Uffizi galerii Firenzes. Muuseumi aadress ja kirjeldus. Uffizi galerii Firenzes (Galleria degli Uffizi) Uffizi palee Firenzes

"Toscana lill" kutsuti iidsetel aegadel Firenzeks. Isegi teiste Itaalia linnade seas, mis on rikas ajaloo- ja kunstimälestiste poolest, peetakse seda õitsvat linna õigustatult kunsti aardekaks. Seda kaunistavad Giotto, Michelangelo, Brunelleschi, Cellini ja paljude teiste suurepäraste arhitektide, skulptorite ja maalikunstnike surematu looming.

Iidsed Firenze paleed, kuulsate kunstnike freskodega kirikud, tõeliselt hindamatute aaretega muuseumid on ammu meelitanud kunstigurmaane üle kogu maailma. Itaallaste endi jaoks on Firenze renessansi sümbol. Mitu aastakümmet tagasi oli Firenze ajalooline keskus autodele suletud. Tänavad taastati oma algsesse võlu, oli lihtsam ette kujutada, kuidas Leonardo da Vinci ja Michelangelo just nendest majadest möödusid, alistamatu dominikaani munk Savanarola kõndis fanaatiliste austajate hulgas ... Kahjuks hävitas halastamatu aeg Duomo kivi. Väljakul, millel ta üksi armastas, istus suurepärane Dante. Kuid iga firenzelane võib teile seda kohta näidata...

Juba antiikajal pidasid paljud Firenzet kõigist linnadest täiuslikumaks. Näiteks Leonardo Bruni kirjutas linnale kiitva sõnaga: „Selles pole midagi korratust, ei midagi sobimatut, ei midagi ebamõistlikku, mitte midagi ebamõistlikku; kõigel on oma koht ja mitte ainult rangelt määratletud, vaid ka asjakohane ja vajalik. Firenzelased ülistasid oma linna mitte ainult sõnadega, mitte ainult kiitvate sõnumite kirjutamisega. Nad muutsid selle hooneid, väljakuid ja tänavaid ning tähistasid pühi enneolematu luksusega. XIV sajandi keskpaigaks tõusid Firenze linnaelu pinnale paljud ammendamatu energia ja ärivaistuga pered (Strozzi, Alberti jt). Nende hulgas paistis silma perekond Medici, kes vanasti olid ravitsejad (seda tähendab nende perekonnanimi). Kuid 15. sajandi keskpaigaks oli Medici pangamajast saanud Firenze üks rikkamaid ja mõjukamaid. Firenzes asuv UVFICI on üks Itaalia esinduslikumaid kunstigaleriisid. Asub 1560-1585 riigiametite jaoks ehitatud hoones. arhitektid G. Vasari ja B. Buontalenti. Asutatud 1575. aastal Medici perekonna kogude põhjal. Galeriis on maailma rikkalikum Itaalia XIII-XVIII sajandi kollektsioon. (Duccio, Giotto, P. Uccello, Piero della Francesca, S. Botticelli, Leonardo da Vinci, Raphaeli, Tiziani jt tööd) ja Euroopa maalikunsti, antiikkunsti teosed, ainulaadne valik Euroopa kunstnike autoportreesid. Uffizi galerii (it. Galleria degli Uffizi) on Itaalias Firenzes asuv palee või, nagu seda ka nimetatakse, palazzo, kus asub üks maailma vanimaid ja kuulsamaid muuseume. Uffizi galerii asub Firenze südames. Põhjas piirneb hoone Palazzo Vecchio ja Piazza della Signoriaga, samas kui selle lõunakülg on vaatega Ario jõe ja Poite Vecchio kaldapealsele.
Uffizi ajalugu algab juulis 1559, mil Firenze valitseja Cosimo I Medici kavatseb koondada kõik linna haldusteenused ühisesse avarasse paleesse. Projekti elluviimiseks kutsuti meister Giorgio Vasari, kes alustas tööd 1560. aastal. Vasari suri aga 1574. aastal ja tema järeltulija Bernardo Buontalenti viis ehituse lõpule. Alates 1575. aastast algas muuseumi moodustamine Uffizi hoones - selle aluseks oli Medici perekonna kollektsioon

"Bia Medici portree

Cosimo I tütar", 1542 Uffizi galerii, Firenze

Soomuses Cosimo I Medici portree, 1545

Cosimo Medici läks ajalukku Vanema nime all ja kuigi ta ise polnud kuigi haritud, oli ta hariduse ja kunsti sõber. Selle Firenze kroonimata valitseja portree, mille on maalinud kunstnik Pontormo, ripub kuulsas Uffizi galeriis. Cosimo de' Medicit on kujutatud rahulikus poosis. Ta istub tugitoolis, käed rüpes ja veidi kummardunud pea vaataja poole pööratud. Medici perepeas pole midagi tseremoniaalset ega teatraalset: tal on seljas tavaline punane rüü, millel on tühi krae ja ruumikad varrukad. Portreel on kujutatud kõhna ja keskealine mees, kelle intelligentsel ja energilisel näol on näha kurbust ning kelle sõrmed on tugevalt kokku surutud. Näib, et ta on täis mõtteid ja muresid ning tema elu on rahulikkusest ja õndsusest kaugel. Uffizi galerii vili koostati 15. sajandil just selle mehe – Cosimo de Medici vanema – käe all, keda kutsuti ka "isamaa isaks". Ta oli esimene Medicitest, kes hakkas oma rahaga sihikindlalt koguma maale ja skulptuure, et kaunistada nii enda paleed kui ka linna. Tema järeltulijad järgisid hiljem tema eeskuju, rikastades kollektsiooni. Galerii aluse pani Franciscus I, kes sai paavst Pius V-lt 26 iidset kuju, mida paavst tunnistas Vatikani jaoks ebasündsateks. Algul olid kõik kollektsioonid Medici perekonna lossis – Palazzo Riccardis, kuid tormiliste ajaloosündmuste ajastul surid paljud kogutud aarded või sattusid valedesse kätesse. Arhitektina kutsus Cosimo Giorgio Vasari, võimaldades tal lammutada Piazza della Signoria lähedal asuvad vanad kvartalid ja kasutada ehituses hävinud kivihoonete fragmente. Tööd tehti kiirustades, kuid valmis hoonet ei näinud ei Cosimo ega Vasari. Ehitus lõpetati 1580. aastal; Uffizi hoone oli pika U-kujulise kujuga, jättes jõele kitsa fassaadi. See ei olnud täiesti originaalne, kuna see sisaldas mitmeid varaseid hooneid. Nende hulka kuuluvad San Pietro Sceragio kirik ja rahapaja, mis vermisid 1252. aastal esimesed kuldfloriinid. Kujundustööd Uffizis teostasid tuntud kunstnikud (sh Allori, Bizzelli ja Pieroni). Loggia dei Lanzi kohale rajati rippuv aed ja teisele korrusele rajati teater. Palee ehitamist alustas 1560. aastal arhitekt Giorgio Vasari Cosimo I de Medici jaoks Firenze magistraadi kohtumispaigana, sellest ka nimi - ufizzi, mis tähendab kontorit. Ehitus lõpetati 1581. aastal. Vasari, muide, polnud mitte ainult arhitekt, vaid ka kunstnik, mistõttu rõhutas ta koridori pikkuse perspektiivi, kaunistades fassaadi pikkade katusekarniisidega. Aastate möödudes sai paleest lemmikpaik Medici perekonna kogutud või tagasiostetud maalide ja skulptuuride demonstreerimiseks. Pärast Medici maja allakäiku jäid Firenzesse kunstipärlid, mis moodustasid ühe esimesi kaasaegseid muuseume. Galerii on olnud avalikkusele avatud alates kuueteistkümnendast sajandist, kuid ametlikult avati see avalikkusele alles 1765. aastal, kuna Medici perekonna viimane esindaja andis selle täielikult Firenze elanikele. Muuseumi kogu aluseks on Medici perekonna liikmete tellitud või soetatud kunstiteosed. Nii näiteks ostis Ferdinando I omal ajal Medici Veenuse, Uffizi galeriis saadaoleva skulptuurikogu kuulsaima kuju. Siia kolis ta ka kõik oma Rooma villast pärit aarded. Ferdinand II lisas kollektsiooni päranduseks saadud maalikogu. Muuseumi loomisele aitas kaasa ka kardinal Leopoldo suurejoonelise erinevate kunstnike joonistuste ja autoportreede kollektsiooniga. 1737. aastal, pärast viimase Medici surma, läksid kõik need aarded Firenze linna omandisse.
18. sajandil sai Uffizi galeriist avalik muuseum. 1730. aastatel koostas rühm teadlasi siin talletatud kunstiteostest üksikasjaliku (kümneköitelise) inventari. 1769. aastal sai muuseum oma esimese direktori. Uus administratsioon tegi jõulisi jõupingutusi, püüdes kokku korjata erinevates villades laiali paisatud Medici dünastiale kuulunud meistriteoseid. 1807. aastal galeriid külastanud kirjanik Madame de Stael märkis: „Suhtumine kaunitesse kunstidesse on Firenzes väga demokraatlik. Üldiselt andis iga Medici perekonna liige Uffizi galeriisse tohutu panuse. Eelkõige võttis Leopold käsile autoportreede kogu – tema peamiseks tarnijaks oli Püha Luuka akadeemia, kust ta omandas palju maale. Medicite perekonna tarkus seisnes kunsti õiglases hindamises: nad ei omandanud mitte ainult vanade meistrite maale, vaid andsid suure mõju ka oma kaasaegsetele. On teada, et kloostrid, kus olid väärilised kogud, andsid ise hertsogidele teada meistriteoste olemasolust ja müüsid need valmis. Medici patroneeris ka paljusid kunstnikke. Uffizi galerii tohutu esemete kogu oli põhjuseks, miks suuremahulised teosed, näiteks kujud, viidi üle teistesse Firenze muuseumidesse (Bargello jt). Muuseumi 2006. aasta laienemise raames avati täiendavad ruumid ning ekspositsioonipind suurenes 6 tuhandelt ruutmeetrilt 13-le, võimaldades külastajatel oma silmaga näha seda, mis varem oli vaid võlvides.
18. sajandil sai Uffizi galeriist avalik muuseum. 1730. aastatel koostas rühm teadlasi siin talletatud kunstiteostest üksikasjaliku (kümneköitelise) inventari. 1769. aastal sai muuseum oma esimese direktori. Uus administratsioon tegi energilisi jõupingutusi, püüdes kokku koguda Medici dünastia meistriteoseid, mis olid hajutatud erinevatesse villadesse Giotto, Botticelli, Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo (just Uffizis asub kuulus Püha Perekonna kujutisega tondo). on salvestatud - ainuke suurem maalikunst, mis on meeletu skulptori juures väljaspool Sixtuse kabelit ), Caravaggio, Tizian ... Rääkimata antiikaja kunsti suurepärastest näidetest, aga ka prantsuse teostest (parimad teosed!), Saksa hollandi, flaami kunstnikud ... Parimad kunstnikud, parimad tööd.
1993. aastal plahvatas Via dei Georgofilil pomm, mis kahjustas osa paleest ja tõi kaasa ka viie inimese surma. Suurima kahju sai Niobe saal, mille neoklassitsistlik dekoor ja klassikalised skulptuurid taastati ning enamik freskodest kuulub restaureerimisele. Selle vandalismiakti põhjus on jäänud ebaselgeks, selle põhjuseks on Itaalia maffia tegevus.

Brunswicki monogrammist

Esimesel korrusel on vanade ja kaasaegsete meistrite enda maalitud portreed. Selle hinnalise kollektsiooni aluse pani kardinal Leopold Medici, kes ostis Rooma Püha Luuka Akadeemias üles enamiku portreedest ning omandas seejärel oma aja iidsete meistrite ja kunstnike portreesid. Nii moodustus imeline Michelangelo, Leonardo da Vinci, Raphaeli, Giulio Romano, Veronese, Tintoretto, Tiziani ja teiste maalimeistrite portreekogu. Väliskunstnikest on siin esindatud Albrecht Durer, Rubens, Rembrandt, Van Dyck, Velasquez jt maalikunstnikud. Uffizi galeriis on nende portreede kõrval ka Karl Bryullovi “Autoportree”. Juba enne Peterburi lõi tema maal “Pompei viimane päev” suure plahvatuse Itaalias, kus ajalooline maalikunstnik Kommuchi ja inglise kirjanik Walter Scott selle peale hulluks läksid ning kus Bryullovile endale kuninglikud autasud jagati. Päris galeriisse pääsemiseks tuleb ronida mööda laia, kuid üsna järsust trepist ülemisele korrusele. Pikka saalirea on paigutatud maailmakuulsad maalide, kujude, pronkside, kameede, müntide, medalite, joonistuste ja graafikate kogud erinevatest sajanditest. Kogu muuseumi kolmest küljest haarava tohutu koridori esimeses osas on rida ülimalt uudishimulikke maale.

Maria Teresa Valabridge

Siin on keskaja imiteeriva ikoonimaali teosed ja hulk süngeid pühalikke madonnasid kuldsel taustal, punastes ja sinistes riietes ja suurte silmadega ... Samas koridoris on rikkalikult esindatud 15. sajand – nii parimad meistrid ja teisejärgulised kunstnikud. Koridori keskel on õrnalt avanev uks, mis on polsterdatud riide ja nahaga. See viib kuulsa Tribuna juurde, mis on muuseumi keskne osa. See mitte väga suur ruum on ülevalt valgustatud ja sisaldab galerii kõige hinnalisemaid skulptuure ning maale erinevatest riikidest, koolidest ja aegadest.

1508. Rüütel ja ordumees Esimesel korrusel on vanade ja tänapäevaste meistrite enda maalitud portreed. Selle hinnalise kollektsiooni aluse pani kardinal Leopold Medici, kes ostis Rooma Püha Luuka Akadeemias üles enamiku portreedest ning omandas seejärel oma aja iidsete meistrite ja kunstnike portreesid. Nii moodustus imeline Michelangelo, Leonardo da Vinci, Raphaeli, Giulio Romano, Veronese, Tintoretto, Tiziani ja teiste maalimeistrite portreekogu. Väliskunstnikest on siin esindatud Albrecht Durer, Rubens, Rembrandt, Van Dyck, Velasquez jt maalikunstnikud.
Uffizi galeriis on nende portreede kõrval ka Karl Bryullovi “Autoportree”. Juba enne Peterburi lõi tema maal “Pompei viimane päev” suure plahvatuse Itaalias, kus ajalooline maalikunstnik Kommuchi ja inglise kirjanik Walter Scott selle peale hulluks läksid ning kus Bryullovile endale kuninglikud autasud jagati. Päris galeriisse pääsemiseks tuleb ronida mööda laia, kuid üsna järsust trepist ülemisele korrusele. Pikka saalirea on paigutatud maailmakuulsad maalide, kujude, pronkside, kameede, müntide, medalite, joonistuste ja graafikate kogud erinevatest sajanditest. Kogu muuseumi kolmest küljest haarava tohutu koridori esimeses osas on rida ülimalt uudishimulikke maale. Siin on keskaja imiteeriva ikoonimaali teosed ja hulk süngeid pühalikke madonnasid kuldsel taustal, punastes ja sinistes riietes ja suurte silmadega ... Samas koridoris on rikkalikult esindatud 15. sajand – nii parimad meistrid ja teisejärgulised kunstnikud. Koridori keskel on õrnalt avanev uks, mis on polsterdatud riide ja nahaga. See viib kuulsa Tribuna juurde, mis on muuseumi keskne osa. See mitte väga suur ruum on ülevalt valgustatud ja sisaldab galerii kõige hinnalisemaid skulptuure ning maale erinevatest riikidest, koolidest ja aegadest.
Veenus uhkeldab keset Tribüüni, graatsiliselt avameelne oma graatsilises alastuses. Temas on kõik lihtne ja armas: nii õrnad näojooned kui ka õrn keha. Talle on võõras jumalanna uhke uhkus ja nunnu inimühiskonna esindajatele omane koketeerimine. See noor kaunis naine on “täiesti surelik”, kuid teda ümbritsevad mütoloogilisest maailmast tulnud faunid, kes lubavad vastupandamatult rõõmsat tantsu, võluv Apollo, kes tõmbab ligi nooruslike vormide pehmuse ja värskusega. Vaid sünge nuga teritava orja kuju, kuigi see on suurepäraselt teostatud, on selle elava ja rõõmsa ansambli suhtes dissonants.
Tribüünis saavad külastajad näha kahte Tiziani Veenust. Üks kehastab autori tahtel naisekeha ideaalset ilu: see on hiilgav, kuid külm. Teist, haruldase rikkalikkuse ja värvikombinatsiooniga, võib nimetada "ajalooliseks žanriks". On tõendeid, et Tizian kujutas ilujumalanna varjus Eleanor Gonzagat, Urbino hertsogi Federigo da Montefeltre'i naist, "kaunimat naist kogu Itaalias". Uffizi galeriis on üks maailma kuulsamaid maale - Sandro Botticelli "Veenuse sünd", vene filosoofi N. Berdjajevi sõnul "kõige ilusam, põnevam, poeetilisem renessansikunstnik ja kõige valusam ... ".
Nii kaua, kui ta mäletab, oli Botticelli sügavalt õnnetu ja õnnelik samal ajal. Ta ei olnud, nagu öeldakse, sellest maailmast. Unenäoliselt häbelik, tegudes ebaloogiline ja hinnangutes fantastiline. Ta uskus arusaamadesse ega muretsenud rikkuse pärast. Ta ei ehitanud oma maja, ei loonud perekonda. Aga ta oli väga õnnelik, et suutis oma maalidel tabada ilu ilminguid. Ta muutis elu kunstiks ja kunst sai tema jaoks tõeliseks eluks, just kunstniku maalidel "valus armastus ja kirg". Rohkem kui päikesekiirt usaldas Botticelli oma silmakiirt ning tema pintsel oli täpne ja kindel. Nagu Petrarch ja Dante, tõmbab teda Pilt meelitama, petab ja inspireerib. See on pilt noorest ilusast tüdrukust, kes on teise inimese armastatud (Giuliano Medici). Ta on Ilu ise, kõikvõimsa kunsti kuninganna. Ja seepärast soojendab Botticelli nii valusa kirega käed kellegi teise tulel. Ja seepärast öeldakse Simonetta Vespucci kohta, et "ei ole kunagi öeldud ühtegi naist". Botticelli loob Giuliano de' Medicile bänneri, kui ta osaleb võistlusturniiril. Bänneril on kujutatud Pallas Ateenat, kuid kõik teavad hästi, et see on Giuliano armastatud Simonetta, valges kleidis kaunitar. Kuid elu hävitab ilu, saatus jälitab armastust, Simonetta sureb tarbimise kätte. Tema surm valmistab Botticellile sügavat kurbust, piinade ja kannatuste hulka. Püüdes neid nõrgestada, jäädvustab kunstnik kõike ja jäädvustab Simonetta Vespucci oma maalidel. Ta riietab ta kaunitesse riietesse, alandab pärlitega tema “vasest” juuksepatsi, tõmbab ettevaatlikult kergelt ninaga nina, märgib huultele salapärase võrgutamise naeratuse ja salapärase unenäo. Tema kõrge laup tundub talle nägija laubana ning lapselikult liigutav näoilme ja lootust kiirgavad silmad äratavad aukartust õrnuse ees.

Kõik, kes vaatavad Sandro Botticelli filmi "Veenuse sündi", kogevad kirjeldamatut võlu. Vaata seda Veenust, seda häbeliku tüdrukut, kelle silmis eksleb mingi helge kurbus. Kompositsiooni rütm on tervikpildis olemas - nii noore keha paindes kui ka nii kaunilt tuulele rebitud juuste kiududes kui ka tema käte üldises konsistentsis, seatud jalas, pea pöördes ja teda ümbritsevates kujundites. Paljudel Sandro Botticelli maalidel valitseb see puhas alasti naine, mis on kootud pehmete joonte rütmidest, kattes häbematult tema rinda ja rindu ...
Pildid on riputatud Tribuna kõigile kaheksale seinale. Raffaeli esindab siin "Madonna kuldvintsiga" - pilt, mis puudutab südant leidliku, kuid kõrge vaimse võluga. Puhas kui tüdruk, naine-ema, kes pole end naisena veel täielikult ilmutanud, valgustab sind helge hommiku vaikse säraga. Selle pildile vastab kogu kevadine lilledega täpiline põllumaastik. Ja Firenze katedraali pilt kaugete siniste mägedega annab kogu pildile intiimsuse iseloomu.


"Kuldnokaga Madonna" kõrval oli välja pandud veel kaks Raffaeli tööd - "Ristija Johannes" ja "Paavst Julius II portree".


Samas ruumis on eksponeeritud Michelangelo Püha perekond. Väidetavalt võttis klient selle maali kõhklusega vastu. Tõepoolest, see "renessansiajastu titaani" kapriisne teos tundub religioossele sisule täiesti võõras. Tribüünil on ka mitmeid maale Maagide kummardamise teemal. Kunstnikele meeldis see piiblilugu, paljud pöördusid selle poole rohkem kui üks kord. Evangeeliumilugu kolme targa kingituste pakkumisest vastsündinud Kristusele kasutasid mõned, et näidata rikkalikult riietatud rahvahulga pidulikku vaatepilti; teised nägid selles võimalust näidata inimkogemuse maailma. Näiteks Sandro Botticelli puhul on pilt üles ehitatud nii, et beebiga Mary ümber tunglevate figuuride rühmitustes, liigutustes ja žestides on nähtavalt edasi antud elutunde kõige erinevamad varjundid - rahulikust, peaaegu külmast uudishimust. tormilisele elevusele ja tulihingelise armastuse ilmingutele. Uffizi galeriis eksponeeritakse ka Leonardo da Vinci maalitud ja Ghirlandaio maalitud Magi jumaldamist.


Urbino hertsog ja hertsoginna. Piero della Francesca
Uffizi galeriis on maailma rikkalikum Itaalia maalide kollektsioon 13.-18. sajandist. (Eriti hästi on esindatud Veneetsia ja Firenze koolkondade tööd). Esitatakse häid näiteid antiik-, prantsuse-, saksa-, hollandi-, hollandi- ja flaami kunstist. Unikaalne on ka Uffizis asuv Euroopa kunstnike autoportreede kollektsioon. Tundmatu autori Ferdinand Magellani portree, 17. sajandi Bondone (Ognissanti Madonna, 1310), Simone Martini (kuulutus, 1333), Paolo Uccello (San Romano lahing, Bernardino della Charda keskosa langeb hobuse seljast, 1450. aastad), Piero della Francesco (Hertsog Federico da Montefeltro ja Urbino hertsoginna Battista portree, 1465-1466), Fra Filippo Lippi (Madonna ja laps kahe ingliga, 1465), Sandro Botticelli (Kevad, Veenuse sünd, Maagide jumaldamine) Hugo van der Goes ("Portinari triptühhon", 1476-1479), Leonardo da Vinci ("Kuulutus", 1472-1475, "Maagide jumaldamine", 1481), Piero di Cosimo ("Perseus vabastab Andromeeda", 1515), Albrecht Durer ("Maagide jumaldamine", 1504), Michelangelo ("Tondo Doni", 1503), Raphael ("Paavst Leo X koos kardinalide Giulio de Medici ja Luigi de Rossiga, 1518-1519), Tizian ("Veenus Urbino", 1538), Francesco Parmigianino ("Pika kaelaga Madonna", 1534-1540), Caravaggio ("Bacchus", "Iisaku ohver", "Medusa"), Andrea Verrocchio ("Kristuse ristimine", 1472-1475).

Lisaks galeriile on Uffizi hoones ka teisi olulisi kogusid: muuseumile kingitud Contini Bonacossi kollektsioon, 14. sajandi lõpust tänapäevani ulatuv trükiste ja joonistuste kogu, mis sisaldab ligi 120 000 graafikat. samuti tuntud "Vasari koridor" (ehitas Vasari 1565. aastal), mis ühendab Uffizit Pitti paleega ning sisaldab märkimisväärset 17. sajandi maalide kogu ja kuulsat autoportreede kogu. Maesta. Giotto
Kuulutamine. Simone Martini Kasutatud saidi materjalid

Imelises Firenze linnas on palju neid, mis rõõmustavad turistide silmi ja hindavad ka nende ilumeelt. Üks neist ehitistest - Uffizi galerii (Galleria degli Uffizi) - asub Firenze kesklinnas Signoria väljaku (Piazza della Signoria) ja silla (Ponte Vecchio) vahel, meelitades vabatahtlikult ja tahtmatult palju turiste, alates neist, kes kogemata eksisid. siin neile, kes tulid sellesse hämmastavasse linna spetsiaalselt selleks, et nautida siin eksponeeritud maailma kaunite kunstide meistriteoseid.

Uffizi galerii, mille kogupindala on 13 000 ruutmeetrit, pakub tavaturistide ja tõeliste kunstigurmaanide silmad ette ühe olulisema ja suurima kollektsiooniga, mis hõlmab nii Itaalia kui ka välismaiste kunstnike töid, kes töötasid alates aastast. 13. kuni 18. sajand.

Muuseumis saab isiklikult nautida selliste maailmakuulsate meistrite nagu (Michelangelo), (Leonardo da Vinci), Sandro Botticelli (Sandro Botticelli), (Rafael), Rubens (Rubens), Rembrandt (Rembrandt) ja paljude teiste loomingut. Muide, Uffizi galeriid võib õigusega nimetada üheks maailma vanimaks muuseumiks, mis avati külastajatele peaaegu kohe pärast selle ehitamist 16. sajandil.

Galerii ajalugu

Itaalia kuulsaim galerii asub massiivses hoones, mille projekt kuulub andekale arhitektile (Giorgio Vasari). Uffizi galerii ehitamist alustati isikliku tellimuse alusel juba 1560. aastal, kuid dünastia esindajal ei õnnestunud seda kunagi valmis kujul näha: hoone ehitamine lõpetati kakskümmend aastat hiljem, pärast Cosimo surma.

Märkimist väärib, et arhitektuurse projekti valmimiseks tuli spetsialistidel lammutada vanad kvartalid ja demonteerida lähedalasuvad keskaegsed hooned.

Kui aga Uffizi galerii täielikult valmis sai, sai selgeks, et kõik ohvrid polnud asjatud. Üks riigi kõige muljetavaldavamaid muuseume asub Piazza della Signoria ladina tähe "U" kujul, mida ümbritsevad rippuvad aiad ja kunstigalerii. Projekti autor Vasari oli tõeline kunstitundja, mistõttu hoolitses ta erikujunduse eest, kus lõuendid oleksid pidanud asuma.

Kümneid aastaid pärast suurejoonelise ehituse algust võis perekond Medici lõpuks siia tuua oma uhkuse - ainulaadse maalide ja skulptuuride kogu, mis on kogutud üle kogu maailma. Just Firenzesse saatsid suure dünastia esindajad kõik oma kunsti meistriteosed. Medicis pööras erilist tähelepanu kunstnik Sandro Botticellile, kes ajaloolaste sõnul oli kuulsa perekonnaga väga sõbralik.

Uffizi galeriis on tänapäevani tema haruldane looming. Muuseumis on üks tema kuulsamaid loominguid - "Veenuse sünd" (Nascita di Venere), mis lisandus siin eksponeeritud meistriteoste ridadesse alles 19. sajandi keskel. Võib rääkida mitmesugustest kaunitest maalidest, mille on maalinud inimkonna ajaloo kuulsamad kunstnikud ja mida on pikka aega Uffizis eksponeeritud.

Siiski väärib märkimist, et kogu kollektsiooni ehteks on Venus de Medici.

Arvukate maalide kontrollimiseks kulub rohkem kui üks päev. Õnneks asuvad kõik siin talletatud teosed kronoloogilises järjekorras enam kui 50 ruumis. Tänu sellele targale organisatsioonile saate jälgida, kuidas kunst arenes 13.–18. sajandil ning maali- ja skulptuuristiilid muutusid Bütsantsi perioodist barokini.

Kohe muuseumi läve ületades avastad end tõelisel ristteel: muuseumi sissepääsu juurest viib kolm vestibüüli. Esimene sisaldab marmorist ja porfüürist büste, teist kaunistab Giovanni da San Giovanni, kolmandal on Rooma kujud ja sarkofaagid. Uffizi galerii lihtsalt võlub mitte ainult siin eksponeeritud kunstiobjektidega. Milline on Euroopa ühe külastatavama galerii siseviimistlus!

Abistav teave

Piletid

Muide, igal aastal külastavad seda Firenze vaatamisväärsust miljonid turistid. Ja sina võid olla üks neist õnnelikest!

• Alates 1. märtsist 2019 kuni 31. oktoobrini 2019 Uffizi täispileti hind: 20 € + 4 € ettetellimistasu. Näituste ajal võivad hinnad tõusta.
• Alates 1. novembrist 2019 kuni 28. veebruarini 2020 on Uffizi täispileti hind: 12 € + ettetellimisel 4 €. Pange aga tähele, et kassa suletakse kell 18:05.
• Ametlikud veebikassad: webshop.b-ticket.com
  Kontrollisin viimasel hetkel piletite ostmiseks usaldusväärseid agentuure: www.tiqets.com ja www.getyourguide.ru - tavaliselt võtavad nad väikese vahendustasu, kuid seal on isegi kõrghooajal kvoodid.
• Grupiekskursioon 1,5 tundi maksab 57 eurot / inimene, piletid hinna sees, toimub inglise, itaalia, hispaania, saksa või prantsuse keeles.
• Kui lähete Uffizisse vene keeles koos giidiga ITAALIA MULLE, siis ta aitab teil broneerida, tasuda piletite eest kohapeal.

Et vältida tundidepikkust järjekorras ootamist muuseumis endas, saate itaaliakeelseid pileteid broneerida numbril +39 055 294883 (broneerimistasu 4 eurot). Seda Firenze vaatamisväärsust on kõige mugavam külastada pärast kella 14.00, kui kõik kooliekskursioonid lõppevad

Aadress ja lahtiolekuajad

Uffizi galerii asub aadressil Piazzale degli Uffizi, 6, Firenze, Itaalia ja sinna pääseb igal päeval, välja arvatud esmaspäeval ja 1. mail, kella 8.15-18.50.

Kuidas sinna saada

Uffizi galeriisse pääsete ühistranspordiga (selle kõrval asub C1 peatus Galleria Degli Uffizi - Farmacia Logge) või jalutage, kui olete juba kesklinnas. Muide, kui tunnete end pärast kauni galerii külastamist endiselt energilisena, vaadake Firenze lähedal asuvaid vaatamisväärsusi ja Bargello paleed (Bargello).

↘️🇮🇹 KASULIKUD ARTIKLID JA SAIDID 🇮🇹↙️ JAGA OMA SÕPRADEGA

Rikas maailma tähtsate vaatamisväärsuste poolest. Kogu atmosfäär on ajaloost küllastunud, siin käisid renessansi suured meistrid. Michelangelo ja Leonardo teed võisid Firenze tänavatel ristuda (selline kohtumine võis kergesti lõppeda temperamentse kaklusega, kunstnikud põrkasid kokku ja ainult aeg suutis nad lepitada). Dantele meeldis mõtiskleda kunagi Duomo väljakul seisnud kivi üle (see rändrahn pole kahjuks säilinud, millest on kahju, aga kõik siinviibijad teavad seda kohta, kus see asus). Neil tänavatel toimusid ka Savonaroli jutlused.

Firenze tõeline pärl on Uffizi galerii, kuhu on kogutud palju suurepäraseid kunsti meistriteoseid.

Firenze ja tema patroonid

Firenze on erinevalt paljudest iidsetest linnadest alati ehitatud plaani järgi, juhuslikkus on sellele linnale esialgu võõras. Hoonete, tänavate ja väljakute pidev parendamine on saanud paljude arhitektuursete ansamblite loojate eesmärgiks. Muidugi pole selline suhtumine linna välimusse ilma tõsiste materiaalsete kuludeta, kuid reeglina polnud raha küsimus. Firenze rikkaimad perekonnad Alberti, Strozzi ja paljud teised ei säästnud kulda, püüdes luua sellele Toscana pärlile kauni raami ja samal ajal oma nimed jäädvustada.

Medicitest, kelle esiisad olid arstid, said 15. sajandi keskel jõukad pankurid. Nende annetused olid eriti helded ning maalide ja skulptuuride kollektsioon moodustas aluse tulevasele suurele muuseumile, mille üle Itaalia on uhke. Uffizi galerii asutasid Medici.

Linnavalitsuse hoone ehitus

1559. aastal otsustas üks I (Senior), kes linna sel ajal valitses, luua tsentraliseeritud juhtorgani ja koondada kogu administratsioon ühte majja. Ta polnud kuigi haritud mees, kuigi austas siiralt kunsti, kuid galerii loomise ideeni jõudis ta hiljem.

Huvitav on see, et kogumise algust tähistanud skulptuurid lükkas Vatikan tagasi ja seetõttu kinkis need Pius V. Kiriku juhtkonna väited ei seisnenud teoste kunstilises väärtuses, vaid selles, et kujudel oli kujutatud alasti tegelasi. , see tundus patune. Algul hoiti kõiki neid aardeid perekonnas Riccardi palees, mis toimis Medici perekonna lossina.

Vahepeal, 1560. aastal, alustati avara palazzo projekteerimist, mis usaldati kuulsale arhitekt Vasarile. Eeldati paljude hoonete lammutamist ja nende fragmente lubati kasutada uue palee ehitamiseks. Sõna "Uffii" on itaalia keelest tõlgitud kui "bürood" (mitmuses).

Arhitektuuriprojektid

Juhtum venis, 1574. aastal meister suri ja ehituse pidi lõpetama Buontalenti, kes täitis ülesande aasta hiljem. Selleks ajaks oli hoone otstarve juba muutunud, kuid nimi jäi samaks, Uffizi galerii. Firenze rikastati suurte meistrite loodud ja Medici perekonna kogutud teostega, kuid esialgu said neid nautida vaid aadli esindajad. Kümme aastat jätkus hoone valmimist, lõpuks osutus palee plaaniliselt hobuserauakujuliseks, kitsa külje akendest vaade jõele. Arhitektid ei tõstnud kätt mõne iidse hoone (vana rahapaja ja San Pietro Sceragio katedraali) hävitamiseks ning nad sisenesid üldisesse ansamblisse. Sel ajal olid mõlemad ehitised juba neli sajandit vanad.

Galerii moodustamine

Juba ehituse lõpuks oli Vasari (ja ta oli kunstnik, mitte ainult arhitekt) teadlik, et ta ei ehita linnavalitsusele paleed, vaid galeriid. Uffizi avati kuueteistkümnendal sajandil ja arhitekti perspektiivsed otsused aitasid kaasa tulevase näituse jaoks kõige soodsamate valgustingimuste loomisele. 1737. aastal läks Medici perekonna viimase kardinal Leopoldo testamendi kohaselt kogu perekonna kollektsioon Firenze linna omandisse. Sajand hiljem sai muuseum avalikuks. Samal ajal, kaheksateistkümnenda sajandi kolmekümnendatel aastatel, koostati kollektsiooni esimene inventar, mis hõlmas kümme köidet.

autoportreed

Uffizi galeriisse on kogutud palju autoportreesid, nii iidseid kui kaasaegseid, mida saab kasutada ajastute uurimisel. Selle kollektsiooni aluseks oli teoste sari, mille kardinalina teeninud Leopold de' Medici ostis Rooma Püha Luuka akadeemiast ja seejärel täiendati seda regulaarselt. Hoone esimene korrus sai portreemaali ekspositsiooni kohaks. Tänu sellele kollektsioonile saavad tänapäeva inimesed aimu nii itaalia (sh da Vinci, Tizian, Veronese, Romano, Raphael, Michelangelo) kui ka teiste riikide (Dürer, Rembrandt, Rubens, Velasquez, Van Dyck ja Karl Bryullov). Muide, Bryullovi kohta. Tema austajad olid Walter Scott ja Commuci, nad imetlesid Pompei viimast päeva, maali, mis tekitas Itaalias sära juba enne triumfi Peterburis.

Kuid on ka Giotto ja Caravaggio ning palju muid kuulsusrikkaid nimesid ...

Uffizi tribüün

Galeriis on spetsiaalne naha ja riidega polsterdatud uks, mis viib kesksele ekspositsioonile nimega Tribune. Saal ei ole eriti suur, valgustatud katusel oleva klaaslaternaga ja sisaldab silmapaistvamaid töid, sealhulgas skulptuure ja maale erinevatest ajastutest ja koolkondadest. Kaheksa seinaga ruumi keskel seisab Veenus, ümbritsetuna tantsivatest faunidest ja Apollost. Seal on ka skulptuur nuga teritavast karmi orjast. Veel kaks Veenust, seekord maalilised, kuuluvad Tiziani pintslisse. Arvatakse, et Tribune sisaldab parimat, mida Uffizi galeriil pakkuda on: Raphaeli maalid "Madonna kuldnokaga", "Paavst Julius II portree" ja "Ristija Johannes". Siin on Botticelli "Veenuse sünd" ja mitmed teosed, mis paljastavad Piibli maagide (Ghirlandaio ja Leonardo da Vinci) kummardamise teema, kuid tõeline pärl on renessansiajastu titaani "Püha perekond". Michelangelo.

Uffizi kaotused

Itaalia on sajandite jooksul kogenud palju murranguid ja sõdu, milles hukkusid mitte ainult inimesed, vaid ka kunstiteosed. Mitu korda kandis kaotusi ka Uffizi galerii. Firenze oli Napoleoni armee teel. Kollektsioon sai kannatada ja osaliselt rüüstati 1943. aastal toimunud sõjategevuse käigus, mil natsid okupeerisid riigi, püüdes takistada liitlasvägede edasiliikumist. Seejärel oli pärast linna veevärgi plahvatust alumine korrus osaliselt üle ujutatud. Häda lisasid terroristid, kes tapsid 1993. aastal pommiga viis inimest ja kahjustasid hindamatuid kunstiteoseid Niobe saalis. Mõnda freskot ei õnnestunud taastada.

Enne selle imelise kollektsiooni külastamist on kasulik saada teavet selle kohta, millised on reeglid ja kus asub Uffizi galerii. Pildistamine ja filmimine saalides, nagu enamikus muuseumides, on keelatud. See ei ole administratsiooni kapriis, vaid täiesti ratsionaalne meede, mis on vajalik maalide ohutuse tagamiseks. Puhkepäev on siin esmaspäev, muudel päevadel on uksed sõbralikult avatud kella poole kümnest hommikul kuni õhtul seitsmeni, aga parem tulla varakult, külastajaid on palju ja tekivad järjekorrad, mis võtavad vähemalt tund (ja mõnikord palju kauem). Talvel on inimesi vähem. Sissepääsupilet maksab 9 eurot ja 10 senti, kuid sünnipäeval pääsevad kõik tasuta. Sama kehtib ka inimkonna kauni poole kohta, kuid ainult 8. märtsil (seda tähistatakse ka siin).

Ühtegi jooki ei tohi kaasa võtta, nad ei lase sind sisse. Mõnede ettevõtlike giidide vahelejätmise ekskursioonide pakkumisi tuleks ignoreerida. Grupp koguneb pikka aega ja see ei võta vähem aega kui järjekorras seismine ning kulud suurenevad oluliselt. Parem on broneerida oma külastus Internetis, peate ootama vaid paarkümmend minutit, lisatasu on 4 eurot, kuid te ei saa hiljaks jääda.

Seljakott on kõige parem jätta hotelli, sellega sisse ei lasta ja panipaiga järjekord on peaaegu sama, mis piletil. Uffizi galerii pakub lahkelt 8 euro eest väga käepärast asja, mida nimetatakse audiogiidiks. Selle tegemiseks on vaja tagatisraha, mis tahes fotoga dokumenti.

Ja ärge püüdke kõike ühe külastusega näha. See pole lihtsalt võimalik. Kui mitmekordseks külastuseks aega napib, on parem keskenduda kunsti kõige huvitavamale suunale, Uffizi galerii on nende poolest rikas. Selles aitavad siin käinud tuttavate ja sõprade ülevaated.

Kuidas leida?

Muuseumikompleksi on lihtne leida, igale kohalikule möödujale piisab kahest sõnast: “Uffizi galerii”. Aadress on lihtne, Uffizi väljak, Uffizi palee. Tegelikult on itaalia keeles õige öelda kolm sõna: “Galleria degli Uffizi”, aga nad saavad sellest nii aru. See asub linna südames, ühelt poolt Ponte Vecchio sillal ja teiselt poolt Piazza Senorial. Suurim asub Arno jõe ääres.

> > > >

Üks vanimaid ja külastatumaid muuseume maailmas. Ja muidugi üks kuulsamaid. Ja arvestades, et sisse on lubatud väikesed grupid, on järjekorrad kassades tohutud ja igal ajal. Muuseum asub Firenze kesklinnas, jõe ja.

Firenze Uffizi galeriis on ainulaadne kunstikogu, peamiselt renessansiajast. Galerii kogu sisaldab Itaalia kuulsaimate kunstnike maale, sealhulgas nimesid Botticelli, Michelangelo, Leonardo da Vinci, Raphael, Tizian, Giotto, Caravaggio. Näituse meistriteoste hulgas - " Veenuse sünd» Botticelli (vt ülal), millest sai 15. sajandi Itaalia maalikunsti sümbol, « Ubrinski diptühhon" autor Pierro della Francesco (vt allpool) - üks märkimisväärsemaid renessansi portreesid, Eraldi ruum (nr 15) on pühendatud Leonardo da Vinci töödele, mille hulgas - " Kristuse ristimine"Ja" Kuulutamine«.

Märkus: iga kuu esimene pühapäev sissepääs Uffizi galeriisse on tasuta.

Uffizi galerii külastus:

Uffizi galerii on Firenze kuulsaim ja populaarseim muuseum, mistõttu võite piletijärjekorras palju aega kaotada. Toscana kuuma päikese käes järjekorras seismise aja raiskamist saate vältida, kui ostate pileti internetist (aga peate maksma veidi rohkem - 5,99 € ja 10,00 €). Te ei saa broneerida piletit "tasuta" päevaks (iga kuu esimene pühapäev) - praegu toimub sissepääs "kes ees, see mees" põhimõttel (mis on tänapäeval veelgi pikemad!) .

Uffizi galerii piletihinnad:

Kui galeriis on ajutine näitus, lisandub igale piletile ajutise näituse külastamise maksumus. Lisatasusid ei saa vältida.

Ametlik kurss galerii piletid:

• Täispilet - 8,00 €
• Soodushind (18-25-aastased eurooplased) - 4,00 €
• Tasuta - alla 18-aastased

26.09.2016-08.01.2017 - toimub ajutine näitus, seega pilet maksab 12,50 € (täispilet) või 6,25 € (soodustusega).

Internetis ettetellimise hinnad(+lisatasu, mis erineb olenevalt saidist):

• Tavahind - 12,00 €
• Ajutised näitused - +4,50 €
• Audiogiid - 7,53 €
• Tasuta kõigile alla 18-aastastele.
• Sooduspilet – ELi kodanikele vanuses 18–25 aastat.

Uffizi galerii lahtiolekuajad:

• teisipäevast pühapäevani 8.15-18.50
• Esmaspäev - suletud
• Suletud: 1. jaanuar, 1. mai, 25. detsember.
• Pühad on tavaliselt avatud. Kui püha langeb kokku esmaspäevaga, otsustab administratsioon ise, olenevalt külastajate arvust, kas muuseum avada või mitte.
• Piletikassad suletakse kell 18:05. Kell 18:35 palutakse külastajatel ümber pöörata ja liikuda väljapääsu poole.
• 31. märtsist 27. septembrini on Uffizi galerii avatud kuni kella 22.00-ni. Piletikassad - kuni 21:05, kõik hakkab sulgema kell 21:35.

UFFICI GALERII

Direct-Meedia, Moskva, 2016

Eessõna

16. sajandi keskel sai legendaarseks minevikuks Firenze kui kõrgrenessansi õitsengu linna hiilgus. Kuid teatavasti ei ole püha paik kunagi tühi: kohalik kunstielu pole kuhugi kadunud, vaid on võtnud teistsuguse kuju. Kunst on muuseumisse voolanud. Küll aga tekkis tollasel Firenze valitsejal idee oma residentsi laiendada. Selgus, et ta täitis saatuse tahet ja ta soovis, et Firenzesse ilmuks üks maailma kuulsamaid muuseume ...

Kõnealuseks ajaks olid Medicid kehtestanud võimu kogu Toscana üle. Medicite suguvõsa noorema haru esindaja Cosimo I otsustas ehitada hoone, kuhu koonduksid kõik riigiasutused. Sellest ka nimi - "Uffizi" või tänapäeva mõistes "bürood". Firenzel aga vedas: seda valitsenud pankurite ja kaupmeeste perekonda eristasid kaks tunnust – Medici kandis põlvest põlve edasi armastust kunsti vastu ja patroneeris kunstnikke pikka aega. Mõnikord said nad ise kunstnikeks, laiemas mõttes. Medicitel oli 16. sajandi keskpaigaks kogunenud korralik kollektsioon, mis muu hulgas sisaldas palju kunstiteoseid ning algusest peale otsustati osa Uffizis asuvatest ruumidest anda selle hoidmiseks.

Kavandatava hoone arhitektiks kutsuti erinevate annetega mees Giorgio Vasari (ta oli ka maalikunstnik ja kunstiajaloolane). Ja 1560. aastal hakati Signoria väljaku ja Arno jõe vahel ehitama U-kujulist hoonet. See pidi koosnema kahest tiivast ja nendevahelisest üleminekust. Kuid ansamblisse kuulusid ka valitud kohas juba olemas olnud hooned, sealhulgas väljakuvaatega Loggia dei Lanzi, mis oli mõeldud koosolekuteks ja vastuvõttudeks.

Hoone osutus hiiglaslikuks ning selle mitmekesistamiseks ja samal ajal kompositsiooniliseks ühendamiseks väljastpoolt tuli Vasari välja arhitektuurse mooduli, mis kordus kogu fassaadi ulatuses: portikus, mille külgedel on pilastrid - esimesel. korrus ja kolm akent selle kohal - teisel. Osa, mis ühendas Uffizi mõlemat tiiba, lõikasid läbi suured läbivad kaared, mis täitsid kahe tiiva vahelise kitsa ruumi valgusega. Ühtlasi osutus see huvitavalt kujundatud fassaadiks vaatega Arno jõele. Medici kollektsioonid kasvasid kiiresti, nii et Cosimo poeg Francesco I otsustas laiendada näitusepinda Uffizis. Ta käskis eemaldada hoone teiselt korruselt haldusasutused ja nende asemele korraldada saalid iidsete kujude jaoks. Nende jaoks lõi Bernardo Buontalenti, kes töötas Uffizis pärast Vasari surma, pika galerii, mille võlvid olid maalitud "groteskidega" - loomsete ja taimsete ornamentidega. Sarnane ornament kaunistas Nero "Kuldset maja" - iidset hoonet, mille varemed avastati renessansiajal. Lisaks ehitas Buontalenti nn Tribüüni – kaheksanurkse kõrgete akendega saali, selle prototüübiks oli kuulus Ateena tuulte torn. See antiigi poole pöördumine oli ka omamoodi koosviibimine.

Oma venna Francesco järel valitsenud Ferdinando I ajal tekkisid Uffizisse kunstnike, skulptorite, juveliiride, kullastajate, kivinikerdajate, miniaturistide ja portselanitöösturite töökojad. Samal ajal korraldati "Geograafiliste kaartide saal", mille seintele joonistati kaardid ja keskele paigaldati maakera ning "Matemaatika saal", kuhu paigutati teaduslikud instrumendid. Teistes ruumides eksponeeriti relvi ja soomust, graveeritud dekoratiivkive ja portreid. Nagu näete, kogusid Medicid kõike, mis omas kunstilist, ajaloolist või teaduslikku väärtust või isegi ainult silmailu. Seetõttu ühendas Uffizi algul kunstigalerii ja kurioosumite kabineti.

Tekkiva muuseumi ajaloo üks põhisündmusi leidis aset 1591. aastal: kollektsioon avati ühiskonna kõrgeimatest ringkondadest pärit külastajatele. Uffizi galerii täienes aktiivselt kunstiteostega, mille saatsid väljaspool Firenzest elanud valitseva perekonna liikmed, näiteks Prantsuse kuningannad Catherine ja Maria Medici. Kirikutest ja kloostritest hakati maale viima Uffizisse, asendades need mõnikord koopiatega.

Kuid esimene Medicitest, kes asus oskuslikult maale ja joonistusi koguma, oli Ferdinandi vend kardinal Leopoldo: hästi kunsti tundev ta kogus maale ja graafikat, nii et teatud kunstikoolid ja -perioodid oleksid võimalikult täielikult esindatud. Leopoldo valitsusajal paigutati läänetiiba autoportreede, joonistuste, portselani, medalite ja pronksikogud. Lisaks avati Uffizis Fonderia, kus valmistati parfüüme ja ravimeid ning eksponeeriti loodusharuldusi: ninasarviku sarvi, jaanalinnumuna, palsameeritud loomi.

1737. aastal suri Medici perekonna viimane valitseja Gian Gastone. Samal aastal kirjutas tema õde Anna-Maria alla dokumendile, mille kohaselt lahkus Uffizi koos kõigi kogudega Firenzest ja kuulutati avalikuks muuseumiks, mitte ainult "oma jaoks". Kunagi kirjutas Lorenzo Suurepärane Medici, selle galerii korraldajate üks kuulsamaid esivanemaid ja kunsti patroon ise, oma luuletuses ideaalsest valitsejast: "Rikkus, hiilgus, kõik, mis võimule sobib, pole tema, osa inimestest ... » Ja nii see juhtus.

Esimesed külastajad, nagu öeldakse, "tänavalt" ilmusid muuseumi saalidesse 1769. aastal. Uffizi galerii kuraatoriks määrati Luigi Lanzi, kes asus kogu kollektsiooni korda seadma, eelkõige paigutama eksponeeritud maalid. kronoloogia ja maalikoolide järgi. Seejärel, kui Lorraine’i Ferdinand III ajal sai muuseumi direktoriks Tommaso Puccini (kes päästis meistriteoseid, mida vallutajad võisid Itaalia sissetungi ajal Pariisi viia), ehitati galeriisse klaaskatus, nii et loomulik valgus tungis ruumidesse. , ja maalide lähedusse pandi nimesildid kunstnikud ja teoste loomise kuupäevad.

Juba 19. sajandil sai selgeks, et kõike, mis selle pikkade eksistentsiaastate jooksul koguti ühte muuseumi, on lihtsalt võimatu paigutada. Kollektsioonist otsustati eemaldada suurem osa iidsest kunstist, ehted, teaduslikud instrumendid, kõik relvad ja luua nende põhjal uued muuseumid. Uffizist on seevastu saanud kunstigalerii, kus hoitakse peamiselt maale ning nendega kaasnevad kujud ning kunsti- ja käsitööteosed.

Algas tõsine uurimus kogus esitletud maalide ja nende restaureerimise üle. Viimased ruumid, kus olid veel mõned riigiasutused, vabastati ja anti üle eksponaatidele.

Üldiselt, nagu ütlesid itaallaste esivanemad - iidsed roomlased, "vita brevis, ars longa", mis tähendab "elu on lühike, kunst on igavene".

VANA-KREEKA JA VANA-ROOMA KUNST

Veenus Medici
CLEOMENE, APOLLODORI POEG

See hellenismiajastu kadunud kreeka originaali marmorkoopia oli Rooma paavsti kunstikogus ja selle omandas Medici kollektsioon, sellest ka selle nimi. Kuju kuulub "Cniduse Aphrodite" või "Venus bashful" tüüpi, mis katab oma alastiolekut kätega.

Merevahust väljuv jumalanna kaunis õitsev keha on skulptori poolt peenelt viimistletud. Kogu Veenuse välimuses ja mitte ainult tema žestis on tunda värisevat ehmatust: ta näis sees pisut kahanevat ja peatus. Sellest, et marmorist "liha" väljendab tegelase olekut, näib skulptuur olevat elav, hingav. George Gordon Byron kirjutas raamatus Childe Haroldi palverännak selle kuju kohta:

Vaatad, sa ei saa temaga hüvasti jätta,
Sa tulid tema juurde - ja pole enam tagasiteed!
Kettides triumfivankri taga
Järgige kunsti, sest teid on vangistatud.

VANA-KREEKA JA VANA-ROOMA KUNST:

• Kentauri torso (Torso Gaddi)
• Cicero portree

Kentauri torso (Torso Gaddi)
1. sajand eKr e. Marmor. Kõrgus 153

Kild kujust, mis kujutas kentauri, kelle käed on selja taga, kuulus Gaddi perekonnale, sellest ka selle nimi. See on näide hellenistlikust kunstist ja see kuulub nn Pergamoni koolkonda, mille skulptorid valmistasid "Pergamoni altari" jumalate ja titaanide lahingu stseenidega.

Torso on jõudu täis ja samas nii palju töödeldud, et lihased “mängivad” naha all. Järsk kehapööre täidab selle ilmeka liikumisega, mille lained on tunda ka eemalt. See skulptuur mõjutas noort Michelangelo Buonarrotit, Itaalia skulptorit ja maalikunstnikku, kelle tegelasi eristavad tugevad lihaselised kehad.

Cicero portree
1. sajandi keskpaik. Marmor. Kõrgus 74

2.–1. sajandil eKr elanud Rooma filosoofi, oraatori ja poliitiku Mark Tullius Cicero kohta kirjutas Plutarchos: „Tol ajal, kui ahnus õitses ... Cicero andis selge tunnistuse oma ükskõiksusest võitu, oma inimlikkusest ja aususest. ” .

Rooma skulptorite pühendumus realismile aitas tundmatul meistril mitte ainult tõepäraselt kehastada Cicero välimust, vaid näidata ka selle inimese sisemist seisundit. Marmorist büst kujutab teda keskealise ja väsinuna, jäädvustatud raskesse eluperioodi. Cicero, keda Plutarchos kirjeldab kui rõõmsameelset meest, otsaesine kortsutab siin kulmu, tema silmad on keskendunud ja huuled kokku surutud. Jääb mulje, et ta peab enda sees dialoogi kujuteldava vastasega või vaidleb iseendaga.

Tolleaegses Rooma kunstis levinud skulptuuribüsti tüüp - alt ümar, erinevatesse voltidesse laotud tooga, ümmargusel alusel - aitas kujutatut ülendada, vaatamata kõigile skulptori poolt rõhutatud isikujoontele.

ITAALIA KUNST: ENNE XVI SAJANDIT

Kevad. Fragment
SANDRO BOTTICELLI
Umbes 1478. Tempera puidul. 203x314

Sandro Botticelli maalikunsti kõrgaeg saabus ajal, mil ta sai Medici õukonnas lähedaseks humanistide – poeetide, kirjanike, filosoofide, kunstnike – ringiga. Firenze valitseja Lorenzo the Magnificent kirjutas luulet ja patroneeris kunste. Tema nõbu Lorenzo di Pierfrancesco Medici villa jaoks telliti see keerulise filosoofilise ja poeetilise sisuga maal.

"Kevades" peegeldub kolm lahutamatut suunda, milles Firenze humanistide kunst ja filosoofia arenes: iidne, kristlik ja õukondlik. Antiikajast on siin müütide tegelased ja motiivid. Paremal röövib soe läänetuul Zephyr kreeka põldude ja lillede nümfi Chlorise, kes muutub sealsamas kujutatud Floraks, juba Rooma jumalannana maale lilli puistamas. Vasakul pool - kolm graatsiat, mis kehastavad puhtust, armastust ja naudingut. Apelsinipuude võra all seisev pilvi hajutav Merkuur saadab vaataja kujutlusvõime Pariisi müüdile ja jumalannadest kaunima valikule, kellele ta kinkis võitjaks õuna. See jumalanna Aphrodite või, nagu vanad roomlased teda kutsusid, Veenus, astub õrnalt pildi keskel olevale ürtide ja lillede vaibale. Tema pea kohal on Amor vibuga, mis sihib ühte graatsiatest.

Kristlik teema avaldub siin selles, et peategelane meenutab Madonnat, kelle käsi näib kõiki õnnistavat. Sellest kangelannast kumab läbi ka poeetide inspireerija “kauni daami” kultus. Need õukondlikud tunded õitsesid Lorenzo Suurepärase ringis. Maal maaliti vahetult pärast armastatud venna Lorenzo Giuliano de' Medici, kauni Simonetta Vespucci surma. Veenus meenutab tema nägu. Merkuur ise sarnaneb Giulianoga, kelles tuntakse ära ka püha Sebastian, kristlik märter.

See teos, milles ühinesid mitmesugused motiivid, tähistas olulist pööret maalikunsti poole, mis ei allunud ühelegi kaanonile. Selles paistis vaid kunstniku hing ja tema tahe. Vene kunstikriitik Pavel Muratov kirjutas Botticelli kohta: "Ta oli esimene, kes kohtus maailma ajaloos uue ja pika päeva hommikust udu puhta kunsti ainsa lipu all."

ITAALIA KUNST (ENNE XVI SAJANDIT):

• Madonna ja laps inglitega (Ognisanti Madonna). DUCCIO DI BUONINSEGNA
• Kuulutamine. SIMONE MARTINI
• Templisse toomine. AMBROGIO LORENZETTI
• Magi jumaldamine. GENTILE DA FABRIANO
• Madonna ja laps koos Püha Anna ja inglitega. MASOLINO DA PANICALE,
  MASACCIO
  
• Maarja kroonimine. FRA BEATO ANGELICO
• San Romano lahing. PAOLO UCCELLO
• Triptühhon maagide jumaldamise, ümberlõikamise ja taevaminemisega. ANDREA MANTENA
• Herakles ja Hydra. ANTONIO POLLAIOLO
• Federico da Montefeltro Urbinsky ja Battista Sforza portreed. PIERO DELLA FRANCESCA
• Kristuse ristimine. ANDREA VERROCCHIO, LEONARDO DA VINCI
• Magi jumaldamine. LEONARDO DA VINCI
• Kuulutamine. LEONARDO DA VINCI
• Magi jumaldamine. SANDRO BOTTICELLI
• Veenuse sünd. SANDRO BOTTICELLI
• Madonna ja laps inglitega (Madonna del Magnificat). SANDRO BOTTICELLI
• püha allegooria. GIOVANNI BELLINI
• Pieta. PIETRO PERUGHINO

Madonna ja laps inglitega (Madonna Rucellai)
DUCCIO DI BUONINSEGNA
1285. Puit, tempera. 450x290

Siena linna kunstnik Duccio di Buonisegna tõi kaasaegses Itaalia maalikunstis valitsenud Bütsantsi kirjastiili prantsuse gootika dekoratiivsuse ja elegantsi. Selle altarimaali tellis Maarja kogukond Firenze Santa Maria Novella kiriku kabeli jaoks ning 16. sajandil viidi see üle teise kabelisse Rucellai, kust see sai oma praeguse nime.

Kuldsele taustale asetatud kujutis Madonnast ja lapsest troonil järgib Bütsantsi traditsiooni. Kuid värvide helgus, nende pidulikkus, aga ka Jumalaema rüü kapriissed jooned, eriti tema mantli kuldne piir, on “gooti mõju” tulemus. Ja kõigi siin esitletud tegelaste esinemistes, kuni ingliteni, ettevaatlikult taevast trooni langetades, on tunda uusi tolle aja realistlikuma maalikunsti suundi. Duccio kunst, ehkki ettevaatlikult, aimas juba renessansi.

Madonna ja laps inglitega (Ognisanti Madonna)
GIOTTO (GIOTTO DI BONDONE)
Umbes 1306–1310. Puit, tempera. 325x204

See suur Giotto altarimaal, mis kujutab Neitsit ja last ümbritsetuna inglitest ja pühakutest ("ognisanti" tähendab itaalia keeles "kõik pühakud"), on valmistatud 11.–13. sajandi traditsiooni kohaselt. Siis oli Itaalia maalikunst tugeva Bütsantsi mõju all, kuid kunstnik tõi keskaegsesse pildikaanonisse midagi täiesti uut.

Madonna istub troonil mitte rangelt keskel ja on kujutatud pooleldi keeratuna. Giotto maalis oma figuuri nii, et see näeks välja majesteetlik ja mahukas, seda rõhutavad hommikumantli plastikust voldid. Taevast sümboliseeriv tinglik kuldne taust on siin ühendatud ruumi sügavusega, mis väljendub trooni arhitektuuri - selle astmete ja varikatuse kaudu. Meister keskendus ka tegelaste emotsioonidele, kujutades ingleid ja pühakuid aupaklikult pead tõstmas ning vaimuliku aukartusega Jumalaemale koos Lapsega otsa vaatamas.

Kuulutamine
SIMONE MARTINI
1333. Puit, tempera. 265x305

Sienese koolkonna esindaja Simone Martini loomingus ühendati hilisgootika dekoratiivse efekti ja piklike graatsiliste kehadega jooned protorenessansi maalikunsti tunnustega.

Kunstnik kirjutas "kuulutuse" Siena katedraalis asuvale Püha Ansania altarile. Taevast sümboliseerival kuldsel taustal terendab vaoshoitud sileda siluetiga Maarja kuju. Peaingel Gabrieli kuju kapriisne kuju - tema endiselt lendlevad tiivad, selja taga lehvlev kuub - toob tuppa õhu- ja tuuletunde. Pildil olevalt Maarjalt taevaselt sõnumitoojalt pärinevad sõnad evangeeliumist: "Rõõmustage, täis armu, Issand on sinuga" (Lk 1:28) ja see õhuke side näeb välja nagu osa kaunistusest, mis joonib ja värvib. vormi. Siin paitab silma kõik: säravad inglitiivad ja vaasis seisvad valged liiliad - Maarja puhtuse ja puhtuse sümbol ning jooned ja värvide kombinatsioon pildil.

Kujutised keskses stseenis on haprad, kehatud, justkui mägise õhu poolt lehvitatud. Nendega võrreldes on altari külgmistel osadel kujutatud Püha Ansanias ja Püha Julitta välja kirjutatud suurema mahuga, mis pani uurijad mõtlema, kas tegemist on Lippo Memmi töödega, kelle allkiri on samuti pildi all. . Kunstniku õpilane aga suure tõenäosusega ainult kullas raami ning Martini maalis pühakud ise ja kujutas neid elavamalt, et rõhutada esitletava stseeni ebamaist vaimu.

Templisse toomine
AMBROGIO LORENZETTI
1342. Puit, tempera. 257x168

Siena meister Ambrogio Lorenzetti lõi selle altari, millest meieni on alla tulnud vaid keskosa, Siena katedraali jaoks.

Kiriku gooti stiilis interjöör – Lorenzetti tegevus toimub katedraalis, mille jaoks altar oli mõeldud – on kombineeritud fassaadil olevate "iidsete" skulptuuridega, näiteks pärgat toetavate tiivuliste geeniustega. Stseeni pidulikkust rõhutavad rõivaste ja arhitektuursete elementide erksad, kõlavad värvid ning selle kõrge harmooniaga sobivad suurepäraselt kokku ka detailsed detailid - ülempreestri rüü, ohvrituvid tema käes, kirikupeade kapiteelid. sambad, kirikut kaunistav mosaiik.

Vanem Simeon hoiab Kristus-lapse süles ja kuulutab Temast hirmunult prohvetlikult, samas kui Maarja on tema sõnu kuuldes kurb ja enesesse süvenenud. Ka kõik teised tegelased, kes vanemat kuulavad, on oma emotsioonidega varustatud. See soov väljendada kujutatute tundeid, kirjutada nende figuure piisavas mahus oli läheneva renessansi vaieldamatu märk.

Magi jumaldamine
GENTILE DA FABRIANO
1423. Puit, tempera. 303x282

Gentile da Fabriano maal esindab Euroopa kunsti sellist suundumust nagu rahvusvaheline gootika. Altari "Magide jumaldamine" lõi meister Firenze Santa Trinita kiriku Strozzi kabeli jaoks.

Pildi esiplaani poole liikumas on kujutatud rahvarohket värvilist rongkäiku. Evangeeliumilugu kuningatest, kes tulid Kristuslapsi kummardama, on siin tõlgendatud keskaegse rüütelliku romaani vaimus: sulane seob ühele maagile kannus, mis rõhutab, et tema isand kuulub rüütelkonda, vahele jäävad jahistseenid. pildil ja paljude tegelaste viisi saab määratleda sõnaga "viisakas" - vaadake lihtsalt näiteks vasakpoolseid toateenijaid. Seda tööd on huvitav kaaluda, sest see on täis imelisi detaile, näiteks imik Kristus silitab eaka nõia pead, kes suudleb Tema jalga. Kaugelt tulnute seas pole lihtsalt kedagi – noori ja vanu, rüütleid ja jahimehi. Pildil pole mitte ainult inimesed, vaid ka loomad - lõvi, gepard, ahvid, pistrik. Näib, et kunstnik kasutas süžeed ka selleks, et kujutada talle tuttava maailma rikkust.

See altarikujutis on kirjutatud puhtalt, säravalt, nagu ehted, värvid ja selle dekoratiivset efekti suurendab siin-seal segatud kuld. Raam valmis meistri enda joonise järgi, kes lisas sellesse väikesed pildid ja mõtles dekoori peensusteni välja. Altari predella koosneb kolmest pildilisest osast, mis kujutavad Kristuse sündi, Egiptusesse lendamist ja templisse toomist. Kunstiajaloolane Viktor Lazarev kirjutas: "Gentile kujutas oma altaripildil, varase Quattrocento kõige ilusamal ja pidulikumal maalil feodaalset maailma, mis lahkus ajaloolavalt kogu selle säras koos kõigi selle väliselt atraktiivsete joontega oma halos. rüütellik romantika”.

Madonna ja laps koos Püha Anna ja inglitega
MASOLINO DA PANICALE,
MASACCIO (TOMMASO DI GIOVANNI DI SIMONE CASSAI)
Umbes 1425. Tempera puidul. 175x103

Selles Firenze Sant'Ambrogio kiriku jaoks tehtud Masolino pintsel kuulub Püha Anna ja inglite ning Masaccio - Madonna ja lapse ning rohelistes ja punastes rüüdes ingli kujutisele. Siin on kuldsel taustal näha keskaegse kunsti mõju, eesriie, kogu stseeni ikonograafia - Maarja istub Püha Anna ees, väike Kristus põlvili, ja üksteise otsa asetatud inglid seisavad. küljed. Kuid see on juba renessansiajastu teos, eriti seal, kus töötas Masaccio pintsel, kes oli esimene neist, keda võib täielikult renessansi meistritele omistada. Tema maalitud figuurid on küljelt valgustatud ja kujutatud teadmisega perspektiivist, mida kunstnik uuris. Ta peatab oma tähelepanu ainult peamisel, seetõttu on loodud kujundites vägi, mis peagi avaldus kunstniku Firenze kirikutes tehtud seinamaalingutes. Masaccio ei elanud kaua, kuid suutis mõjutada kogu renessansi maalikunsti.

Maarja kroonimine
FRA BEATO ANGELICO (FRA GIOVANNI DA FIESOLE)
1434–1435 Puit, tempera. 112x114

Vararenessansi kunstniku, dominikaani munga Fra Angelico maal on läbi imbunud vaikse rõõmuseisundist. Sellega on täidetud ka meistri mitmefiguurilised teosed, näiteks Firenze Sant' Egidio kiriku jaoks tehtud "Maarja kroonimine".

Kristus asetab taevakuninganna Jumalaema pähe krooni, inglid puhuvad trompetit, pühakud mõtisklevad aupaklikult toimuva üle. Bütsantsi taevakujutamise traditsioonist pärinev kuldne taust on siin kombineeritud reljeefsete kujunditega ning sellel altaripildil veel tunda andev keskaja vaim on ühendatud juba renessansile omase keerulise kompositsiooniga.

Pildi värvingut kirjeldavad kõige paremini sõnad Nikolai Gumiljovi luuletusest Fra Angelicost:

Ja värvid, värvid on heledad ja puhtad,
Nad sündisid sellega ja surid koos sellega välja.
On legend: ta lahustas lilli
Piiskoppides pühitsetud õli.

Predella kompositsioonides, st põhipildi allosas, esitas kunstnik Maarja kihlamise ja Maarja taevaminemise, mis on nüüd salvestatud Firenze San Marco muuseumis.

San Romano lahing
PAOLO UCCELLO
Umbes 1438. Tempera puidul. 180x323

Quattrocento kunstniku Paolo Uccello esitletud maal on üks kolmest maalist, mille ta sellel teemal maalis ja mis seisis Euroopa kunsti lahingužanri tekkes. Kõik need tööd, mille on tellinud lahingus osalenud Leonardo Bartolini Salimbeni, kujutavad 1432. aastal toimunud Firenze ja Sienese vahelise lahingu hetki.

Maalil “San Romano lahing” lööb Firenze rüütel odaga sadulast välja vaenlase armee juhi Bernardino della Charda. Valgel hobusel istudes on firenzelaste juht Niccolo da Tolentino juba ühe vaenlase pikali lükanud. Ümberringi käib lahing, “hobused ja inimesed segamini kampa”, visatakse odad ja ambid, rüütlid ja nende relvad lendavad maapinnale. Kogu stseeni pingelisuse annab seegi, et väikesesse ruumi mahub palju figuure, pealegi on kompositsiooni meelega servi mööda raam ära lõigatud, mistõttu jääb mulje, et see jääb etteantud piiridesse kitsaks.

Uccello kujutab oma tegelasi erinevates poosides. Tõenäoliselt asus ta selle oskuse harjutamiseks tööle. Vasakpoolne eemale kappav punane hobune, hall, koos temaga langenud rüütliga, valge, millel istub Firenze juht, näitavad, kuidas kunstnik tuli toime keeruliste nurkade ja perspektiiviga. Kogu stseeni dünaamilisust rõhutab koloriit, milles põrkuvad erksad puhtad värvid.

Triptühhon maagide jumaldamise, ümberlõikamise ja taevaminemisega
ANDREA MANTENA
1460–1464 Puit, tempera. 86x161,5

Andrea Mantegna on kunstnik, kelle maalikunstis oli juba mitukümmend aastat enne kõrgrenessansi algust tunda selle võimsa kunsti lähenevaid samme.

Triptühhoni tellis markkrahv Ludovico Gonzaga oma Mantovas asuva perepalee kabeli jaoks (maalija töötab selle perekonna heaks elu lõpuni). Vararenessansi kunstile omane altaripildi miniatuurne kirjutis, imeliste detailide rohkus on siin ühendatud väe ja monumentaalsusega, mis olid omased juba Itaalia maalikunsti järgmisele etapile. Selle tulemusena jätab väike maaliline altar sama mulje nagu Mantegna seinamaalingud Gonzaga palees. Ja samal ajal tahaks triptühhonit vaadata nagu ehtekarbist.

Keskosas esitas kunstnik maagide kummardamise stseeni: kivise maastiku vahel, mida ta nii väga armastas, liigub luksuslikes rüüdes inimeste pikk rongkäik. Nad lähevad Maarja süles istuvale Lapsele kummardama. Inglid lendavad ringi. Mantegna kuiv ja särav kiri paneb pildi sõna otseses mõttes särama ka tänu maalide erilisele "õhule" - täiesti läbipaistvale, haruldasele, mis võib olla ainult kõrgel mägedes. Seetõttu on kunstniku loodud maailmas näha kõik: tee kauguses ja särav loss, kuhu see viib, ja kaameli vill ja sitke rohi ja peenikesed kuldsed niidid, mis läbivad riideid. . Ja samas võib stseeni ette kujutada täisseina kabelina. Mantegna teadis seda ja kirjutas kujutatu monumentaalsuse mõju suurendamiseks nõgusale pinnale.

Stseenis “Ümberlõikamine” (paremal) maalis kunstnik hoolsalt seinakaunistused, lunettidega kompositsioonid - “Iisaki ohver” ja “Mooses ulatab rahvale lepingutahvlid”, korvi tuvidega. Joosepi käsi, kandik ümberlõikamise tarvikutega, mille poiss ülempreestri poole ulatab. Liigutav on kujund väikesest Ristija Johannesest, kes imeb oma sõrme, hoides teises käes hammustatud kuklit. Kogu see detailne stseen sobiks suurele freskole.

Ja alles kolmandas kompositsioonis - “Ascension” (vasakul) - pole peaaegu ühtegi hoolikalt kujutatud detaili, see on askeetlikum ja võimsam, selles on taas nähtav kivine maastik ja isegi pilv, millel Kristus seisab, näib olevat olema marmorist nikerdatud. Kuid nagu varemgi, on tegelaste tunded peenelt edasi antud: Maarja ja apostlite hämmastus ja lootus, kerge kurbus ja lubadus kohtuda taevas Päästja silmis.

Herakles ja Hydra
ANTONIO POLLAIOLO
1460. Puit, tempera. 17x12

Firenze Quattrocento maalikunstniku Antonio Pollaiolo väikesel maalil on kujutatud üks Vana-Kreeka kangelase Heraklese ehk Heraklese vägitegudest. Muuseumis on ka teine ​​tahvel selle müüdi teemalise kompositsiooniga. Teadlased oletavad, et mõlemad tööd on visandid kunstnik Piero Medici tellitud suurte maalide jaoks või nende väiksemad koopiad. Aga need võivad olla ka iseseisvad teosed ja siis tuleb seda enam märkida, et Pollaiolo suutis nii väikesele kujundile monumentaalsust anda.

Süžeeks võttis meister selle osa Heraklese müüdist, milles ta võitleb Lernea hüdraga, hiiglasliku maoga, millel oli palju päid ja üks neist on surematu. Kunstnik annab lahingu pinget edasi, kujutades kangelase paistes lihaseid ja meeleheitlikku näoilmet. Töö on täis liikumist. Heraklese tugevust ja väge rõhutavad kaugel allpool asuv maastik ning see, et peategelane on asetatud taeva taustale. Kuid samas paelusid maalikunstnikku selgelt kaunid ja elastsed eesriiete jooned, ussikeha, jõe looklev lint, mis loovad teoses keeruka mustri.

Federico da Montefeltro Urbino ja Battista Sforza portreed
PIERO DELLA FRANCESCA
1465. Mõlemad - puit, õli. 47x33

Justkui õhuga täidetud, jätavad selle Quattrocento kunstniku maalid samal ajal jõu ja rahu mulje. Need on Urbino hertsogi Federico da Montefeltro ja tema naise Battista Sforza portreed.

Nende näod on antud profiilis vastavalt tolleaegsele portreetraditsioonile, mis on tihedalt seotud kuulsate inimeste kujutamisega müntidel ja medalitel. Kuid ükski portreemaalija ei suutnud sellest vaatenurgast välja tuua selliseid eeliseid kui Piero della Francesca: ta andis Federico ja Battista esinemistele enneolematu suursugususe, tõstis portreteeritava esimest korda nendele kõrgustele, kus ta peaks seisma. humanismi ajastu. Tahvlite väiksusega piltide monumentaalsuse muljet suurendab asjaolu, et tausta rolli mängib kaugusesse taanduv maastik, mida näidatakse kõrgelt. Tuleb märkida, et nurk, milles Federico on kujutatud, võimaldas varjata ka kartmatu condottiere'i näo moonutatud poolt. Kuid tagaajatud profiilil, mida veelgi rohkem esile tõstab hommikumantli ühtlane punane värv, on pehme valgus- ja varjuliistud. Rahulik enesekindel pilk raskete laugude alt ning naha hellus oimukohtadel, põskedel ja kaelal annavad inimesest nii peene ja tõepärase tunde, mida hilisemal ajal levinud psühholoogiline portree alati ei anna.

Algselt olid altari uksed tänu hingedele liigutatavad, seda sai kokku voltida ja vaadata tahvlite tagaküljel Federico ja Battista triumfi stseeni portreedega. Mõlemad abikaasad, istuvad hobuvankritel, sõidavad üksteise poole. Detailselt maalitud ja valgus-õhukeskkonna ülekandmisega maastikupildis on märgata Hollandi maalikunsti mõju.

Kristuse ristimine
ANDREA VERROCCHIO,
LEONARDO DA VINCI
1470–1475. Puit, tempera, õli. 177x151

Olles peamiselt skulptor, täitis Andrea Verrocchio aeg-ajalt maalimistellimusi, mille tulemusena ei saanud ta lõpetada üht oma maali - Kristuse ristimist. Ta palus oma alustatu lõpule viia oma õpilasel Leonardo da Vincil, kes oli selleks ajaks juba suure edu saavutanud, kuigi jäi õpetaja töökotta. Kesksed figuurid ja parempoolne ingel olid juba maalitud Verrocchiole omasel viisil - kuivad, lineaarsed, oivaliste kujundite siluettidega.

Leonardo kujutas vasakul seisvat inglit, kuid ta ei kasutanud temperat, nagu õpetaja, vaid õlivärve, mis kuivavad kauem ja võimaldavad tal edasi anda pehmet chiaroscurot, ümbritsevad kujutist kerge uduga. Nii sündiski hiljem kuulsaks saanud Leonardo tehnika “sfumato”. Kunstnik maalis enda tehtud Arno jõe orgu kujutava joonise põhjal ka osa inglitagusest maastikust. Noore maalikunstniku töö avaldas Verrocchiole muljet ja sai nii populaarseks, et sellest inglirühmast tehti koopiaid.

Magi jumaldamine
LEONARDO DA VINCI
1480–1481. Puit, tempera, õli. 243x246

Selle altarimaali tellis Leonardo San Donato in Scopeto kloostri kaanonitelt, kuid see jäi pooleli, kas seetõttu, et kunstnik oli läinud Milanosse või lihtsalt loobus sellest ideest. Kuid pilt näeb välja terviklik ja kannab endas kõiki toonase meistri maali tunnuseid.

Quattrocento traditsiooni kohaselt koormas Leonardo kompositsiooni mõnevõrra üle rohkete ilmekate pooside, maastiku- ja arhitektuuridetailidega. Seda võib aga seletada asjaoluga, et Leonardo kui renessansiajastu kunstnik tundis uudishimu selle vastu, mis moodustab maailmakorra. Seetõttu mängis tema jaoks suurt rolli selline kategooria nagu mitmekesisus. Leonardo kaasaegne, kirjanik Baldassare Castiglione märkis: "... maailmakord, mida me näeme, avara taevaga, mis särab nii eredatest tähtedest ja mille keskel on maa, mida ümbritsevad mered ja mida mitmekesistavad mäed, orud ja jõed ning mis on kaunistatud nii erinevate puude ja kaunite lillede ja ürtidega – võib öelda, et see on üllas ja suurepärane pilt, mis on joonistatud looduse ja Jumala käega..."

Itaalia humanistid asetasid jumaliku universumi keskmesse. Leonardos paistab süles Kristuslapsi hoidev Mary paljude "aktiivsete" tegelaste taustal silma rahuliku poosi ja sujuva peapöördega. Kunstnik ehitab kompositsioonilise kolmnurga või täpsemalt püramiidi, mille otsas on Maarja pea. Seda tehnikat, mis andis kujutatud tasakaalu ja harmoonia, kasutati kõrgrenessansi meistrite seas laialdaselt.

Kuulutamine
LEONARDO DA VINCI
Umbes 1472. Puit, õli, tempera. 98x217

Leonardo töötas selle maali kallal veel Verrocchio stuudios. Noor kunstnik pidi lõpetama teiste õpilaste alustatu ja parandama oma vead. Ta tegi mitu visandit Maarja kuubist ja peaingel Gabrieli rüüdest ning nende jooniste põhjal kirjutas ümber drapeeringud, mis selle tulemusena moodustasid mahukad voldid. Seejärel värvis Leonardo peaingel Gabrieli pea ümber, muutes selle veidi kummardavaks, kuid tal polnud aega Maarja kujutist muuta, kelle poos ei tundu päris loomulik. See, kelle pintsel siin enne Leonardot käis, ei teadnud ilmselt ka kuigi hästi perspektiiviseadusi. Kuid kõik need vead näitavad ootamatul moel, kui raske oli valdada neid realistliku maali tehnikaid, mis tunduvad renessansimeistrite maalidel nii loomulikud.

Säilinud on kunstniku poolt samal ajal tehtud pliiatsi ja tindiga joonistus, millel Maarja langetas pea, kattes silmi, juuksed olid peale seotud hinnalise prossiga paelaga ja siidised kiud üle tema. õlad. Ilmselt hindas Leonardo seda peent, tema sule all sündinud poeetilist pilti nii kalliks, et maalis kuulutuse teemal eraldi väikese pildi.

Magi jumaldamine
SANDRO BOTTICELLI
Umbes 1475. Tempera puidul. 111x134

Selles mitmefiguurilises kompositsioonis esitas Quattrocento meister Sandro Botticelli Medici perekonna liikmeid, pankureid ja kaupmehi, Firenze valitsejaid ja nende lähedasi, kelle hulgas oli ka tema ise, väikest Kristust kummardava maagi kujus.

Vana-Rooma varemete seas, mis sümboliseerivad vana maailma lõppu ja uue, kristliku maailma algust, istub Madonna. Ta hoiab Beebit põlvedel, seisab taga, toetudes tema käele, Joosep ja vaatab hellalt vastsündinule otsa. Cosimo vanem Medici põlvitas Kristuse ees. Giorgio Vasari kirjutas: "Ja me näeme vanas mehes erilist väljendusrikkust, kes meie Issanda jalgu suudledes ja hellusest sulades näitab kõige suurepärasemal viisil, et ta on jõudnud oma pikima teekonna eesmärgini." Pildi esiservale lähemal on Cosimo, Piero ja Giovanni pojad. Teose kirjutamise ajaks olid nad ja nende isa juba surnud, kuid Botticelli kaasas nad pereringi kui sellega lahutamatult seotud. Mustas punases rüüs seisab ja mõtleb Piero poeg Giuliano, tema taga habeme ja mütsiga – filosoof Giovanni Argiropulo, ees sinises – teose tellija Zanobi del Lama. Vasakul seisab uhkes poosis Giuliano vend Lorenzo Suurepärane, tema kõrval poeet Angelo Poliziano, humanist ja filosoof Pico della Mirandola räägib neile midagi. Lõpuks vaatab paremas alanurgas vaatajale vastu Botticelli ise, punasesse mantlisse mässitud. Renessansiajal oli laialt levinud traditsioon kujutada end Pühakirja stseenis osalejate seas.

Medicid asutasid Firenzes nn Magi vennaskonna, kuhu kuulusid nemad ja nende kaaslased. Vennaskond korraldas kostümeeritud rongkäike: selle liikmed, kes olid maskeerunud mustkunstnikeks, kõndisid ja ratsutasid hobustega mööda linna tänavaid. Küllap leidsid need saladused oma kaja ka Botticelli maalil.

Veenuse sünd
SANDRO BOTTICELLI
1483–1485 Lõuend, tempera. 172,5x278,5

"Veenuse sünd", nagu ka "Kevad", kirjutas kunstnik Lorenzo di Pierfrancesco Medici jaoks. Selle pildi süžee põhineb müüdil, kuidas armastusjumalanna merevahust sündis. Botticelli võis leida müüdi ekspositsiooni iidsetelt autoritelt või selle töötlust õukonnas töötanud luuletaja Angelo Polizianolt.

…hõlmab
Armunud vahukomm vajub kaldale,
Ja nende taevad rõõmustavad nende põgenemise üle...
... Ja näete – jumalanna silmad säravad.
Tema ees naeratades taevas ja elemendid.
Seal, valges, kõnnivad horad kalda ääres ...

Kosta sees seisev Veenus ujub Zephyri ja Chlorise õhutusel ning Ora, üks jumalanna kaaslastest, kes hoiab teda ümbritsemas loori, tuleb talle vastu. Loori kapriissed voldid ja tuules lehvivad riided, lained merel, ranniku katkendlik joon, “laineline” kestaklapp ja lõpuks Veenuse lendlevad juuksed – kõik see loob välja veere sujuvad piirjooned. jumalanna keha ja suurendab ülima harmoonia tunnet, mida tema välimus tekitab. Veenuse pea kohal tõmbuvad tegelaste käed peaaegu kokku ja tundub, nagu varjutaks teda kaar, mida kajab kesta ümar põhi. Seega sulgub jumalanna kuju kujuteldavas ovaalis. Kui "Kevades" koosneb kompositsioon mitmest võrdse tähendusega rühmast, siis siin on Veenus keskus, mille poole kõik pürgib.

Renessansiajastu kunstnike jaoks sümboliseeris alasti Veenus, mitte riietatud, taevast armastust. Botticelli andis oma kangelannale selle puhtuse, mida austatakse kui kõrgeimat voorust, seega on pildil kummardamise motiiv. Kangelanna kaunis nägu meenutab Botticelli maalidel olevate madonnade nägusid ja seetõttu kõlab selles teoses kristlik teema läbi antiikse teema ning iidse humanismi ja kristluse kombinatsioon andis Itaalia renessansi fenomeni.

Madonna ja laps inglitega (Madonna del Magnificat)
SANDRO BOTTICELLI
1483. Puit, tempera. Läbimõõt 118

“Magnificat” on katoliku Neitsi Maarja ülistuslaulu nimi, mis antud sellele doksoloogiale esimesel real: “Magnificat anima mea Dominum” - “Minu hing ülistab Issandat”, seetõttu on pildil teine ​​nimi, mis tõlgib. kui "Madonna suursugusus". Botticellis hoiab Jumalaema pliiatsit käes, valmistudes seda tinti kastma ja seejärel raamatusse kirja panema sõnad Luuka evangeeliumist, millele on kirjutatud hümn.

Tondo kuju - ümmargune pilt - sobis Botticelli maali jaoks eriti hästi oma sujuvate, voolavate joonte, kehade kumeruste, kummardatud tegelaste peadega. Sel juhul annab kunstnik kogu kompositsioonile ümarad piirjooned, mille moodustavad Madonna ja Lapse poosid, vasakul kummardunud ingel, ülaosas kohtuvad inglite käed, kes hoiavad krooni ja asetavad selle peale. Maarja pea. Lisaks on kogu grupp asetatud ümmarguse akna taustale, ka selle taga olev maastik kõverdub kummaliselt, justkui peegeldub kumer peeglis. See on Botticelli üks lüürilisemaid teoseid, kus muusikat kehastab kompositsioon, rütm, värvid, jooned ja näoilmed.

püha allegooria
GIOVANNI BELLINI
1490–1499 Puit, õli. 73x119

Giovanni Bellini, kelle looming mõjutas kogu Veneetsia maalikunsti ja ennekõike selle meeleolu, jättis endast maha mõistatuse, mida nad siiani lahendada ei suuda: mis on maali "Püha allegooria" süžee? See abstraktne nimi anti talle, kuna keegi ei osanud sellele küsimusele täpselt vastata.

Kunstnik kujutas nn püha vestlust: troonil istuv Jumalaema on näoga pühakute poole. Nende hulgas võib eristada Paulust mõõgaga, kes ajas minema turbanis mehe, Peetrust, kes toetub balustraadile ja valvab platvormi sissepääsu, Sebastianit noolega rinnas ja Iiobit, kes palvemeelselt käed kokku pannud. Kuid "püha vestluse" kompositsioon, mis oli alati kesksel kohal, kui Bellini või teised kunstnikud selle süžee poole pöördusid, pööratakse vaataja poole ja muutub üheks esitatavaks motiiviks. Teine on beebid, kes mängivad puu all. Nende rühmas paistab silma üks, kes hoiab käes õuna, mis sümboliseerib inimeste patte. See laps võib olla Kristus, kes tuli maailma patte lunastama, ja beebid Tema ümber võivad olla hinged puhastustules, kelle eest pühakud palvetavad. Jõgi on suure tõenäosusega suvi, eraldades selle maailma elavate maailmast, mis on nähtav kesk- ja kaugemates plaanides. Seal palvetab koopas anhoriit, kiusatusi kehastav kentaur tiirleb läheduses ja veelgi kaugemal elavad inimesed oma tavalist elu.

Kuid Vene kunstikriitik Pavel Muratovil oli Bellini kohta kirjutades õigus: „Ja võib-olla pole tema maalikunsti võti niivõrd kujutatavas, kuivõrd selles, et siin on kõik läbi imbunud.<…>Me mõistame sügavat mõtisklevat meditatsiooni, millesse tema pühakud on sukeldunud, ja infantiilsete mängude kehatut peenust tumedate lehtedega müstilise puu kuldsete õuntega. Lethe magavate peegelvete taga avaneval maal tunneme ära oma palvete ja võlude riigi. Meie hinged rändavad seal kaljude üksinduses, kui uni neid vabastab ... Hommiku koidikul sukelduvad nad teist korda Lethe vetesse ja väljuvad kurbust hoides elu kaldale .

Pieta
PIETRO PERUGHINO
Umbes 1493–1494. Puit, õli, tempera. 168x176

Umbria maalikooli juhataja ja Rafaeli õpetaja Pietro Perugino lõid maalid, millel näiteks esitletavas valitseb eriline vaikus. Sõna “pieta”, mis itaalia keeles tähendab “kaastunnet, haletsust”, kasutatakse maalis ja skulptuuris, viidates stseenile, kus Jumalaema leinab süles lebavat surnud Kristust.

Pildil domineerivad kaks vastastikku tasakaalustatud kompositsioonijoont - Päästja piklik keha ja poolringikujulised kaared, mida kajab Maarja kuju. Kaar - taevavõlvi ja maailma harmoonia sümbol - toob juba oma kujuga kompositsiooni sisse tunde, rõhutades, et Kristuse ohver ei olnud asjatu. Tema näol – rahutus, Jumalaema – sügav igatsus, mis ei leia väljapääsu, ning evangelist Johannese ja tema selja taga seisva pühaku nägudel – see väljend, mida saab määratleda klassikalise joonega „mu kurbus on helge. ." Kurbus ja koos sellega lootus on tunda nii kauguses kevadisel maastikul kui ka kõike kujutatut ümbritsevas kuldses õhus.

ITAALIA KUNST:
XVI SAJAND JA HILJEM

Madonna ja laps inglite ja prohvetiga (pika kaelaga Madonna)
PARMIGANINO (FRANCESCO MAZZOLA)
1534–1540. Puit, õli. 216x132

Manerismi üks juhtivaid kunstnikke Parmigianino, vastupidiselt renessansi meistritele, otsis harmooniat teadlikult muudetud kujundites ja esemetes, mis olid piklikud ja justkui lõpmatuse poole tõmbuvad. Maali "Pika kaelaga Madonna" kirjutas meister oma sõbra õe Elena Baiardi tellimusel Parma Santa Maria dei Servi kiriku jaoks.

Kujutatavate kehad on piklikud (sellest ka selle teose teine ​​nimi) ja lainetaoliselt kumerad. See ilmneb eriti selgelt ees seisva ingli kujundis. Seda ebareaalset, maagilist tunnet, mida see teos tekitab, tugevdavad külmad pärlmuttervärvid, aga ka muuga võrreldes liiga väike Püha Hieronymuse figuur ja lõpetamata arhitektuurne taust, kas meelega või meistri surma tõttu, kus sambad osutusid mitte midagi kandvaks. Ja samal ajal omandab üksainus veerg siin erilise tähenduse visaduse sümbolina.

Ristilöömine on kujutatud vaasil ingli käes. Päästja tulevase piina ja surma teema on kehastatud ka magava lapse poosis, mis meenutab pieta ikonograafiat - Jumalaema kujutist, kes leinab surnud Kristust, keda Ta hoiab põlvili.

ITAALIA KUNST (XVI SAJAND JA HILJEM):

• Doni Madonna (Püha perekond). Michelangelo Buonarroti
• Autoportree. RAFAEL SANTI
• Madonna kuldnokaga. RAFAEL SANTI
• Sõdalane ja maamees (Gattamelata). GIORGIONE (?)
• Adonise surm. SEBASTIANO DEL PIOMBO
• Perseus vabastab Andromeeda. PIERO DI COSIMO
• Flora. TITIAN VECELLIO
• Eleonora Gonzaga della Rovere portree. TITIAN VECELLIO
• Veenus Urbinskaja. TITIAN VECELLIO
• Madonna ja laps (Madonna of the Harpies). ANDREA DEL SARTO
• Tüdruku portree Petrarka luuleraamatuga. ANDREA DEL SARTO
• Cosimo vanem Medici portree. JACOPO PONTORMO
• Õhtusöök Emmauses. JACOPO PONTORMO
• Lorenzo Suurepärase portree. GIORGIO VASARI
• Bia Medici portree. AGNLOLO BRONZINO
• Portree Toledo Eleanorist koos poja Giovanni de' Mediciga. AGNLOLO BRONZINO
• Leda ja luik. JACOPO TINTORETTO
• Madonna del Popolo. FEDERICO BAROCCI
• Bacchus.
• Iisaki ohverdus. Michelangelo Merisi Da Caravaggio
• Taavet Koljati peaga. Michelangelo Merisi Da Caravaggio
• Judith lõikas Holofernese pea maha. ARTEMISIA GENTILESCHI
• Vaade Dooge paleele Veneetsias. ANTONIO KANAL (CANALETTO)
• Felicita Sartori (?) portree Türgi kostüümis. ROSALBA CARRIERA

Madonna Doni (Püha perekond)
Michelangelo Buonarroti
1505–1506 Puit, õli, tempera. Läbimõõt 120

See töö on ainuke valminud molbertimaal, mis on meieni jõudnud Michelangelo poolt, kes keskendus skulptuurile, arhitektuurile ja freskodele. Tema monumentaalsetel seinamaalingutel sarnanevad figuurid skulptuuriga ja see pole juhus: kirjanik Benedetto Varka küsimusele, kumb on kõrgem - maal või skulptuur, vastas Michelangelo: "Mulle tundub, et maalimist peetakse paremaks, kui seda on rohkem. kaldub kergenduse poole."

Nii on "Madonna Donis" või "Tondo Donis" (tondo - ümara kujuga pilt või reljeef) välja kirjutatud Madonna, Kristuse, Püha Joosepi, Püha Ristija Johannese ja noorte meeste figuurid taustal. täpselt reljeefselt, skulptuurselt. See tunnus eristas aga kogu Toscana pildikoolkonda näiteks Veneetsia omast. Keskne rühm meenutab skulptuurset kompositsiooni: see on kompaktne ja tundub, et seda saab igast küljest ringi käia ja uurida. Selles töös on tunda ka arhitekti mõtlemist, mistõttu on kõik kujutatu stabiilne ja kindlalt ruumis “fikseerunud”.

Pildi maal meenutab monumentaalset maali, mis sarnaneb nende freskodega, mille Michelangelo esitas Sixtuse kabeli laes aastatel 1508–1512. Madonna Doni tegelaste figuurid ja kardinate voldid on lapidaarsed ehk mõeldud kaugele vaatamiseks. Jumalaema poos on sama keeruline kui Sixtuse tegelaskujude oma, justkui oleks see mõeldud mõne arhitektuuri plastilisust kordama. Ja oma ruumilise kompositsiooniga näeb tondo sügavuti välja nagu maalitud laelamp.

Ja ometi on see molbertimaal, millest annab tunnistust selle koloriit, mis koosneb sügavatest ja puhastest, monumentaalmaali puhul mitte nii vajalikest värvitoonidest ning tondo kinnine kompositsioon ja kujutatud särtsakad tegelaskujud. Nii tõestas Michelangelo, kes nimetas end ennekõike skulptoriks, et valdab vabalt molbertimaali tehnikaid ja näitas selles töös kõiki oma andeid, nagu kõrgrenessansi meistrile kohane.

autoportree
RAFAEL SANTI
1506. Puit, tempera. 47,5x33

Inspireeritud näoga noormees, noore geeniuse nägu – selline on Raphael, kes vaatab meile autoportree pealt vastu. Tema välimusest õhkub rahulikkust ja taevalikku harmooniat, mis eristab kogu kunstniku maali. Selle pildi värvimine on rõhutatult vaoshoitud - neutraalne taust, tumedad juuksed, sama kork. Tumeda riietuse ja sooja naha vahelt paistab kitsas valge särgitriip – selles kõige õhemas üleminekus kurtmustast elavatele näo- ja kaelatoonidele – kõik Raphael, kes tundis maalimise sügavaid seadusi.

Sellele väga sarnase autoportree, ainult peeglis laiali laotatud, paigutas kunstnik Vatikanis asuvale freskole "Ateena koolkond" (1508–1511) "Stanza della Senyatura": paremal, pildil. Vana-Kreeka maalikunstniku Apellese puhul on näha sama kõrge luulega täidetud Raffaeli kujutis.

Madonna kuldvintsiga
RAFAEL SANTI
1507. Õli puidul. 107x77

See on üks neist piltidest Madonnast ja lapsest koos Ristija Johannesega, mille Raphael Firenzes lõi. Selle tellis kunstnikule tema sõber, kaupmees Lorenzo Nazi, tema enda pulmadeks. Maalikunstnik kasutas siin sama kolmnurkkompositsiooni nagu teistel selleteemalistel maalidel, tänu millele omandas pilt tasakaalu ja haruldase harmoonia.

Näib, et Maarja katab Kristuse Lapse ja väikese Johannese. Tema figuuri pehmed jooned, rüü voogavad voldid, aga ka Raffaelile omaseks saanud idülliline maastik taustal, maastiku sujuvate piirjoontega, sukeldunud kergesse udusse ja sulades, täidavad pildi. rahumeeleoluga. Kuid kuldvint, Kristuse kannatuse sümbol, Ristija Johannese käes, kelle poole imik ulatab, lisab pildile murettekitava noodi. Samas väljendab Madonna õrn, langenud silmadega nägu, mida raamivad pehmed juuksed, rahulikkust, mis kandub edasi vaatajani.

Sõdalane ja maamees (Gattamelata)
GIORGIONE (?)
Umbes 1505–1510. Lõuend, õli. 90x73

Lõuendil on kujutatud condottiere Erasmo de Narni, kes elas peaaegu sajand enne maali ja sai hüüdnime Gattamelata - "armas kass". Ühiskonna madalamatest kihtidest pärit, sai temast palgatud sõdur, teenis erinevates linnades ja erinevates valitsejates, tõusis condottiere'i auastmele - kommuuni teenistuses olnud salga juhiks. Lisaks sai temast Padova valitseja ja tema Donatello ratsakuju on paigaldatud Padova peamise katedraali – Sant Antonio paavsti basiilika – lähedusse. Gattamelata kõrval oleval maalil on tõenäoliselt kujutatud tema poega Antoniot.

Giorgione ja tema järgijad moodustasid 15.-16. sajandi vahetusel Veneetsia maalikunstis terve suuna, mille tunnuseks oli kujutatud tegelaste mõtisklev meeleolu. Nii see rafineerimata välimusega sõdalane, kes on harjunud raske eluga, mis on täis riske, tardus näoilmega, nagu kuulaks ta muusikat. Tema mõõka, raudrüüd ja kiivrit tajutakse lihtsalt sümbolitena ning poiss on üle õla seisev ingel.

Adonise surm
SEBASTIANO DEL PIOMBO
1512. Õli, lõuend. 189x285

Olles Giovanni Bellini õpilane ja Giorgionest mõjutatud, võttis Sebastiano del Piombo neilt vormide pehmuse ja lüürilise meeleolu, tuues need oma maalidesse. Kuid Roomas töötades mõjutas teda ka Raphaeli kunst oma absoluutse harmooniaga ja Michelangelo, kes varustas tema tegelasi enneolematu jõuga.

Esitatud lõuendil pöördus kunstnik müüti Adonisest, kaunimast noormehest, Aphrodite armukesest, kes tapeti kuldajahi ajal. Del Piombo kujutas hetke, mil Aphrodite saab teada Adonise surmast, millest Cupid talle teatab, ja suurema osa tööst hõivavad metsas istuvad jumalused ja surev kangelane on eemal. See võte – viia kogu stseeni haripunkt teatud kaugusele, viivitada selle tajumist vaataja poolt – teravdab pildile paiskuvat ärevat meeleolu, mis kulgeb läbi tegelaste laines.

Taustal jäädvustas kunstnik vaate Veneetsiale koos Doge's Palazzo ja San Marco katedraali kellatorniga, mis peegeldus laguuni vaikses vees. Õhtune maastik helesinise taeva, kuldse päikeseloojangu, valgete puhvis pilvede taevas ning maal ja vees jooksvate varjudega täidab kõik kujutatu peene kurbusega, mida Veneetsia kunstnikele oma maalidel meeldis edasi anda.

Perseus vabastab Andromeeda
PIERO DI COSIMO
Umbes 1510–1515. Puit, õli. 70x120

Firenze kunstnik Piero di Cosimo ühendas oma töös kõrgrenessansi harmoonilised, spirituaalsed kujutised armastusega ümbritseva maailma üksikasjaliku kujutamise vastu, mille ta võttis Hollandi maalikunstnikelt.

Esitatud maalil, mis on maalitud loovuse hilisel perioodil, kasutas meister Vana-Kreeka müüti Perseuse päästmisest Andromeeda. Naastes pärast Gorgon Medusa võitmist, nägi kangelane kivi külge seotud tüdrukut. See oli Andromeda, kelle tema kodumaa elanikud ohverdasid merekoletisele, kes sõi inimesi, et temast lahti saada. Perseust oma tiibadega sandaalides ja ta nähtamatuks muutnud võlukiivris on pildil kujutatud kahel korral – mere kohal lendamas ja koletise seljas seismas, mõõka vehkimas. Vasakul on Andromeeda piinatud ja hirmunud inimesed peidus, kes katavad end mantlitega, paremal aga lõbutsevad ja lehvitavad loorberioksi, ülistades kangelast.

Erinevate aegade sündmuste kaasamine kompositsiooni ja nende muinasjuttu meenutav tõlgendus annavad tunnistust veel mitte iganenud eelmise sajandi traditsioonidest - Quattrocentost, kuid figuuride pehmed piirjooned ja kauguses laialt avatud maastik viitavad see teos loodi kõrgrenessansi ajastul.

Flora
TITIAN VECELLIO
Umbes 1515–1517. Lõuend, õli. 79,7x63,5

Selle üle, keda on kujutatud kõrgrenessansi Veneetsia kunstniku Tiziani maalil, on nad pikka aega vaielnud. Kunagi arvati, et tegemist on kunstniku Palma vanema tütrega ja teos ise omistati talle, siis, kui see taas Tiziani teoseks tunnistati, jätkusid vaidlused maali kangelanna üle. Idee samastada tabatud neiut Rooma lillejumalanna Floraga pakkus välja tema käes olnud kimp. Ja kogu selle noore, õitsva, unistava, voogavate juustega, ühelt õlalt langevas valges särgis olendi välimus on tõesti seotud iidse jumalannaga.

Samas on see portree veneetslasest, kel on tolle aja moe järgi kuldsed juuksed ja hele sametine nahk. On täiesti võimalik, et noor Tizian maalis ta, fantaseerides antiikaja teemal, ja tulemuseks oli elav, täisvereline ja samas reaalsusest kõrgemale tõstetud pilt.

Eleonora Gonzaga della Rovere portree
TITIAN VECELLIO
1536–1537 Lõuend, õli. 114x103

Tavaliselt oli Tizian, luues mütoloogilistel ja kristlikel teemadel maale, aga ka fantaasiaportreesid nagu Flora, pildiliste vahenditega vaba. Kuid õilsaid inimesi kujutades näis temast muutuvat ilmalik inimene, kes ta elus oli. Armastades elu ja teades, kuidas seda nautida, teadis ta sellest hoolimata hästi, millised on etiketi põhimõtted. Seetõttu on portreel esiteks tseremoniaalses poosis istuv ja luksuslikku riietust riietatud aristokraat Itaalia aadlisuguvõsast. Kunstnik andis hoolikalt edasi nii sameti rabeduse kui kulla sära ja pitsi õhulisuse.

Tizian rõhutab Eleanori väärikust ja tema kaudu - tema voorust, see kontseptsioon oli renessansi jaoks oluline. Modelli nägu on lärmitu ning ainult õrn õhetus valgel nahal ja pruunid silmad, mis helendavad intelligentsist ja jõust, elavdavad seda ning võimaldavad tunnetada naise iseloomu, kes eksisteerib oma klassi ettekirjutatud piirides. Kui vastab tõele, et Eleanor oli Tiziani muusana maalides selliseid maale nagu "Karvakepiga tüdruk" ja eriti "Urbino Veenus", siis võib ette kujutada selle maalikunstniku võimaluste ulatust: ta suutis välimusest fantaseerida. naistest, kes talle meeldisid, ja maalida rangeid tseremoniaalseid portreesid.

Veenus Urbinskaja
TITIAN VECELLIO
1538. Õli, lõuend. 119x165

Tiziani loomingus sageli esile kerkinud iidne teema võimaldas sellel rõõmsal veneetslasel lõuendile visata kogu oma imetluse maailma vastu ja võime hinnata selle ilu. Meister armastas antiiki kui midagi elavat ja asetas seetõttu kreeka või rooma mütoloogia tegelased julgelt kaasaegsesse keskkonda.

Tema "Veenus", mille omandas Urbino hertsog Guidobaldo dela Rovere ja sai seetõttu oma praeguse nime, esindab noort veneetslast, elava ilme, õrna keha ja kuldsete juustega kaunitari. Tema kehahoiak meenutab klassikalist "Venus Pudiku" tüüpi, see tähendab "häbelikut", kuid see tüdruk, kui veidigi piinlik, on oma ilust täiesti teadlik. Pildil kajab Dresdeni kunstigaleriis hoitav Giorgione magav Veenus, kuid jumalanna maski Tizianil on rohkem sensuaalsust. See tundlikkus on aga petlik. Kunstnik valis ruumi, kus kõik hingab tugeva kodu mugavust: taamal otsib neiu rinnast midagi, teine ​​vaatab teda ootusärevalt. Aknal seisab mürt - abieluelu sümbol, voodile laotakse valged linad ja loobitakse valgeid patju, mis kõnelevad nendel lamava naise puhtusest, kelle jalge ette kõveras pühendumust sümboliseeriv koer. Seega tuleb pildi varjatud tähenduses mõista abieluarmastust.

Madonna ja laps (Madonna of the Harpies)
ANDREA DEL SARTO
1517. Õli, lõuend. 207x178

Andrea del Sarto töötas ajal, mil renessansi maalikunst oli haripunktis, nii et kunstniku töö kannab endas kõiki selle kunsti tunnuseid. Eriti ilmnes see maalide kujutiste harmoonias, ülevuses. Kuid samal ajal on meistri töödes nähtavad juba tärkava maneerilisuse märgid: piklikud figuurid, ilmne “lavastatud” stseen, pooside ja žestide allajoonitud elegants ning vaevumärgatav “magusus”, mis märgib tegelaste välimus.

Esitletav töö on tehtud Firenze San Francesco kiriku jaoks, seega on lõuendil kujutatud ka püha Franciscust. Paremal on evangelist Püha Johannes. Maali nimi seostub pjedestaalile kõrge reljeefiga raiutud kummaliste tiivulistega. Giorgio Vasari uskus, et need on harpiad - kreeka mütoloogiast pärit koletised, naiste peaga linnud. Kuid suure tõenäosusega on see apokalüpsise jaaniussi kujutis, millele viitab ka evangelist Johannese kuju, kelle Ilmutusraamatus öeldakse: „Ja jaaniussid tulid suitsust välja maa peale ja neile anti vägi. need, mis on maistel skorpionidel” (Ilm, 9:3). Kujutades Jumalaema seismas eelseisvate katastroofide sümbolite kohal, rõhutas kunstnik tema rolli õigete päästjana.

Tüdruku portree Petrarka luuleraamatuga
ANDREA DEL SARTO
1528. Puit, tempera. 87x69

Suurejoonelisusega täidetud pildid ja lüüriline, südamlik tüdruku portree on Firenze kõrgrenessansi kunstniku Andrea del Sarto loomingu kaks poolust. Soojus ja kodusus on aga selles portrees ka sees, et meister maalis oma esimesest abielust oma armastatud abikaasa Lucrezia tütre - kasutütre Maria, kelle ta enda omana üles kasvatas.

Kaval pilgul vaatajale otsa vaadates hoiab neiu käes Petrarka armastussonettide köidet. Esimest korda puudutab ta tunde saladusi, mis teda erutavad ja kutsuvad, kangelanna tahab oma avastust varjata ega suuda seda teha, näidates kohmakalt näpuga loetavatele ridadele. Kõik see on kunstniku poolt nii täpselt tabatud, et pealtnäha tavaline süžee armunud tüdrukuga, mis tahes-tahtmata vihjab tema kõrgendatud sisemisele seisundile, kutsub vaatajas esile sooja ja aupakliku meeleolu. Vähesed inimesed saavutasid Andrea del Sarto ajal noore olendi sisemaailma paljastamisel sellise sügavuse.

Cosimo vanem Medici portree
JACOPO PONTORMO
1519–1520. Puit, õli. 86x65

Selles Jacopo Pontormo varases töös on juba märke manierismist, mille üheks rajajaks temast saaks. Kunstniku köitis just pildi viis, see tähendab, kuidas see oli kirjutatud.

Cosimo vanem Medici portree loodi enam kui pool sajandit pärast seda, kui suri Medici dünastia rajaja, Firenze valitsejaks saanud pankur ja kaupmees. Inimese postuumsel kujutamisel võiks meister anda endale veidi vabadust.

Portree tellis Urbino hertsogi sekretär Lorenzo Medici, üks Cosimo järeltulijatest, tõenäoliselt tema poja sünni jaoks. Cosimo istub tugitoolis, tema ees on loorberipuu oks, perekonna embleem, mille ümber lookleb paberlint Vergiliuse Aeneise salmidega. Kujutatava ja näo kumerdunud õhukeses figuuris on tunda tormistest aastatest tekkinud väsimust, käed, nagu need, kes on harjunud käskima ega taha võimust lahku minna, on kokku surutud. Cosimo punane rüü, mis paistab tumedal taustal, toob lõuendile murettekitava noodi ja annab edasi draamat, mis märgib inimese seisundit.

Õhtusöök Emmauses
JACOPO PONTORMO
1525. Õli, lõuend. 230x173

Sellel pildil kujutab Jacopo Pontormo Luuka evangeeliumis kirjeldatud hetke, mil ülestõusnud Kristus, kes ilmus Emmause teel kahele oma jüngrile ja keda nad ära ei tundnud, nõustub nendega õhtusööki jagama: “ Ja kui Ta oli koos nendega pikali, siis, võttes leiba, õnnistas, murdis ja andis neile. Siis avanesid nende silmad ja nad tundsid Ta ära” (Luuka 24:30).

Maalikunstnik kujutas Kristust ülejäänud stseenist pikemana, kuid Ta on vaatajaga samal tasemel ning põrand, laud ja tema selja taga istuvad tegelased on veidi pealt näha. Sellest lähtuvalt tõmmatakse kogu kompositsioon sõna otseses mõttes Päästja kuju juurde. Pontormo tõi oma loomingusse sisse igapäevase žanri jooned, mis on märgatavad õpilaste poosides, viisis, kuidas üks neist valab veini ja teine ​​hoiab käes leiba. Kuid Kristuse pea kohal on kõikenägev Jumala silm kujutatud säraga ümbritsetud kolmnurgas, mis sümboliseerib Kolmainsust ning see toob vaataja tagasi pildi juurde selle üleva plaani juurde.

Lorenzo Suurepärase portree
GIORGIO VASARI
Umbes 1533–1534. Puit, õli. 90x72

Arhitekt, kunstnik ja esimene itaalia kunsti ajaloolane Giorgio Vasari maalis selle portree Alessandro Medici tellimusel palju aastaid pärast sellel kujutatud isiku surma.

Lorenzo Suurepärane oli Cosimo vanem Medici lapselaps ja koondas kogu võimu Firenze üle tema kätte, kuid samal ajal patroneeris kunstnikke ja luuletajaid ning kirjutas ise luulet. Tema valitsemisaeg oli Firenze kunsti "kuldaeg". Kuid see portree kujutab väsinud välimusega, mõtlikku meest, kes on ükskõikne nii kuulsuse kui ka rikkuse suhtes, millele punane rahakott vihjab, ja isegi selle suhtes, et ta kuulutati "kõikide vooruste anumaks", nagu näitab kiri taga. Vasari väljendas pildil igatsust aja järele, mil valitseja hinges kõlasid maal, luule ja humanistide sõnad.

Vene kunstikriitik Pavel Muratov kirjutas Lorenzo kohta sellisena, nagu ta oli oma allakäiguaastatel: „Siis hingas Firenze veel temaga kaasa; ta muutis tema pildi rikkumatuks. Isegi järgmiste põlvkondade meelest tundus Quattrocento Firenze, Lorenzo Suure Firenze olevat iidse jumaluse ilming mehes, kes külastas Itaalia maad. Lihtsalt tema poole pöördumine oli meeliülendav. Kui pool sajandit hiljem ... Giorgio Vasari Lorenzo portree nüüd Uffizias üles võttis, ärkas temas kummaliselt ellu vana Firenze geenius ... "

Bia Medici portree
AGNLOLO BRONZINO
1542. Puit, tempera. 64x48

Medici hertsog Cosimo I heaks töötanud Agnolo Bronzino, nagu paljud õukonnamaalijad, püüdis portreedel edasi anda mitte niivõrd inimese sisemaailma, kuivõrd nende inimeste tunnet, keda ta nende kõrgest positsioonist tabas. Siit ka - tema kujutatud inimeste mõningane eraldatus. Kuid esitletud portreel on tüdruk, hoolimata oma kehahoiaku pidulikkusest ja pisut “suletud” näoilmest, täis võlu, nagu iga laps. Samal ajal õhkub temast teatud kurbust. Võib-olla on tõsiasi, et see on postuumne portree Cosimo I tütrest Biancast, keda hakati kutsuma Biyaks. Ta sündis enne isa abiellumist Toledo Eleanoriga naisest, kelle nime teadsid ainult hertsog ise ja tema ema. Biya suri lapsena, tema isa tellis Bronzinost portree ning kunstnik maalis punakate priskete põskede ja täiskasvanuliku pilguga väikese tüdruku, kes näiliselt vaatas vaatajale otsa, aga ka temast mööda.

Portree Toledo Eleanorist koos poja Giovanni de' Mediciga
AGNLOLO BRONZINO
1545. Õli, lõuend. 115x96

Agnolo Bronzino oli vaibuva kõrgrenessansi sisikonnas tekkinud manerismi esindaja. Manerism seadis kunsti loodusest kõrgemale, siit ka teatud külmus, mis kunstniku töödest õhkub. Samas on tema portreed täis neid teadmisi inimese kohta, mis on kättesaadavad vaid suurtele meistritele.

Toledo Eleanor, Napoli asekuninga tütar ja Cosimo I de Medici naine, ja tema lapsed Bronzino kirjutasid rohkem kui korra, kuid see portree on võib-olla parim. Teda esitletakse siin Toscana valitsejana. Naine on riietatud kuldse tikandiga hõbebrokaadist luksuslikku kleiti, peas on pärlivõrk, rinnal pärlikeed, nägu on valgendatud ja irduva ilmega. Kuid lihav beebi, keda Eleanor kallistab, paneb oma tiitli unustama ja nägema, et me oleme ennekõike ema (ta sünnitas üksteist last), kes armastab oma last ja muretseb tema pärast. Bronzino märkas naise välimuses emalikku ärevust, mida ta ei suutnud isegi etiketi pärast varjata. Selgub, et kogu hertsoginna luksuslik riietus on omamoodi segaja, mis paneb vaataja teisejärgulistele asjadele vaatama, et hiljem Eleanori pilguga kohtuda ja mõista, et selle pildi on loonud kunstnik, kes inimest sügavalt mõistis.

Leda ja luik
JACOPO TINTORETTO
1555. Õli, lõuend.162x218

See Veneetsia maalikunstnik lõi suured lõuendid, kus tegelaste poosid ja žestid on keerulised ja väljendusrikkad ning valgus võitleb pimedusega. Sel juhul pöördus Tintoretto iidse müüdi poole sellest, kuidas Zeus ehk roomlaste seas Leda ilust lummatud Jupiter ilmus talle luige kujul. Vana-Rooma poeet Ovidius kirjutas Heroideses:

Mida meenutada ojade valge sulelise linnu petmisest
Ja kurvastada, et Jupiteri luik endasse peitis?

Süžee oli Itaalia kunstnike seas populaarne tänu võimalusele anda edasi sensuaalse armastuse varjund, kujutada naise kaunist alasti keha ning tuua pildile lõpuks eriline plastilisus. Tintorettos ulatab luik käe Ledale, kes ise meenutab seda graatsilist lindu. Legendi järgi toimus tegevus Evrose jõel, kus Leda suples, kuid kunstnik kolis stseeni rikkaliku Veneetsia maja tuppa. Kaunitar lamab voodil, tema taga on sametkardin, mis annab kehale valget värvi ning rõhutab selle siledust ja õrnust. Vasakul on sulane, kes, teadmata, mis luik see on, kavatseb teda puuri panna. Neiu tegevus, kellest Leda oma armukese sulgeb, võimendab pildil olevat salapära hetke.

Madonna del Popolo
FEDERICO BAROCCI
1575–1579 Lõuend, õli. 359x252

Baroki päritolu on selgelt näha Federico Barocci maalil, kes lõi suured emotsionaalselt ekspressiivsed lõuendid paljude tegelaste ja keeruka kompositsiooniga. See kunst õitses paavstlikus Roomas vastureformatsiooni ajastul, mil katoliku kirik püüdis oma positsiooni igal võimalikul viisil tugevdada ja soovis võimsat maali, mis usklikke meeldiks.

Barocci kujutab Kristust, kelle ees Jumalaema põlvitab ja palvetab Poja poole inimkonna eest (sellest ka maali nimi: “popolo” itaalia keeles tähendab “rahvast”). All tunglevad igasugused inimesed: invaliid, pime pillimees, lastega aadlidaam, lihtne naine lapsega. Pildil leidis vastukaja ka “seitsme halastusteo” teema, mis katoliku kiriku õpetuse järgi viivad päästmiseni. Seetõttu on siin kujutatud näiteks rikkalikult riietatud poissi, kes annab vaestele almust.

Kogu pilt on täis liikumist, taustal olev arhitektuur nihkub ruumis kummaliselt, jättes mulje millestki illusoorsest. See joon oli iseloomulik ka manierismile – suunale, millest kasvas välja ka barokk.

Bacchus
Michelangelo Merisi Da Caravaggio
Umbes 1595–1597. Lõuend, õli. 95x85

Baroki päritolu juures seistes maalis Caravaggio selle pildi suhteliselt rahulikul eluperioodil. Sellest ka teemavalik - kreeka veini- ja lõbujumal Bacchus, kelle pildil näitas meister loid pilguga noormeest, kes vaatajale hellitavalt veiniklaasi ulatas.

Tema tugevast lihaselisest kehast kiirgab tervist, põskedel mängib õrn põsepuna, lihavad huuled on mahlakad ning lõuendi värv jätab piduliku tunde. Kuid Bacchuse ees olevas vaasis pole vili nii värske: õun on mäda, selle peal on ussiauk. Ja kangelasepärja viinapuu lehed juba närbuvad. Caravaggio ei kartnud kujutada elu sellisena, nagu see on, ta tundis teravalt selle varjatud draamat, mis kajastus tema hilisemas kunstis, mis mõjutas kogu Euroopa maalikunsti. Kunstnik pöördus taas kord tagasi rõõmsameelse muinasjumala teema juurde, kuid maalis ise oma kuju järgi, haigusest füüsiliselt ja vaimselt kurnatud (lõuend “Sick Bacchus”, hoiul Borghese galeriis Roomas).

Iisaki ohverdamine
Michelangelo Merisi Da Caravaggio
1601–1602 Lõuend, õli. 104x135

Caravaggio loomingus kasvav draama avaldus esitletavas teoses täielikult, seda enam selle süžee tõttu. Maal on maalitud kardinal Maffeo Barberinile, kelle eestkostet kunstnik nautis. Ta kujutas hetke, mil piiblivanem Aabraham kavatseb vastavalt käsule ohverdada oma poja Iisaki, et teha kindlaks oma usu sügavus, Jumal.

Caravaggio suutis kõige lühema aja jooksul ära hoida mitu tegelaste sooritatud intensiivset tegevust: isa, hoides käega kinni seotud poja pead, tõstis tema peale noa, poeg karjub hirmust, kuid Jumala saadetud ingel peatab Aabrahami ja osutab talle ohvrioinale. Pilt on emotsioonidest nii ülevoolav, et isegi ingel näib murelikuna ning mureliku pilguga tall tõmbab pead, justkui anuks, et teda Iisaku asemele pandaks. Horisontaalselt lahti rulluv kompositsioon venitab ajas kõiki tegelaste tegevusi, sundides nii neid kui ka vaatajat siin esitatavat draamat veelgi tugevamalt kogema. Ega asjata iseloomustas barokkmaali, mille esivanemaks ja üheks eredamaks esindajaks oli Caravaggio, just kirgede pinge.

Kuid kunstnik ei kujutanud ainult inimkogemusi konkreetsel hetkel - ta läks kaugemale, süvendas neid psühholoogiliselt. Niisiis peegeldab Aabrahami nägu tema sees võitlevat tulihingelist usku ja isalikku armastust. Taamal olev hämarusse sukeluv maastik suurendab dramaatilisust, kuid mäel asuv linn ja hele taevakaugus rõhutavad peagi saabuvat õitsengut.

Taavet Koljati peaga
Michelangelo Merisi Da Caravaggio
1605. Õli, lõuend. 222x147

Bologna koolkonna kunstnik, kus akadeemilisus õitses, Guido Reni sai samuti Caravaggio mõjutusi. Ta aktsepteeris meistri veendumust, et kunst peab olema võimalikult reaalsuslähedane, mistõttu pole vaja karta kujutada ka ebameeldivaid või hirmutavaid asju. Seda kirgliku, realistliku maalikunsti ja akadeemilise maneeri sünteesi kehastas Reni maal Taavet Koljati peaga.

Karavaggismi üheks tunnuseks oli kontrastne valgustus, mida kunstnik siin kasutab, kuid tema valgus pole nii soe kui Caravaggio oma, vaid pigem külm. Piibli karjane Taavet, kes hiiglase alistas, seisab graatsilises poosis, sulega mütsis ja vaatab eemalt vaenlase naturalistlike detailidega kirja pandud pead. Traditsioon kujutada Taavetit kauni noormehena kinnistus Itaalia kunstis juba 15. sajandil, mille näiteks on Donatello kuju. Kuid kontrast noore, õitsva, elu ennast kehastava kangelase ja tapetud hiiglase kohutava pea vahel, millel Reni looming põhineb, oli iseloomulik manerismi- ja akadeemilisuse kunstile.

Judith lõikas Holofernese pea maha
ARTEMISIA GENTILESCHI
1620. Õli, lõuend. 199x162,5

Orazio Gentileschi tütar, Caravaggio koolkonda kuulunute parim tütar Artemisia Gentileschi päris selle suundumuse kõik omadused. Need ilmusid esitatud pildil.

Lõuendiks valis kunstnik hetke, mil Iisraeli naine Judith, kes võrgutas Assüüria komandöri Holofernese, kelle armee tema kodulinna piiras, ta tapab. Gentileschi kujutab verist stseeni hirmutavate detailidega: neiu üritab hirmust häiritud Holofernest kinni hoida ning Judith haarab tal juustest ja torkab mõõga tera talle kaela.

Caravaggio maali, millel oli kujutatud ka Judithit ja Holofernest, Taavetit Koljati peaga, eristas intensiivne draama. Selle meistri mõju selgitab nii Gentileschi maali keerulisi poose kui ka eredat valget valgust, nagu välgusähvatus, mis kisub pimedusest figuure välja. Nagu tema kirjavahetuse õpetaja, kujutab Gentileschi oskuslikult inimkeha, mõnikord tugevat ja pinges, nagu Judithi käed, mõnikord pehme ja juba peaaegu loid, nagu Holofernese õlad ja jalad.

Ümber nähtamatu telje arenev kompositsioon, tegelaste pealesurutud emotsioonid, kujutatule omane teatav teatraalsus on barokkkunsti märgid, milles kunstnik ennast näitas.

Vaade Dooge paleele Veneetsias
ANTONIO KANAL (CANALETTO)
Enne 1755. Õli lõuendil. 51x83

18. sajandi Veneetsias olid populaarsed veduta ehk linnavaadete kujutised. See traditsioon sai alguse 15. sajandi kunstnike Gentile Bellini ja Vittore Carpaccio kunstist. Aga kui nende jaoks olid samaväärsed nii inimene kui linn, siis Veneetsia plii meistritele saab linn peamiseks. Selle žanri üks parimaid esindajaid on Canaletto. Talle meeldis joonistada tohutut ruumi, kuhu Veneetsia mahtus vee ja taeva vahele, ning kujutas sageli laguuni, San Marco katedraali, Dooge paleed. Sellel pildil olevad hooned peegelduvad vees ja "vaatavad" taevasse. Kui teine ​​juhtmeister Francesco Guardi, näib lõuenditel olevat kõik kanalite ja lähedalasuva mere niiskusest küllastunud, siis Canaletto kolm elementi – vesi, maa ja õhk – on samaväärsed. Tema maa ei ole raputav riba veepiiril, arhitektuur näib end pidulikult paljastav ja kõike ühendab taevast valguv kuldne valgus Serenissima õnnistatud maale – "kõige säravamale", nagu Veneetsiat kutsutakse. .

Felicita Sartori (?) portree Türgi kostüümis
ROSALBA CARRIERA
1730. aastad. Paber, pastell. 70x55

Rosalba Carriera maalitud portreed kannavad oma peene värvi, valguse ja õhuga kõiki Veneetsia maali tunnuseid. Kunstnik on üks rokokoo stiili esindajatest, mille eripäraks on heledad, poolläbipaistvad (Carriera jaoks – tänu pastelltehnikale) toonid ja mängulised süžeed. Tegelikult oli kogu XVIII sajandi Veneetsia maal oma struktuurilt lähedane rokokoole. Selles, nagu selles valguskunstis, on palju karnevali: pärast seda, kui Veneetsia lakkas mängimast üht peaosa Euroopa poliitilises teatris, muutus ta ise üha enam teatriks, kummituslinnaks, kus maskeraad hakkas välja nägema kui loomulik ajaviide. Pildil olev neiu, kes on riietatud Türgi kleiti ja mask käes, on osa sellest karnevalist.

Pärlmutter, roosa, sinine on rokokoomeistrite ühed lemmikvärvid. Ka modelli kehakõverus, peapööre ja külgpilk on tüüpiliselt rocaille’d.

HOLLANDI, HOLLANDI JA FLANDIA KUNST

autoportree
Rembrandt Harmens Van Rijn
Umbes 1639. Õli puidul. 62,5x54

Rembrandt oli uue Euroopa maalikunsti kunstnik, kes püüdis tungida inimhinge sügavustesse, mistõttu ta maalis nii palju autoportreesid, justkui rääkides iseendaga. Nooruses, olles veel õnnelik ja isegi hoolimatu, meeldis talle kujutada end riietuna ja kergelt poseerimas. "Rembrandtile meeldis ehtsa näitlejana riietuda," ütles prantsuse kirjanik ja kunstnik Eugene Fromentin. - Ta pani selga turbanid, sametbaretid, viltkübarad, kamisoolid, vihmamantlid... Ta kinnitas juustesse ehteid, pani kaela kividega kuldketid. Kuid samal ajal püüdis kunstnik tungida inimese saladuse saladusse, mis ilmneb ka selles “Autoportrees”.
Ennast õitsema joonistades püüdis meister lõuendil hoida noorust ja ilu, sest need mööduvad. Inimene sellisena, nagu ta on – nõrk, aja meelevallas ja samas tugev, samas kui ta tunneb endas elurütmi – see on Rembrandti maali põhiteema.

HOLLANDI, HOLLANDI JA FLANDRIA KUNST:

• Asend kirstus. ROGIER VAN DER WEYDEN
• Karjaste kummardamine (Portinari altar). HUGO VAN DER GUS
• Püha Benedictus. HANS MEMLING
• Kuulutamine. MATTHIAS STOMER
• Isabella Branti portree. PETER PAUL RUBENS
• Orleansi hertsoginna Marguerite of Lorraine portree. ANTONIS VAN DYCK

Asend kirstus
ROGIER VAN DER WEYDEN
Umbes 1450. Õli puidul. 100x96

Hollandi vararenessansi kunstnik Rogier van der Weyden suutis oma maalil kujutada erinevaid inimlikke meeleolusid. Esitletud altarimaal, mis loodi tõenäoliselt Itaalia-reisi ajal, andis maalikunstnik edasi sügavaid kannatusi ja riietas selle samal ajal imelistesse värvidesse ja joontesse.

Arimaatia Joosep ja Nikodeemos, varjates kõigest jõust oma meeleseisundit, kannavad Kristuse kõhna ja kõhna ihu haua juurde; John kummardus Tema kätt suudlema; Maarja Magdaleena põlvitas ehmunult, piinatud näoga Jumalaema hoiab õrnalt oma Poja kätt. Tugev religioosne tunne, mis Rogier van der Weydeni pintslit juhtis, valgustab siin kõike ja seepärast annab ta kõigele vaatamata dramaatilisele stseenile ilu. Näiteks Johni poosid on graatsilised, žestid sujuvad, värvid puhtad ja vaim on püütud kaugelt päikesepaistelisest maastikust.

Prantsuse ajaloolane ja filosoof Hippolyte Taine kirjutas tolleaegsete Madalmaade kunstnike kohta: "Pöörake tähelepanu nende ebatavaliselt rikkalikele ja erksatele värvidele, puhastele ja võimsatele toonidele ... lillade rüüde suurepärastele katkestustele, pikkade voolavate taevasiniste süvenditele. rüüd kuni eesriieteni, roheline nagu heinamaa, mida läbivad päikesekiired ... võimsasse valgusesse, mis soojendab ja kullab kogu pilti ... "

Karjaste jumaldamine (Portinari altarimaal)
HUGO VAN DER GUS
Umbes 1476–1478. Puit, õli. 253x588

Põhjarenessansi meister Hugo van der Goes suutis oma töödes peegeldada ümbritsevat maailma koos kõigi selle detailidega ja samal ajal vaadata kujutatut renessansile omaselt kõrguselt. Kunstnik tundis siirast huvi maalitud inimeste sisemaailma vastu ja kirjeldatud kvaliteet oli looduses renessanss. Kõik see avaldub eriti täielikult esitatud triptühhonis.

Altar on pühendatud karjaste kummardamisele Kristuslapsele, külgtiibadel on kujutatud annetajaid - Tommaso Portinarit, tema abikaasat Maria Baroncelli, nende lapsi ja pühakuid ning tiibade tagaküljel on kuulutus. Itaalias Tommaso Portinari, kes juhtis Medici pangakontorit Belgias Brugge linnas, tellis selle altarimaali Firenze Sant'Egidio kiriku jaoks.

Altari põhiosa moodustab avar ruum, mille keskmes asub Kristus-laps, mis näeb Jumalaema, Joosepi ja karjaste kujudega võrreldes eriti väike välja. Itaalia meister oleks sel juhul maalinud priske ja suure lapse, et rõhutada tema ebaharilikku päritolu, kuid hollandi kunstnik on elu reaalsusele truu, seetõttu on Van der Goesi altaripildil vastsündinud beebi väike, ta. on vaevu sündinud inimese udune välimus ning käte ja jalgade nõrgad liigutused. Olles kujutanud Jumalat, kes tuli maailma tillukese, liigutava lapse kujul, seadis kunstnik tööle erilise meeleolu - õrnuse.

Ta väljendab seda tunnet peenelt, kuna siin kedagi avalikult ei puudutata: Jumalaema on sukeldunud Poja mõtisklusesse, inglid hakkavad üksikasjalikult palvetama, teiste tegelaste nägudel on sügav mõtlikkus ja tõsidus. Aga muide, kui Joosepi juukseid, kes ei jõudnud erutusest siluda, loobivad usinalt palveks kokku pandud käed, impulss, milles karjased Beebi ees kummardavad, on tunda rõõmustavat šokki, mis asendub. emotsioonide kaudu kõigi nende inimeste hinges. Ja ainult üks ebaviisakas tavainimesenäoga karjastest, kellel polnud aega palveks põlvitada ja käsi kokku panna, vaatab toimuvat, avades sõna otseses mõttes imestunult suu. Kunstnik on kõigi nende detailide suhtes tähelepanelik, sest need loovad pildile meeleolu, nagu lilled vaasis esiplaanil, osaliselt murenevad ja paremal inglite tikitud rüüd ning kaunis valgusküllane maastik. taust.

Kui 1483. aastal altar üle mere Firenzesse toodi, hämmastas see neid, kes seda nägid, ja avaldas Itaalia maalikunstile suurt mõju.

Püha Benedictus
HANS MEMLING
1487. Õli puidul. 45,5x34,5

Rogier van der Weydeni õpilase Hans Memlingi looming kuulus uude perioodi 15. sajandi Hollandi maalikunstis, mis oli juba märkimisväärse itaalia mõju all, nagu on näha esitletud portreest.

Püha Benedictus on lääne kloostri esivanem ja tema kogukonna aluseks olnud harta autor. Memling kujutas Benedictust mustas kloostrirüüs, sauaga, lugemas hoolikalt Piiblit. Näib, et pühak sosistab jumalikke sõnu. Kunstnik andis selle askeedi ja eraku varjus edasi ilme, mis ilmub kirjutatu lugemisse ja imetlemisse sukeldunud inimese näole. Püha Benedictuse näo- ja käte pehme mustvalge maal paneb veelgi rohkem tunnetama tema kuju, mille vaikust ja keskendumist kajab vastu õhtune maastik akna taga.

Kuulutamine
MATTHIAS STOMER
1633–1637/1638 (?). Lõuend, õli. 113x166

Mattias Stomer oli üks neist, keda kutsutakse "karavagistideks", see tähendab itaalia kunstniku Michelangelo Merisi da Caravaggio järgija, kelle maali hollandlane võis Napolis viibides näha. Temalt võttis Stomer muu hulgas üle chiaroscuro tunnused, mida ta sellel pildil kasutas.

Neitsi Maarjat ja Talle ilmunud peaingel Gabrieli valgustab laual seisva küünla leek, mis kisub nende kujusid toahämarusest. Kõikuv valgus suurendab kogu stseeni pinget, mis on välja loetav Maarja näoilmest ja Tema žestist. Kõik Stomeri kujutatu tundub selles valguses maagiline. Kuid kunstnik, kes kasutab seda valgustusmeetodit, mitte ainult ei loo meeleolu, vaid lahendab ka puhtalt pildilisi probleeme. Tegelaste käed ja näod omandavad soojust ning tundub, et läbi läbipaistva naha on näha vere pulseerimist. Vaataja tunneb end sellele lauale väga lähedal seisvat ehk toimuva tunnistajana. Selle efekti saavutas maalimisel Caravaggio ise ja kõik, kes olid tema mõju all.

Isabella Branti portree
PETER PAUL RUBENS
Umbes 1625–1626. Lõuend, õli. 86x62

Kunstnik, kes lõi palju lõuendeid, millel valitseb külluslik liha, oli Rubens samal ajal ka parim portreemaalija. Ta kirjutas enamasti sugulastele ja mitu korda, näiteks oma esimesele naisele Isabella Brantile. Selle portree tegi Rubens vahetult enne oma surma. Pärast oma naise surma rääkis ta ühes oma kirjas temast nii: „Tõesti, ma kaotasin suurepärase sõbra ... ta ei olnud karm ega nõrk, vaid nii lahke ja nii aus, nii vooruslik, et kõik armastasid teda. elus ja leina surnuid."

Kuid kuni kunstniku truu tüdruksõber on elus, jäädvustab ta noort ja atraktiivset, elavate, intelligentsete silmade ja õrna naeratusega. Isabellast paistab nähtamatut valgust kiirgavat. Rubens ei eralda inimeses lihalikku ja vaimset: vaim hõljub läbi mateeria. Seetõttu püüdis meister igal võimalikul viisil rõhutada oma armastatu kehalist ilu, näiteks varjutas ta tema valget õrna nahka, nagu ta sageli tegi, tumeda kasukaga. Punasel taustal kajab põskedel õhetus ning kaelakee ja pits loovad kunstniku südamele kallile naisele midagi hinnalise miljöö taolist.

Orleansi hertsoginna Marguerite of Lorraine portree
ANTONIS VAN DYCK
1634. Õli, lõuend. 204x117

Anthony van Dyck kujutas paljusid kuningliku perekonna isikuid, kuid püüdis neid pühalikes poosides jäädvustada kujutatud inimeste sisemaailma.

Selle kunstniku paljudele maalidele iseloomulik vertikaalselt piklik formaat rõhutab kujutatava naise majesteetlikkust ja samal ajal rafineeritust. Valget nagu portselani varjutab Margarita nahka tume kleit ning kauni kujuga pea, kael ja sametkangast sorteerivad pikkade sõrmedega käed näevad riietuse hiilguse tõttu veelgi elegantsemad välja.

Lõuend on kujundatud mitmes värvitoonis - valge, must, helepruun, liha, seda diskreetset värvingut elavdab kõrvale lükatud punane drapeering ja vasakul pool kaugusesse laialivalguv maastikku veidi avardav. Roosid tüdruku käes võivad sümboliseerida armastust või rõhutada tema noorust ja atraktiivsust, mis on eriti nähtav isegi ametlikul portreel.

HANS HOLBEIN JUUNIOR

Hans Holbeini loodud portreesid eristab suur psühholoogilisus ja samas üldistus, mis tõstab kujutatu argielust kõrgemale.

Sellel maalil on esindatud Sir Richard Southwell, mis on maalitud ajal, mil Holbeinist sai Henry VIII õukonnamaalija. Ta teenis kohtus, oli parlamendiliige ja sõjaväelane, kes osales mitmel kampaanial. Teose neutraalne taust ja peaaegu monokroomne värvilahendus võimaldavad vaatajal keskenduda kujutatava näole. Kunstnik annab täpselt edasi kõik Southwelli välimuse detailid, aga ka tema rahuliku ja enesekindla iseloomu, mis juhtub elus palju näinud inimestega. Kuid pildi iseloom, ükskõik kui lähedal vaatajale, on temast isoleeritud: ta vaatab intensiivselt kaugusesse, mõeldes enda omale.

Oskus avada inimese hinge ja samal ajal teda pisut ülendada eristas Holbeini kui üht renessansi meistrit.

Magi jumaldamine
ALBRECHT DURER
1504. Õli puidul. 99x113,5

Saksa renessansikunstnik Albrecht Dürer tellis Saksimaa kuurvürst Frederick Tark oma Wittenbergi lossi kabelisse. Dürer oli just naasnud oma esimeselt Itaalia-reisilt, mistõttu Põhja-Euroopa maalikunsti tunnused – detailide detailirohke kujutamine, erksad, säravad värvid – eksisteerivad siin kõrvuti Itaalia maalikunsti mõjuga, mis väljendus kompositsiooni perspektiivses ülesehituses. Lisaks on pildil iidsete hoonete varemed, luues keerulisi ruumiplaneeringuid, mis oli jällegi Itaalia maalikunstile omane.

"Maagide jumaldamine" meenutab Leonardo da Vinci pooleli jäänud maali sarnasel teemal, mida hoitakse samuti Uffizis. Kuid veneetslased avaldasid Durerile otsest mõju – Andrea Mantegna kirega maalide kivikülluse vastu ning Giovanni Bellini oma kerge ja selge maalikunstiga. Dureri tegelased on aga kirjutatud talle eriti iseloomuliku psühhologismi astmega.

Kunstnik tõi kummardamise stseenisse liigutavad hetked: imik Kristus avab puusärki, kus lebab ühe maagi poolt Talle toodud kuld, uudishimuga, millega kõiki lapsi tõmbab tundmatu poole, ja vana Maag vaatab see tõsise ja inspireeritud pilguga laps, kes kallutab pead veidi ühele küljele. Nagu paljud põhjarenessansi kunstnikud, ei kaldu ka Dürer kõrvale detailist, et maagid tulid Kristuse juurde erinevatest maailma paikadest, mis tähendab, et nende hulgas võib olla ka mustanahalisi.

Vaatamata detailirohkusele on pilt täis ülevat vaimu, pehmet ja samas pühalikku meeleolu, mis oli omane selle saksa meistri maalile.

Püha Floriani märtrisurm
ALBRECHT ALTDORFER
Umbes 1520. Õli puidul. 76x67

Saksa renessansikunstniku ja Doonau koolkonna juhi Albrecht Altdorferi tööd olid osa suurest maalitsüklist, mis on nüüdseks hajutatud erinevatesse muuseumidesse ja esindavad stseene Püha Floriani elust.

Püha traditsioon räägib, et see 3.-4. sajandil elanud Rooma sõdur pöördus salaja ristiusku ja püüdis Ülem-Austria maadel kristlasi hukkamisest päästa, mille eest ta surma mõisteti. Nad sidusid talle kivi kaela ja viskasid ta jõkke. Altdorfer kujutas Florianit sillal põlvitamas, kaela ümber seotud tohutu veskikivi. Ümber tunglesid piinajad ja lihtsalt pealtnägijad. Kunstnik esitas kogu stseeni altpoolt vaadatuna, mistõttu avaneb sillaavades hingemattev maastik: jõe vesi on läbipaistev, moodustades tugede ümber keeriseid, kauged sinised mäed upuvad päikesepaistelisse udusse, ja tipus on näha loss. Maailm Altdorferi maalidel näeb maagiliselt ilus välja isegi siis, kui ta kujutab märtrisurma. Kogu stseeni kompositsiooniliselt tõstes väljendas maalikunstnik sellega Floriani tehtud vägiteo suurust ning ümberringi särav maailm rõhutab pühaku vaimset ilu.

autoportree
HANS HOLBEIN JUUNIOR
1542. Pastell paberil. 32x26

Kunstnikust sündis väike autoportree koos nappide vahenditega, mida Hans Holbein aastate jooksul üha sagedamini kasutas. Tavaliselt on tema portreedel modelle kujutatud neutraalsel taustal, kuid antud juhul on see kuldne, mis meenutab keskaegset kunsti, kus selline taust sümboliseeris taevast. See tehnika muudab kogu pildi omamoodi ülevaks plaaniks.

Holbein andis hoolikalt edasi oma välimuse üksikasju: lai nägu, kergelt kissitavad silmad, lühike kohev habe ja muud omadused. Tema pilgus on näha keskendumist, siirast huvi ja samas on see inimese pilk, kes näeb kõike ümbritsevat laia vaatenurga alt. Nii vaatavad kunstnikud maailma – nii lähedalt kui ka omaks võttes seda tohutu panoraamina.

Martin Lutheri ja Philip Melanchtoni portree
Lucas Cranach vanem
1543. Õli puidul. 16x21

Saksa renessansiajastu maalikunstnik ja graafik Cranach töötas aastaid, kuni oma elu lõpuni, Saksi kuurvürsti Frederick Targa õukonnas. Wittenbergis, linnas, millest sai tänu oma valitseja jõupingutustele üks Euroopa humanismi keskusi, sai kunstnik sõbraks saksa protestantismi rajaja ja reformatsiooni silmapaistva tegelase Martin Lutheri ja tema kaaslase teoloogi Philipiga. Melanchthon.

Meister maalis mõlemad oma sõprade portreed samas stiilis: asetas neutraalsele taustale tumedates rüüdes figuurid ja tõstis esile portreteeritavate näod. Luther, keskendunud ja resoluutne, vaatab kaugusesse, süvenes endasse Melanchthon. Kunstnik andis edasi ka igaühe füsiognoomilisi jooni: üks on lihav, pehme põskede ja kaela kontuuriga ning kangekaelse lõuaga, teine ​​õhuke, teravate näojoontega. Cranach rõhutab mõlemas ennekõike inimlikku, individuaalset algust, mis oli eriti oluline põhjarenessansi meistritele. Tänu kunstniku pühendumusele realismile võib vaataja selgelt ette kujutada, millised olid need ajalugu teinud inimesed.
Krahvinna de Chinchoni portree.
FRANCISCO GOYA

Maali piklik formaat ja taustaks tihenev tumedus annavad krahvinna figuurile erilise hapruse, mida rõhutab hele, õhuline roosade triipudega helehallikaspruuni värvi kleit ja soeng, milles justkui varitseb tuul. . Tüdruku, isegi kuningliku perekonna kehas, on tunda kurbust, läbikumavat nii tema särtsakates pruunides silmades kui ka kokku pandud kätes, mida Maria Theresa justkui meelega üritab tugevamini pigistada. Krahvinna koges siis mitte just kõige paremat aega oma elus: tema abikaasa, Hispaania valitsuse kõikvõimas peaminister Don Manuel Godoy oli imperatiivse iseloomuga, lisaks oli see mees kuninganna armuke. Goya oli krahvinnat juba maalinud ja nüüd, seda noort naist hästi tundes ja temasse kaastundlikult suhtudes, märkas ta tema sügavalt varjatud kurbust. Välisukseks mõeldud portree näitab vaatajale elavat ja võluvat inimest.
EL GRECO (DOMENIKOS THEOTOKOPULOS)
Umbes 1600. Õli lõuendil. 110x86

El Greco maal omistatakse kord manierismile, kord barokile, tegelikult ei kuulu see ühegi voolu alla. Esitatud pildil väljendub selle kunstniku viisi originaalsus.

El Greco kujutas sellel evangelist Johannest vestlemas püha Franciscusega. Johannese jalge ette on asetatud tema sümbol – kotkas ja tema käes hoiab apostel kaussi, millest roomab välja draakon. Meister meenutab siin lugu, kuidas Kristuse jünger, kes kuulutas Tema sõna, võeti kinni ja saadeti Rooma, kus talle anti tass mürki. Pärast selle joomist jäi John vigastamata. Pildil sümboliseerib käes olev kauss kirikut ja draakon, mis selles ikonograafias aja jooksul madu asendas, on usuga võidetud kurjus. Sellise usu näide on püha Franciscus.

El Greco maalile omased piklikud tegelastefiguurid meenutavad leeke küünalde kohal. Maa, mis ulatub pühakute jalge ette, rõhutab nende kujutiste ulatust ja taustaks on taevasinine tihedate pilvedega, mida mööda võiksid Johannes ja Franciscus taevasse tõusta.

Marie-Therese de Bourbon y Vallabriga portree hobusel
FRANCISCO GOYA
1783. Õli, lõuend. 82x61

Üks salapärasemaid Hispaania kunstnikke Francisco Goya töötas palju kuninglikus õukonnas, kus ta maalis ka selle portree Maria Teresa de Bourbon y Vallabrigast, tulevasest krahvinna de Chinchonist, kujutades teda hobuse seljas ja mägise maastiku taustal. . Üle taeva jooksevad tumedad pilved, nende varjud üle maa ja loodust haarab see murettekitav seisund, mis juhtub tormi eelõhtul. Kuid noor naine püüab olla kogutud ja kindlalt sadulas. Teda on kujutatud profiilis, mis annab tema välimusele teatud teravuse.

Tüdruku figuur on aga välja kirjutatud kergete löökidega, pits rinnal vahutab ja kleidi samet sädeleb. Maria Theresia nägu puudutab õhetus, ta kõik näeb välja õrn ja aupaklik, ümbritsetuna karmist loodusest koos kivise maastiku ja kiviste mägedega. Siirast inimhuvi tundnud Goya suutis isegi selles sketšilaadses pildis väljendada inimese haprust ja samas tugevust, mis tekitavad väga sooja tunde.

Šveitsis sündinud Jean-Étienne Lyotard õppis maalimist Prantsusmaal, seejärel reisis ja naasis Pariisi. Seal omandas ta patrooni Madame de Pompadouri kehastuses, kes andis Prantsuse kõrgseltskonnas tooni. Sellest ajast peale on kunstnik maalinud palju kuningliku perekonna kaunitare ja õukonnas säranud daame. Üks neist portreedest kujutab Prantsusmaa Marie Adelaide'i, kuningas Louis XV tütart.

Lyotard kujutas võluvat noort olendit, kes istub diivanil, raamat käes ja oli riietatud Türgi kostüümi. Pärast mitut Konstantinoopolis veedetud aastat meeldis kunstnikule idamaised rõivad ja ta riietus nendesse ise. Marie Adelaide'i joonistades andis maalikunstnik edasi printsessi õhukese, sametise naha ja kostüümi heleda kanga. Aknast tulev valgus langeb nii, et tüdruku nägu jääb varju ning tema põsk, väike rippuva kõrvarõngaga kõrv ja kael on valgustatud, mis muudab pildi veelgi õrnemaks ja liigutavamaks. Diivanipatjade pehmus võimendab sellel pildil valgunud õndsuse meeleolu, kuid samas tõi Lyotard oma töösse sisse mõned “vastuolud”: maskeraadiballiks riietatud Marie Adelaide istub diivanil lugemisse sukeldunud. , millest ei piisa, vastab tema ümber valgunud sensuaalsuse lõhnale. See kontrapunkt tekitab pildis kerge pinge, mis oli rokokookunstile omane.
Tüdruk süstikuga
JEAN-BAPTISTE SIMEON CHARDIN
Umbes 1737. Õli lõuendil. 82x66

Argielu luule, selle üks ja ainus hetk – sellele toetub Jean-Baptiste Chardini maal. Ta oli igapäevase žanri järgija, tõstetud filosoofilistesse kõrgustesse. Kunstnik valis lihtsad süžeed ja sundis vaatajat oma maale pikalt vaatama, justkui seda “Tüdrukut süstikuga”, kus ei paista midagi juhtuvat, vaid õrn olend, punakas ja ninaga, tardus süstik ja reket tema käes. Kangelanna näol on segaduses ja kurb ilme, justkui ei tahaks keegi temaga partneriks saada või poleks ta mängus kuigi edukas. Jääb mulje, et on näha, kuidas ta huuled värisevad ja silmad täituvad pisaratega. Peaaegu lapsekogemused kajavad vastu vaatajas, kes näeb selles žanristseenis elu ilu ja keerukust, mis väljendub pisiasjades.

Selle pildi ja veel ühe – samuti muuseumis asuva “Kaardlukuga poisi” – kohta vastas kunstniku kaasmaalane, prantsuse kirjanik Stendhal nii: “Seisin ja vaatasin neid selles õnnelikus olekus, mis võis. ainult olla..."

KIRJASTUS "DIRECT-MEDIA":

Peadirektor: K. Kostjuk
Peatoimetaja: A. Baraghamyan
Kunstitoimetaja: M. Gordeeva
Teksti autor: I. Kravtšenko
Toimetaja: S. Suvorova
Korrektor: G. Barõševa
Kujundus: P. Kallinikov
Väljaandja aadress: 117342, Moskva,
St. Obrucheva, d.34/63, hoone 1
[e-postiga kaitstud]
www.directmedia.ru