaring di atasnya, di mana seekor anjing meringkuk di kakinya, melambangkan pengabdian. Dengan demikian, makna tersembunyi dari gambar tersebut harus dipahami sebagai cinta suami istri.

Madonna dan Anak (Madonna dari Harpies)
ANDREA DEL SARTO
1517. Minyak di atas kanvas. 207x178

Andrea del Sarto bekerja pada saat lukisan Renaisans berada di puncaknya, sehingga karya seniman membawa semua ciri seni itu. Ini terutama terlihat pada keharmonisan, keagungan gambar-gambar dalam lukisan. Tetapi pada saat yang sama, dalam karya sang master, tanda-tanda tingkah laku yang sudah muncul terlihat: sosok memanjang, adegan "pentaskan" yang jelas, keanggunan pose dan gerak tubuh yang digarisbawahi, dan "manis" yang nyaris tak terlihat yang menandai penampilan para tokoh.

Karya yang disajikan dibuat untuk gereja San Francesco di Florence, sehingga Santo Fransiskus juga digambarkan di atas kanvas. Di sebelah kanan adalah St. Yohanes Penginjil. Nama lukisan itu dikaitkan dengan makhluk bersayap aneh yang diukir dengan relief tinggi di atas alas. Giorgio Vasari percaya bahwa ini adalah harpa - monster dari mitologi Yunani, burung berkepala wanita. Namun kemungkinan besar ini adalah gambar belalang dari Kiamat, yang juga ditunjukkan oleh sosok Yohanes Penginjil, yang dalam Wahyu dikatakan: “Dan belalang keluar dari asap ke bumi, dan kuasa diberikan kepada mereka, yang dimiliki kalajengking duniawi” (Wahyu, 9: 3). Dengan menggambarkan Bunda Allah berdiri di atas simbol bencana yang akan datang, sang seniman menekankan perannya sebagai penyelamat orang benar.

Potret seorang gadis dengan buku puisi karya Petrarch
ANDREA DEL SARTO
1528. Kayu, tempera. 87x69

Gambar-gambar yang penuh dengan kemegahan dan potret seorang gadis yang liris dan ramah adalah dua kutub dalam karya Andrea del Sarto, seorang seniman Florentine dari High Renaissance. Namun, kehangatan dan kerumahtanggaan juga hadir dalam potret ini karena sang master melukis putri dari istri tercinta Lucrezia dari pernikahan pertamanya - putri tirinya Maria, yang dia besarkan sebagai miliknya.

Dengan pandangan licik ke arah penonton, gadis itu memegang volume soneta cinta Petrarch di tangannya. Untuk pertama kalinya, dia menyentuh rahasia perasaan yang menggairahkan dan memberi isyarat padanya, pahlawan wanita itu ingin menyembunyikan penemuannya dan tidak dapat melakukan ini, dengan canggung mengarahkan jarinya ke baris yang dia baca. Semua ini ditangkap dengan sangat akurat oleh artis sehingga plot yang tampaknya biasa dengan seorang gadis yang sedang jatuh cinta, tanpa sadar mengisyaratkan keadaan batinnya yang tinggi, membangkitkan suasana hati yang hangat dan hormat pada penonton. Hanya sedikit orang yang mencapai kedalaman seperti itu dalam mengungkap dunia batin seorang anak muda di zaman Andrea del Sarto.

Potret Cosimo the Elder Medici
JACOPO PONTORMO
1519–1520. Kayu, minyak. 86x65

Dalam karya awal Jacopo Pontormo ini, sudah ada tanda-tanda Mannerisme, yang salah satu pendirinya adalah dia. Cara gambarnya, yaitu cara penulisannya, yang menarik perhatian seniman.

Potret Cosimo the Elder Medici dibuat lebih dari setengah abad setelah pendiri dinasti Medici, seorang bankir dan pedagang yang menjadi penguasa Florence, meninggal dunia. Dalam penggambaran seseorang secara anumerta, sang master dapat memberikan dirinya kebebasan.

Potret itu dipesan oleh sekretaris Adipati Urbino, Lorenzo Medici, salah satu keturunan Cosimo, mungkin untuk kelahiran putranya. Cosimo duduk di kursi berlengan, di depannya ada dahan pohon laurel, lambang keluarga, di sekelilingnya pita kertas dililitkan dengan syair-syair dari Virgil's Aeneid. Pada sosok kurus bungkuk yang digambarkan dan wajahnya, kelelahan akibat tahun-tahun badai terasa, tangannya, seperti yang terbiasa memerintah dan tidak ingin berpisah dengan kekuasaan, dikompresi. Jubah merah Cosimo, menonjol dengan latar belakang gelap, membawa catatan yang mengkhawatirkan ke kanvas dan menyampaikan drama yang menandai kondisi manusia.

Makan malam di Emaus
JACOPO PONTORMO
1525. Minyak di atas kanvas. 230x173

Dalam gambar ini, Jacopo Pontormo menggambarkan momen yang dijelaskan dalam Injil Lukas, ketika Kristus yang telah bangkit, yang menampakkan diri kepada dua muridnya di jalan menuju Emaus dan tidak dikenali oleh mereka, setuju untuk berbagi makan malam dengan mereka: “ Dan ketika Dia sedang berbaring dengan mereka, kemudian, mengambil roti , memberkati, memecahkan dan memberi mereka. Maka terbukalah mata mereka dan mereka mengenal Dia” (Lukas 24:30).

Pelukis menggambarkan Kristus lebih tinggi dari pemandangan lainnya, tetapi Dia sejajar dengan penonton, dan lantai, meja, dan karakter yang duduk di belakangnya terlihat sedikit dari atas. Dari sini, seluruh komposisi secara harfiah ditarik ke sosok Juruselamat. Pontormo memperkenalkan ke dalam karyanya ciri-ciri genre keseharian, terlihat pada pose para siswa, dengan cara salah satu dari mereka menuangkan anggur, dan yang kedua memegang roti. Tetapi di atas kepala Kristus, mata Allah yang melihat segalanya digambarkan dalam segitiga yang dikelilingi oleh pancaran dan melambangkan Tritunggal, dan ini mengembalikan pemirsa ke gambar itu ke rencana agungnya.

Potret Lorenzo yang Agung
GIORGIO VASARI
Sekitar 1533–1534. Kayu, minyak. 90x72

Arsitek, seniman, dan sejarawan seni Italia pertama, Giorgio Vasari, melukis potret ini atas permintaan Alessandro Medici bertahun-tahun setelah kematian orang yang digambarkan di sana.

Lorenzo the Magnificent adalah cucu dari Cosimo the Elder Medici dan memusatkan semua kekuasaan atas Florence di tangannya, tetapi pada saat yang sama melindungi seniman dan penyair serta menulis puisi sendiri. Masa pemerintahannya adalah "zaman keemasan" seni Florentine. Tetapi potret ini menggambarkan seorang lelaki yang tampak lelah dan bijaksana, tidak peduli pada ketenaran dan kekayaan, yang diisyaratkan oleh dompet merah, dan bahkan fakta bahwa ia dinyatakan sebagai "bejana segala kebajikan", sebagaimana dibuktikan dengan tulisan di belakang. Vasari mengungkapkan dalam lukisan itu kerinduan akan masa ketika lukisan, puisi, dan kata-kata kaum humanis bergema di jiwa penguasa.

Kritikus seni Rusia Pavel Muratov menulis tentang Lorenzo saat dia berada di tahun-tahun kemundurannya: “Kemudian Florence masih bernapas bersamanya; dia membuat citranya tidak bisa rusak. Bahkan di benak generasi berikutnya, Quattrocento Florence, Florence of Lorenzo the Magnificent, tampaknya merupakan perwujudan dewa kuno dalam diri seorang pria yang mengunjungi tanah Italia. Hanya menyapanya saja sudah membangkitkan semangat. Ketika, setengah abad kemudian ... Giorgio Vasari mengambil potret Lorenzo yang sekarang berada di Uffizia, kejeniusan Florence tua secara aneh muncul kembali dalam dirinya ... "

Potret Bia Medici
AGNLOLO BRONZINO
1542. Kayu, tempera. 64x48

Agnolo Bronzino, yang bekerja untuk Duke Cosimo I dari Medici, seperti banyak pelukis istana, berusaha untuk menyampaikan dalam potret tidak begitu banyak dunia batin seseorang melainkan perasaan orang-orang yang dia tangkap dari posisi tinggi mereka. Karenanya - beberapa detasemen orang yang digambarkan olehnya. Namun dalam potret yang disajikan, gadis itu, terlepas dari semua kesungguhan posturnya dan ekspresi wajahnya yang sedikit "tertutup", penuh pesona, seperti anak kecil mana pun. Pada saat yang sama, beberapa kesedihan terpancar darinya. Mungkin faktanya ini adalah potret anumerta putri Cosimo I, Bianca, yang dipanggil Biya kecil. Dia lahir sebelum pernikahan ayahnya dengan Eleanor dari Toledo dari seorang wanita yang namanya hanya diketahui oleh Adipati sendiri dan ibunya. Biya meninggal sebagai seorang anak, ayahnya memesan potret Bronzino, dan sang seniman melukis seorang gadis kecil dengan pipi montok kemerahan dan tampilan dewasa, tampaknya melihat ke arah penonton, tetapi juga melewatinya.

Potret Eleanor dari Toledo dengan putranya Giovanni de' Medici
AGNLOLO BRONZINO
1545. Minyak di atas kanvas. 115x96

Agnolo Bronzino adalah perwakilan dari Mannerisme, sebuah gerakan bergambar yang muncul di kedalaman Renaisans Tinggi, yang memudar. Mannerisme menempatkan seni di atas alam, oleh karena itu ada rasa dingin tertentu yang terpancar dari karya senimannya. Pada saat yang sama, potretnya penuh dengan pengetahuan tentang seseorang yang hanya tersedia untuk master hebat.

Eleanor dari Toledo, putri Raja Muda Neapolitan dan istri Cosimo I de Medici, dan anak-anaknya Bronzino menulis lebih dari sekali, tetapi potret ini mungkin yang terbaik. Dia ditampilkan di sini sebagai penguasa Tuscany. Wanita itu mengenakan gaun mewah yang terbuat dari brokat perak dengan sulaman emas, dia memiliki jaring mutiara di kepalanya, kalung mutiara di dadanya, wajahnya memutih dan memiliki ekspresi yang terpisah. Tetapi bayi montok yang dipeluk Eleanor membuat Anda melupakan gelarnya dan melihat bahwa kita, pertama-tama, adalah seorang ibu (dia melahirkan sebelas anak), yang mencintai anaknya dan mengkhawatirkannya. Kecemasan keibuan, yang tidak bisa dia sembunyikan bahkan demi etiket, terlihat pada penampilan seorang wanita oleh Bronzino. Ternyata seluruh pakaian mewah sang duchess adalah semacam gangguan yang membuat penonton melihat hal-hal sekunder, untuk kemudian menatap mata Eleanor dan memahami bahwa gambar ini dibuat oleh seorang seniman yang sangat memahami orang tersebut.

Leda dan angsa
JACOPO TINTORETTO
1555. Cat minyak di atas kanvas 162x218

Pelukis Venesia ini menciptakan kanvas besar di mana pose dan gerak tubuh karakternya kompleks dan ekspresif, dan cahaya bergumul dengan kegelapan. Dalam hal ini, Tintoretto beralih ke mitos kuno tentang bagaimana Zeus, atau Jupiter di antara orang Romawi, yang terpikat oleh keindahan Leda, menampakkan diri kepadanya dalam bentuk angsa. Penyair Romawi kuno Ovid menulis dalam Heroides:

Apa yang harus diingat tentang tipu muslihat burung sungai berbulu putih
Dan berduka karena angsa Jupiter bersembunyi di dalam dirinya?

Plotnya populer di kalangan seniman Italia karena kesempatan untuk menyampaikan bayangan cinta sensual, menggambarkan tubuh telanjang wanita yang cantik, dan akhirnya menghadirkan plastisitas khusus pada gambar tersebut. Di Tintoretto, angsa menjangkau Leda, yang mirip dengan burung anggun ini. Menurut legenda, aksi tersebut terjadi di Sungai Evros, tempat Leda mandi, tetapi artis tersebut memindahkan adegan tersebut ke sebuah kamar di sebuah rumah Venesia yang kaya. Si cantik sedang berbaring di tempat tidur, di belakangnya ada tirai beludru yang menonjolkan putihnya tubuh dan menonjolkan kehalusan dan kelembutannya. Di sebelah kiri adalah seorang pelayan yang tidak tahu angsa jenis apa itu, akan memasukkannya ke dalam sangkar. Aksi sang maid, yang darinya Leda menutup kekasihnya, menambah momen misteri yang hadir dalam gambar tersebut.

Madonna del Popolo
FEDERICO BAROCCI
1575–1579 Kanvas, minyak. 359x252

Asal usul Baroque terlihat jelas dalam lukisan Federico Barocci, yang menciptakan kanvas besar yang ekspresif secara emosional dengan banyak karakter dan komposisi yang kompleks. Seni ini berkembang pesat di Roma kepausan selama era Kontra-Reformasi, ketika Gereja Katolik berusaha memperkuat posisinya dengan segala cara yang mungkin dan menginginkan lukisan yang kuat yang menarik bagi umat beriman.

Barocci menggambarkan Kristus, yang di hadapannya Bunda Allah berlutut dan berdoa kepada Putra untuk umat manusia (oleh karena itu nama lukisan itu: "popolo" dalam bahasa Italia berarti "orang"). Segala macam orang berkerumun di bawah: orang cacat, musisi buta, wanita bangsawan dengan anak-anak, wanita sederhana dengan seorang anak. Tema “tujuh karya belas kasih”, yang menurut ajaran Gereja Katolik, menuntun pada keselamatan, juga mendapat tanggapan dalam gambar tersebut. Oleh karena itu, misalnya, seorang anak laki-laki berpakaian mewah digambarkan di sini, memberikan sedekah kepada orang miskin.

Seluruh gambar penuh dengan gerakan, arsitektur di latar belakang bergeser secara aneh di ruang angkasa, memberi kesan ilusi. Fitur ini juga merupakan karakteristik Mannerisme - arah dari mana Barok juga tumbuh.

Bacchus
Michelangelo Merisi Da Caravaggio
Sekitar 1595–1597. Kanvas, minyak. 95x85

Berdiri di asal-usul Baroque, Caravaggio melukis gambar ini dalam periode hidupnya yang relatif tenang. Oleh karena itu, pilihan tema - Bacchus, dewa anggur dan kesenangan Yunani, yang dalam gambarnya sang master menunjukkan seorang pria muda dengan tampilan lesu, dengan penuh kasih mengulurkan segelas anggur kepada penonton.

Tubuhnya yang kuat dan berotot memancarkan kesehatan, rona merah lembut muncul di pipinya, bibir montok berair, dan warna kanvas meninggalkan perasaan perayaan. Tapi buah di vas di depan Bacchus tidak begitu segar: apelnya busuk, ada lubang cacing di atasnya. Dan daun anggur di karangan bunga sang pahlawan sudah layu. Caravaggio tidak takut untuk menggambarkan kehidupan apa adanya, dia sangat merasakan drama tersembunyinya, yang tercermin dalam seni selanjutnya, yang memengaruhi semua lukisan Eropa. Seniman kembali ke tema dewa kuno yang ceria sekali lagi, tetapi melukis dalam gambarnya sendiri, kelelahan secara fisik dan mental karena penyakit (kanvas "Sick Bacchus", disimpan di Galeri Borghese di Roma).

Pengorbanan Ishak
Michelangelo Merisi Da Caravaggio
1601–1602 Kanvas, minyak. 104x135

Drama yang berkembang dalam karya Caravaggio terwujud sepenuhnya dalam karya yang disajikan, terlebih lagi karena plotnya. Lukisan itu dilukis untuk Kardinal Maffeo Barberini, yang perlindungannya dinikmati sang seniman. Dia menggambarkan momen ketika sesepuh alkitabiah Abraham akan mengorbankan putranya Ishak, seperti yang diperintahkan, untuk memastikan kedalaman imannya, Tuhan.

Dalam waktu singkat, Caravaggio berhasil menahan beberapa tindakan intens yang dilakukan oleh para karakter: sang ayah, memegangi kepala anak laki-laki yang terikat dengan tangannya, mengangkat pisau ke arahnya, anak laki-laki itu berteriak ketakutan, tetapi malaikat yang diutus oleh Tuhan menghentikan Abraham dan mengarahkannya ke domba jantan korban. Gambaran itu begitu meluap dengan emosi bahkan sang malaikat pun terlihat khawatir, dan anak domba dengan tatapan cemas menarik kepalanya, seolah memohon untuk ditempatkan di tempat Ishak. Komposisi yang terungkap secara horizontal meregangkan semua aksi karakter dalam waktu, memaksa mereka dan penonton untuk mengalami drama yang disajikan di sini dengan lebih kuat. Bukan tanpa alasan bahwa lukisan barok, leluhur dan salah satu perwakilan paling cemerlang di antaranya adalah Caravaggio, justru dicirikan oleh ketegangan nafsu.

Tetapi sang seniman tidak hanya menggambarkan pengalaman manusia pada saat tertentu - ia melangkah lebih jauh, memperdalamnya secara psikologis. Jadi, wajah Abraham mencerminkan iman yang kuat dan cinta kebapakan yang berjuang di dalam dirinya. Pemandangan di latar belakang menjelang senja menyempurnakan drama, tetapi kota di atas gunung dan jarak langit yang cerah menekankan hasil yang makmur yang akan datang.

Daud dengan kepala Goliat
Michelangelo Merisi Da Caravaggio
1605. Minyak di atas kanvas. 222x147

Seniman sekolah Bologna, tempat akademisi berkembang, Guido Reni juga dipengaruhi oleh Caravaggio. Ia menerima keyakinan sang master bahwa seni harus sedekat mungkin dengan kenyataan, jadi tidak perlu takut untuk menggambarkan hal-hal yang tidak menyenangkan atau menakutkan sekalipun. Sintesis seni lukis yang penuh gairah, realistis, dan akademis ini diwujudkan dalam lukisan Reni David dengan Kepala Goliat.

Salah satu ciri caravaggisme adalah pencahayaan kontras yang digunakan seniman di sini, tetapi cahayanya tidak sehangat Caravaggio, melainkan dingin. David gembala alkitabiah, yang mengalahkan raksasa itu, berdiri dengan pose anggun, dengan topi berbulu, dan menatap jauh ke kepala musuh, ditulis dengan detail naturalistik. Tradisi penggambaran David sebagai pemuda yang cantik sudah ada dalam seni Italia sejak abad ke-15, contohnya adalah patung Donatello. Tetapi kontras antara pahlawan muda yang berkembang, yang mempersonifikasikan kehidupan itu sendiri, dan kepala raksasa yang terbunuh yang mengerikan, yang menjadi dasar karya Reni, adalah karakteristik dari seni tingkah laku dan akademisisme.

Judith memenggal kepala Holofernes
ARTEMISIA GENTILESCHI
1620. Minyak di atas kanvas. 199x162.5

Putri Orazio Gentileschi, yang terbaik dari mereka yang berasal dari sekolah Caravaggio, Artemisia Gentileschi mewarisi semua ciri tren ini. Mereka muncul dalam gambar yang disajikan.

Untuk kanvas, sang seniman memilih momen ketika wanita Israel Judith, yang merayu komandan Asyur Holofernes, yang pasukannya mengepung kampung halamannya, membunuhnya. Gentileschi menggambarkan adegan berdarah dengan detail yang menakutkan: pelayan itu mencoba menahan Holofernes, putus asa karena ketakutan, dan Judith menjambak rambutnya dan menusukkan bilah pedang ke lehernya.

Lukisan Caravaggio, yang juga menggambarkan Judith dan Holofernes, David dengan kepala Goliath, dibedakan oleh drama yang intens. Pengaruh master ini menjelaskan pose kompleks dalam lukisan Gentileschi, dan cahaya putih terang, seperti kilatan petir, menyambar sosok dari kegelapan. Seperti guru korespondensinya, Gentileschi dengan terampil menggambarkan tubuh manusia, terkadang kuat dan tegang, seperti lengan Judith, terkadang lembut dan hampir lemas, seperti bahu dan kaki Holofernes.

Komposisi yang berkembang di sekitar sumbu yang tak terlihat, emosi yang dipaksakan dari para karakter, teater tertentu yang melekat pada yang digambarkan adalah tanda-tanda seni barok, di mana seniman itu menunjukkan dirinya.

Pemandangan Istana Doge di Venesia
KANAL ANTONIO (CANALETTO)
Sebelum 1755. Cat minyak di atas kanvas. 51х83

Di Venesia abad ke-18, veduta, yaitu gambar pemandangan kota, sangat populer. Tradisi ini berasal dari seni seniman abad ke-15 Gentile Bellini dan Vittore Carpaccio. Tetapi jika bagi mereka baik orang maupun kota itu setara, maka bagi para penguasa pimpinan Venesia, kota menjadi hal yang utama. Salah satu perwakilan terbaik dari genre ini adalah Canaletto. Dia suka menggambar ruang besar, di mana Venesia berada di antara air dan langit, dan sering menggambarkan laguna, Katedral San Marco, Istana Doge. Bangunan-bangunan di gambar ini terpantul di air dan "memandang" ke langit. Jika master pemimpin lainnya, Francesco Guardi, di kanvas semuanya tampak jenuh dengan kelembapan kanal dan laut di dekatnya, maka tiga elemen Canaletto - air, tanah, dan udara - adalah setara. Tanahnya bukanlah jalur yang goyah di tepi perairan, arsitekturnya tampak menampakkan dirinya dengan sungguh-sungguh, dan semuanya disatukan oleh cahaya keemasan yang mengalir dari langit ke tanah yang diberkati di Serenissima - yang "Bersinar", sebagaimana Venesia disebut .

Potret Felicita Sartori (?) dengan kostum Turki
ROSALBA CARRIERA
1730-an. Kertas, pastel. 70x55

Potret yang dilukis Rosalba Carriera memiliki semua ciri lukisan Venesia dengan warna, cahaya, dan udaranya yang halus. Artis adalah salah satu perwakilan dari gaya Rococo, ciri khasnya adalah nada yang ringan, tembus cahaya (untuk Carriera - berkat teknik pastel) dan plot yang menyenangkan. Sebenarnya, semua lukisan Venesia abad XVIII mirip dengan Rokoko dalam strukturnya. Di dalamnya, seperti dalam seni ringan ini, ada banyak karnaval: setelah Venesia berhenti memainkan salah satu peran utama dalam teater politik Eropa, ia sendiri semakin berubah menjadi teater, menjadi kota hantu, di mana topeng mulai terlihat seperti hobi alami. Gadis dalam gambar, mengenakan gaun Turki dan dengan topeng di tangannya, adalah bagian dari karnaval ini.

Bunda mutiara, merah muda, biru adalah beberapa warna favorit para master rococo. Lekukan tubuh model, putaran kepalanya, dan pandangan ke sampingnya juga khas rocaille.

SENI BELANDA, HOLLAND DAN FLANDER

Potret diri
Rembrandt Harmens Van Rijn
Sekitar 1639. Minyak di atas kayu. 62,5x54

Rembrandt adalah seniman dalam lukisan Eropa baru yang berusaha menembus ke dalam jiwa manusia, itulah sebabnya dia begitu banyak melukis potret diri, seolah-olah berbicara sendiri. Di masa mudanya, meski masih bahagia dan bahkan acuh tak acuh, dia suka menampilkan dirinya berpakaian dan sedikit berpose. “Rembrandt suka berdandan dan berdandan seperti aktor sungguhan,” kata penulis dan artis Prancis Eugene Fromentin. - Dia memakai turban, baret beludru, topi flanel, kamisol, jas hujan ... Dia menempelkan perhiasan di rambutnya, memasang rantai emas dengan batu di lehernya. Namun pada saat yang sama, sang seniman berusaha menembus rahasia rahasia manusia, yang juga terbukti dalam "Potret Diri" ini.
Melukis dirinya mekar, sang master berusaha menjaga kemudaan dan kecantikan di atas kanvas, karena itu berlalu. Manusia apa adanya - lemah, bergantung pada waktu namun kuat, sementara ia merasakan detak kehidupan dalam dirinya - inilah tema utama lukisan Rembrandt.

SENI BELANDA, HOLLAND DAN FLANDRIAN:

• Posisi di peti mati. ROGIER VAN DER WEYDEN
• Adorasi Para Gembala (Portinari Altar). HUGO VAN DER GUS
• Santo Benediktus. HANS MEMLING
• Isyarat. MATTHIAS STOMER
• Potret Isabella Brant. PETER PAUL RUBENS
• Potret Marguerite of Lorraine, Duchess of Orleans. ANTONIS VAN DYCK

Posisi di peti mati
ROGIER VAN DER WEYDEN
Sekitar tahun 1450. Minyak di atas kayu. 100x96

Dalam lukisannya, Rogier van der Weyden, seorang seniman Renaisans Belanda awal, mampu menggambarkan suasana hati manusia yang berbeda. Dalam altar yang disajikan, mungkin dibuat selama perjalanan ke Italia, pelukis menyampaikan penderitaan yang mendalam dan pada saat yang sama mengenakannya dengan warna dan garis yang menakjubkan.

Joseph dari Arimatea dan Nikodemus, menyembunyikan keadaan pikiran mereka dengan sekuat tenaga, membawa tubuh Kristus yang kurus dan kurus ke kuburan; Yohanes membungkuk untuk mencium tangan-Nya; Maria Magdalena berlutut dengan cemas, Bunda Allah dengan wajah tersiksa dengan lembut memegang tangan Putranya. Perasaan religius yang kuat yang menggerakkan sikat Rogier van der Weyden menerangi segalanya di sini, dan itulah sebabnya, terlepas dari segalanya, ia memberikan keindahan pada pemandangan yang dramatis. Pose-pose, misalnya, dari John, anggun, gesturnya halus, warnanya murni, dan semangat ditangkap dari lanskap bermandikan sinar matahari di kejauhan.

Sejarawan dan filsuf Prancis Hippolyte Taine menulis tentang seniman Belanda pada masa itu: “Perhatikan warna mereka yang luar biasa kaya dan cerah, nada murni dan kuat ... hingga jubah ungu yang indah, ke ceruk biru yang mengalir panjang jubah, hingga gorden, hijau seperti padang rumput yang ditembus sinar matahari ... menjadi cahaya perkasa yang menghangatkan dan menyepuh seluruh gambar ... "

Adorasi Para Gembala (Portinari Altarpiece)
HUGO VAN DER GUS
Sekitar tahun 1476–1478. Kayu, minyak. 253x588

Master Renaisans Utara, Hugo van der Goes, mampu merefleksikan dalam karya-karyanya dunia di sekitarnya dengan segala detailnya dan pada saat yang sama melihat apa yang digambarkan dari ketinggian yang melekat pada Renaisans. Seniman itu memiliki minat yang tulus pada dunia batin orang-orang yang dilukisnya, dan kualitas yang digambarkan bersifat Renaisans. Semua ini terwujud sepenuhnya dalam triptych yang disajikan.

Altar didedikasikan untuk pemujaan para gembala kepada Anak Kristus, di sayap samping digambarkan para donor - Tommaso Portinari, istrinya Maria Baroncelli, anak-anak dan orang suci mereka, dan di belakang sayap adalah Kabar Sukacita. Tommaso Portinari dari Italia, yang mengepalai kantor bank Medici di kota Bruges, Belgia, memesan altar ini untuk gereja Sant'Egidio di Florence.

Bagian utama altar adalah ruang yang sangat luas, di tengahnya terdapat Anak Kristus, yang terlihat sangat kecil dibandingkan dengan sosok Bunda Allah, Yusuf dan para gembala. Master Italia dalam hal ini akan menggambar anak yang montok dan besar untuk menekankan asal usulnya yang tidak biasa, tetapi seniman Belanda itu setia pada realitas kehidupan, oleh karena itu, dalam gambar altar Van der Goes, bayi yang baru lahir itu kecil, dia memiliki tampilan kabur seperti orang yang baru lahir dan gerakan lengan dan kaki yang lemah. Setelah menggambarkan Tuhan, yang datang ke dunia dalam bentuk seorang anak kecil yang menyentuh, sang seniman menetapkan suasana khusus untuk karya tersebut - kelembutan.

Dia mengungkapkan perasaan ini secara halus, karena tidak ada seorang pun di sini yang disentuh secara terbuka: Bunda Allah tenggelam dalam kontemplasi Putra, para malaikat mulai berdoa secara mendetail, di wajah karakter lain ada perhatian dan keseriusan yang dalam. Tapi omong-omong, rambut Joseph disisir, yang tidak sempat dihaluskan karena kegembiraan, dengan tangannya yang rajin terlipat dalam doa, dengan dorongan para gembala membungkuk di depan Bayi, orang merasakan kejutan yang menyenangkan, yang diganti oleh emosi dalam jiwa semua orang ini. Dan hanya satu dari gembala dengan wajah orang biasa yang kasar, yang tidak punya waktu untuk berlutut dan melipat tangannya dalam doa, melihat apa yang terjadi, benar-benar membuka mulutnya dengan takjub. Seniman memperhatikan semua detail ini, karena mereka menciptakan suasana gambar, seperti bunga dalam vas di latar depan, sebagian runtuh, dan jubah bersulam malaikat di sebelah kanan, dan pemandangan indah yang dipenuhi cahaya di latar belakang.

Ketika pada tahun 1483 altar dibawa menyeberangi laut ke Florence, hal itu membuat takjub orang-orang yang melihatnya dan memiliki pengaruh yang besar pada lukisan Italia.

Santo Benediktus
HANS MEMLING
1487. Minyak pada kayu. 45,5x34,5

Karya siswa Rogier van der Weyden, Hans Memling, termasuk periode baru dalam lukisan Belanda abad ke-15, yang sudah berada di bawah pengaruh Italia yang cukup besar, seperti yang terlihat dari potret yang disajikan.

Santo Benediktus adalah nenek moyang monastisisme Barat dan penulis piagam yang menjadi dasar komunitasnya. Memling menggambarkan Benediktus dengan jubah biara hitam, dengan tongkat, membaca Alkitab dengan cermat. Orang suci itu tampaknya membisikkan kata-kata ilahi. Seniman menyampaikan dengan kedok pertapa dan pertapa ini ekspresi yang muncul di wajah seseorang yang tenggelam dalam membaca dan mengagumi apa yang tertulis. Lukisan hitam putih lembut wajah dan tangan St. Benediktus semakin membuat Anda merasakan citranya, kesunyian dan konsentrasi yang digaungkan oleh pemandangan malam di luar jendela.

Isyarat
MATTHIAS STOMER
1633–1637/1638 (?). Kanvas, minyak. 113x166

Mattias Stomer adalah salah satu dari mereka yang disebut "caravagists", yaitu pengikut seniman Italia Michelangelo Merisi da Caravaggio, yang lukisannya dapat dilihat oleh orang Belanda itu selama dia tinggal di Naples. Dari dia, Stomer mengadopsi, antara lain, ciri-ciri chiaroscuro, yang dia gunakan dalam gambar ini.

Perawan Maria dan Malaikat Jibril yang menampakkan diri kepada-Nya diterangi oleh nyala lilin yang berdiri di atas meja, merenggut sosok mereka dari senja ruangan. Fluktuasi cahaya mengintensifkan ketegangan seluruh adegan, yang terbaca dalam ekspresi wajah Maria dan gesturnya. Segala sesuatu yang digambarkan oleh Stomer terlihat ajaib dalam cahaya ini. Tetapi sang seniman, yang menggunakan metode pencahayaan ini, tidak hanya menciptakan suasana hati, tetapi juga menyelesaikan masalah gambar murni. Tangan dan wajah para tokoh memperoleh kehangatan, dan tampaknya melalui kulit transparan orang dapat melihat denyut darah. Penonton merasa dirinya berdiri sangat dekat dengan meja ini, yaitu saksi dari apa yang terjadi. Efek ini dicapai dalam lukisan oleh Caravaggio sendiri, dan setiap orang yang berada di bawah pengaruhnya.

Potret Isabella Brant
PETER PAUL RUBENS
Sekitar 1625–1626. Kanvas, minyak. 86x62

Seorang seniman yang menciptakan banyak kanvas di mana banyak daging berkuasa, Rubens pada saat yang sama adalah pelukis potret terbaik. Dia menulis sebagian besar kerabat dan beberapa kali, seperti, misalnya, istri pertamanya Isabella Brant. Potret ini dibuat oleh Rubens sesaat sebelum kematiannya. Setelah kematian istrinya, dia berbicara tentang dia seperti ini di salah satu suratnya: “Sungguh, saya kehilangan seorang teman yang sangat baik ... dia tidak kasar atau lemah, tetapi begitu baik dan jujur, begitu berbudi luhur sehingga semua orang mencintainya. hidup dan meratapi yang mati.”

Tapi saat pacar setia artis itu masih hidup, dia menangkapnya yang muda dan menarik, dengan mata yang lincah, cerdas, dan senyum lembut. Dari Isabella, cahaya tak terlihat tampak memancar. Rubens tidak memisahkan yang duniawi dan yang spiritual dalam diri manusia: roh berhembus melalui materi. Oleh karena itu, sang master berusaha dengan segala cara yang mungkin untuk menekankan kecantikan tubuh kekasihnya, misalnya, dia menaungi kulit putih halusnya, seperti yang sering dia lakukan, dengan mantel bulu berwarna gelap. Latar belakang merah menggemakan rona merah di pipi, dan kalung serta renda menciptakan sesuatu seperti pengaturan yang berharga bagi istri yang sangat disayangi oleh hati sang seniman.

Potret Marguerite of Lorraine, Duchess of Orleans
ANTONIS VAN DYCK
1634. Minyak di atas kanvas. 204x117

Anthony van Dyck memerankan banyak orang dari keluarga kerajaan, tetapi, menangkap mereka dalam pose-pose khidmat, dia berusaha menyampaikan dunia batin dari orang-orang yang digambarkan.

Ciri format memanjang vertikal dari banyak lukisan karya seniman ini menekankan keagungan sekaligus kecanggihan wanita yang digambarkan. Putih, seperti porselen, kulit Margarita dinaungi oleh gaun gelap, dan kepala, leher, dan tangannya yang berbentuk indah dengan jari-jari panjang yang memilah-milah kain beludru terlihat semakin anggun karena kemegahan pakaiannya.

Kanvas dirancang dalam beberapa warna - putih, hitam, coklat muda, daging, pewarnaan yang bijaksana ini dimeriahkan oleh gorden merah yang disingkirkan dan sedikit membuka lanskap yang tersebar di kejauhan di sebelah kiri. Mawar di tangan seorang gadis dapat melambangkan cinta atau menekankan kemudaan dan daya tariknya, yang terutama terlihat bahkan dalam potret formal.

HANS HOLBEIN JUNIOR

Potret yang dibuat oleh Hans Holbein dibedakan oleh psikologi yang hebat dan, pada saat yang sama, oleh ukuran generalisasi yang mengangkat kehidupan sehari-hari yang digambarkan di atas.

Sir Richard Southwell terwakili dalam lukisan ini, dilukis pada saat Holbein menjadi pelukis istana Henry VIII. Dia bertugas di pengadilan, adalah anggota parlemen dan seorang militer yang berpartisipasi dalam beberapa kampanye. Latar belakang netral dan skema warna yang hampir monokrom dari karya tersebut memungkinkan pemirsa untuk fokus pada wajah orang yang digambarkan. Artis secara akurat menyampaikan semua detail penampilan Southwell, serta karakternya yang tenang dan percaya diri, yang terjadi pada orang-orang yang telah melihat banyak hal dalam hidup. Tetapi karakter gambar itu, tidak peduli seberapa dekat dengan penontonnya, terisolasi darinya: dia melihat ke kejauhan dengan intens, memikirkan tentang dirinya sendiri.

Kemampuan untuk membuka jiwa seseorang dan pada saat yang sama sedikit mengangkatnya membedakan Holbein sebagai salah satu master Renaisans.

Pemujaan orang Majus
ALBRECHT DURER
1504. Minyak pada kayu. 99x113.5

Artis Renaisans Jerman Albrecht Dürer ditugaskan oleh Elektor Frederick the Wise of Saxony untuk kapel kastilnya di Wittenberg. Dürer baru saja kembali dari perjalanan pertamanya ke Italia, sehingga ciri-ciri lukisan Eropa utara - penggambaran detail yang mendetail, warna-warna cerah dan bersinar - hidup berdampingan di sini dengan pengaruh lukisan Italia, yang diekspresikan dalam konstruksi perspektif komposisi. Selain itu, gambar tersebut memperlihatkan reruntuhan bangunan kuno, menciptakan tata ruang yang rumit, yang lagi-lagi menjadi ciri khas lukisan Italia.

Adoration of the Magi mengingatkan pada lukisan Leonardo da Vinci yang belum selesai tentang subjek serupa, juga disimpan di Uffizi. Tetapi orang Venesia memiliki pengaruh langsung pada Durer - Andrea Mantegna dengan hasratnya akan banyaknya batu dalam lukisan dan Giovanni Bellini dengan lukisannya yang terang dan jernih. Namun, karakter Durer ditulis dengan tingkat psikologi yang menjadi ciri khas dirinya.

Seniman itu memperkenalkan momen-momen menyentuh ke dalam adegan pemujaan: Bayi Kristus membuka peti mati, di mana emas yang dibawa kepadanya oleh salah satu orang Majus berada, dengan rasa ingin tahu yang membuat semua anak tertarik pada hal yang tidak diketahui, dan Magus tua memandangi anak ini dengan tatapan serius dan terinspirasi, sedikit memiringkan kepalanya ke satu sisi. . Seperti banyak seniman Renaisans Utara, Dürer tidak menyimpang dari detail bahwa orang Majus datang kepada Kristus dari berbagai belahan dunia, yang berarti mungkin ada orang kulit hitam di antara mereka.

Terlepas dari banyaknya detail, lukisan itu penuh dengan semangat luhur, lembut dan pada saat yang sama suasana hati yang khusyuk, yang menjadi ciri khas lukisan master Jerman ini.

Kemartiran Santo Florian
ALBRECHT ALTDORFER
Sekitar tahun 1520. Minyak di atas kayu. 76x67

Karya seniman Renaisans Jerman dan kepala sekolah Danubian, Albrecht Altdorfer, adalah bagian dari siklus lukisan besar, sekarang tersebar di berbagai museum dan mewakili pemandangan dari kehidupan St. Florian.

Tradisi suci mengatakan bahwa prajurit Romawi ini, yang hidup pada abad ke-3 hingga ke-4, diam-diam menjadi Kristen dan mencoba menyelamatkan orang Kristen dari eksekusi di tanah Austria Atas, di mana dia dijatuhi hukuman mati. Mereka mengikatkan batu di lehernya dan melemparkannya ke sungai. Altdorfer menggambarkan Florian sedang berlutut di jembatan dengan batu kilangan besar diikatkan di lehernya. Penyiksa dan hanya penonton berkerumun. Sang seniman menyajikan seluruh pemandangan seperti yang terlihat dari bawah, itulah sebabnya pemandangan yang menakjubkan terbuka di bentangan jembatan: air sungai transparan, membentuk pusaran di sekitar penyangga, pegunungan biru di kejauhan tenggelam dalam kabut cerah, dan sebuah kastil dapat dilihat di bagian atas. Dunia dalam lukisan Altdorfer terlihat sangat indah, bahkan saat dia menggambarkan kemartiran. Mengangkat seluruh adegan secara komposisi, pelukis dengan demikian mengungkapkan kehebatan prestasi yang dicapai oleh Florian, dan dunia yang bersinar di sekelilingnya menekankan keindahan spiritual orang suci itu.

Potret diri
HANS HOLBEIN JUNIOR
1542. Pastel di atas kertas. 32x26

Sebuah potret diri kecil dari sang seniman dibuat dengan sedikit sarana yang semakin sering digunakan Hans Holbein selama bertahun-tahun. Biasanya dalam potretnya, model digambarkan dengan latar belakang netral, tetapi dalam hal ini berwarna keemasan, yang mengingatkan pada seni abad pertengahan, di mana latar belakang seperti itu melambangkan surga. Teknik ini menerjemahkan seluruh gambar menjadi semacam rencana luhur.

Holbein dengan hati-hati menyampaikan detail penampilannya sendiri: wajah lebar, mata agak menyipit, janggut berbulu pendek, dan fitur lainnya. Konsentrasi, minat yang tulus terlihat dalam tatapannya, dan pada saat yang sama, ini adalah tatapan seseorang yang melihat segala sesuatu di sekitarnya dari sudut pandang yang luas. Beginilah cara seniman memandang dunia - baik dari dekat maupun merangkulnya sebagai panorama yang sangat besar.

Potret Martin Luther dan Philip Melanchthon
Lucas Cranach yang Lebih Tua
1543. Minyak pada kayu. 16x21

Pelukis dan seniman grafis Renaisans Jerman Cranach bekerja selama bertahun-tahun, hingga akhir hidupnya, di istana pemilih Saxon, Frederick the Wise. Di Wittenberg, kota yang berkat upaya penguasanya menjadi salah satu pusat humanisme Eropa, sang seniman berteman dengan pendiri Protestantisme Jerman dan tokoh Reformasi terkemuka, Martin Luther, dan teolog rekannya Philip. Melanchthon.

Sang master melukis kedua potret temannya dengan gaya yang sama: dia menempatkan sosok berjubah gelap dengan latar belakang netral dan menyoroti wajah orang yang digambarkan. Luther, berkonsentrasi dan bertekad, melihat ke kejauhan, Melanchthon memperdalam dirinya. Sang seniman juga menyampaikan ciri-ciri fisiognomi masing-masing: yang satu montok, dengan garis pipi dan leher yang lembut serta dagu yang keras kepala, yang kedua kurus, dengan ciri yang tajam. Cranach menekankan pada keduanya, pertama-tama, awal manusia, individu, yang sangat penting bagi para master Renaisans Utara. Berkat komitmen artis terhadap realisme, penonton dapat dengan jelas membayangkan seperti apa orang-orang yang membuat sejarah ini.
Potret Countess de Chinchon.
FRANCISCO GOYA

Format lukisan yang memanjang dan kegelapan yang menebal sebagai latar belakang memberikan kerapuhan khusus pada sosok countess, yang ditekankan oleh gaun terang dan lapang berwarna abu-abu muda dengan garis-garis merah muda dan tatanan rambut di mana angin tampak mengintai. . Dalam kedok seorang gadis, bahkan jika itu adalah keluarga kerajaan, seseorang merasakan kesedihan, tembus pandang baik di mata cokelatnya yang hidup maupun di tangannya yang terlipat, yang seolah-olah sengaja diremas oleh Maria Theresa. Countess kemudian mengalami bukan waktu terbaik dalam hidupnya: suaminya, Perdana Menteri yang maha kuasa dari pemerintah Spanyol, Don Manuel Godoy, memiliki karakter yang angkuh, selain itu, pria ini adalah kekasih ratu. Goya telah melukis sang countess, dan sekarang, mengenal wanita muda ini dengan baik dan memperlakukannya dengan simpati, dia memperhatikan kesedihannya yang sangat tersembunyi. Potret tersebut, yang disusun sebagai pintu depan, menunjukkan kepada penontonnya orang yang lincah dan menawan.
EL GRECO (DOMENIKOS THEOTOKOPULOS)
Sekitar 1600. Cat minyak di atas kanvas. 110x86

Lukisan El Greco kadang-kadang dikaitkan dengan Mannerisme, kadang-kadang dengan Baroque, sebenarnya bukan aliran mana pun. Orisinalitas cara seniman ini terungkap dalam gambar yang disajikan.

El Greco menggambarkan di atasnya Santo Yohanes Penginjil berbicara dengan Santo Fransiskus. Di kaki Yohanes ditempatkan simbolnya - seekor elang, dan di tangannya rasul memegang mangkuk tempat seekor naga merangkak keluar. Guru di sini mengenang kisah tentang bagaimana seorang murid Kristus, yang mengkhotbahkan firman-Nya, ditangkap dan dikirim ke Roma, di mana dia diberi secangkir racun. Setelah meminumnya, John tetap tidak terluka. Dalam gambar, mangkuk di tangan melambangkan gereja, dan naga, yang seiring waktu menggantikan ular dalam ikonografi ini, adalah kejahatan yang ditaklukkan oleh iman. Contoh dari iman semacam itu adalah Santo Fransiskus.

Sosok karakter memanjang khas lukisan El Greco menyerupai nyala api di atas lilin. Bumi, yang terbentang di kaki orang-orang kudus, menekankan skala gambar mereka, dan latar belakangnya adalah langit biru dengan awan tebal, di mana Yohanes dan Fransiskus dapat naik ke surga.

Potret Marie-Therese de Bourbon y Vallabriga dengan menunggang kuda
FRANCISCO GOYA
1783. Minyak di atas kanvas. 82х61

Salah satu seniman Spanyol paling misterius, Francisco Goya banyak bekerja di istana kerajaan, di mana dia juga melukis potret Maria Teresa de Bourbon y Vallabriga, calon Countess de Chinchon, yang menggambarkannya sedang menunggang kuda dan dengan latar belakang lanskap pegunungan. . Awan gelap melintasi langit, bayangan darinya melintasi bumi, dan alam diliputi oleh keadaan mengkhawatirkan yang terjadi pada malam badai. Tetapi wanita muda itu berusaha untuk dikumpulkan dan kokoh di pelana. Dia digambarkan dalam profil, yang memberikan ketajaman tertentu pada penampilannya.

Namun, sosok gadis itu dilukis dengan guratan ringan, renda di dadanya berbusa dan beludru gaunnya berkilau. Wajah Maria Theresa tersipu oleh rona merah, dia semua terlihat lembut dan penuh hormat, dikelilingi oleh alam yang keras dengan pemandangan berbatu dan pegunungan berbatu. Goya, yang memiliki ketertarikan yang tulus pada orang-orang, bahkan dalam gambar sketsa ini berhasil mengungkapkan kerapuhan dan pada saat yang sama kekuatan seseorang, yang menimbulkan perasaan yang sangat hangat.

Lahir di Swiss, Jean-Étienne Lyotard belajar melukis di Prancis, kemudian melakukan perjalanan dan kembali ke Paris. Di sana ia memperoleh seorang pelindung dalam diri Madame de Pompadour, yang mengatur nada dalam masyarakat kelas atas Prancis. Sejak itu, sang seniman telah melukis banyak keindahan keluarga kerajaan dan para wanita yang bersinar di istana. Salah satu potret ini mewakili Marie Adelaide dari Prancis, putri Raja Louis XV.

Lyotard menggambarkan makhluk muda menawan yang duduk di sofa dengan sebuah buku di tangannya dan mengenakan kostum Turki. Setelah beberapa tahun dihabiskan di Konstantinopel, sang seniman menyukai pakaian oriental dan mengenakannya sendiri. Menggambar Marie Adelaide, pelukis itu menyampaikan kulit putri yang tipis dan lembut serta kain kostumnya yang tipis. Cahaya dari jendela jatuh sedemikian rupa sehingga wajah gadis itu tetap berada dalam bayang-bayang, dan pipinya, telinga kecil dengan anting-anting dan leher yang menjuntai diterangi, yang membuat gambarnya semakin lembut dan menyentuh. Kelembutan bantal sofa meningkatkan suasana kebahagiaan yang dituangkan dalam gambar ini, tetapi pada saat yang sama, Lyotard memperkenalkan beberapa "kontradiksi" ke dalam karyanya: Marie Adelaide, berpakaian seperti pesta topeng, duduk di sofa, tenggelam dalam membaca , yang tidak cukup sesuai dengan aroma sensualitas yang tumpah di sekelilingnya. Tandingan ini menciptakan sedikit ketegangan pada gambar, yang merupakan ciri khas seni Rokoko.
Gadis dengan kok
JEAN-BAPTISTE SIMEON CHARDIN
Sekitar 1737. Cat minyak di atas kanvas. 82x66

Puisi kehidupan sehari-hari, satu-satunya momennya - itulah yang mendasari lukisan Jean-Baptiste Chardin. Dia adalah penganut genre sehari-hari, diangkat ke ketinggian filosofis. Seniman memilih plot sederhana dan memaksa penonton untuk melihat lukisannya untuk waktu yang lama, seolah-olah pada "Gadis dengan shuttlecock" ini, di mana sepertinya tidak ada yang terjadi, hanya makhluk yang lembut, kemerahan dan berhidung pesek, membeku dengan shuttlecock dan raket di tangannya. Di wajah pahlawan wanita ada ekspresi bingung dan sedih, seolah-olah tidak ada yang mau bermitra dengannya atau dia tidak terlalu sukses dalam permainan. Kesannya adalah Anda bisa melihat bagaimana bibirnya bergetar dan matanya berlinang air mata. Pengalaman hampir seorang anak bergema di penonton, yang melihat keindahan dan kompleksitas kehidupan dalam genre ini, diekspresikan dalam hal-hal kecil.

Mengenai gambar ini dan gambar lainnya - “Anak Laki-Laki dengan Kunci Kartu”, juga terletak di museum, - rekan senegaranya, penulis Prancis Stendhal, menjawab seperti ini: “Saya berdiri dan melihat mereka dalam keadaan bahagia yang bisa hanya menjadi...”

RUMAH PENERBITAN "DIRECT-MEDIA":

Direktur Jenderal: K. Kostyuk
Pemimpin redaksi: A. Baraghamyan
Editor seni: M. Gordeeva
Penulis teks: I. Kravchenko
Editor: S.Suvorova
Korektor: G. Barysheva
Desain: P. Kallinikov
Alamat penerbit: 117342, Moskow,
st. Obrucheva, d.34/63, gedung 1
[email dilindungi]
www.directmedia.ru