Uffizi Galéria Firenzében. A múzeum címe és leírása. Uffizi Galéria Firenzében (Galleria degli Uffizi) Uffizi palota Firenzében

"Toszkána virága" az ókorban Firenzének hívták. Még a történelmi és művészeti emlékekben gazdag olaszországi városok között is joggal tekintik ezt a virágzó várost a művészet kincsesbányának. Giotto, Michelangelo, Brunelleschi, Cellini és sok más nagyszerű építész, szobrász és festő halhatatlan alkotásai díszítik.

Az ókori firenzei paloták, templomok híres művészek freskóival, múzeumok valóban felbecsülhetetlen értékű kincseikkel régóta vonzzák a művészetértőket a világ minden tájáról. Maguk az olaszok számára Firenze a reneszánsz szimbóluma. Néhány évtizeddel ezelőtt Firenze történelmi központja le volt zárva az autók elől. Az utcák visszanyerték eredeti varázsukat, könnyebb volt elképzelni, hogyan haladt el Leonardo da Vinci és Michelangelo éppen ezek mellett a házak mellett, a hajthatatlan dominikánus szerzetes, Savanarola fanatikus tisztelők tömegében sétált... Sajnos a kérlelhetetlen idő elpusztította a követ a Dómban Tér, amelyen egyedül szeretett ülni nagyszerű Dante. De minden firenzei meg tudja mutatni ezt a helyet...

Már az ókorban sokan Firenzét tartották a legtökéletesebb városnak. Leonardo Bruni például ezt írta egy dicsérő szóval a városnak: „Nincs benne semmi rendetlenség, semmi oda nem illő, semmi ésszerűtlen, semmi ésszerűtlen; mindennek megvan a maga helye, és nem csak szigorúan meghatározott, hanem megfelelő és szükséges is. A firenzeiek nemcsak szavakkal dicsőítették városukat, nemcsak dicsérő üzenetekkel. Átalakították épületeit, tereit, utcáit, és soha nem látott luxussal ünnepelték az ünnepeket. A XIV. század közepére számos kimeríthetetlen energiával és üzleti érzékkel rendelkező család (Strozzi, Alberti stb.) emelkedett Firenze városi életének felszínére. Közülük is kiemelkedett a Medici család, akik régebben gyógyítók voltak (ezt jelenti a vezetéknevük). De a 15. század közepére a Medici bankház Firenze egyik leggazdagabb és legbefolyásosabb bankházává vált. A firenzei UVFICI Olaszország egyik legreprezentatívabb művészeti galériája. Az 1560-1585 között kormányhivataloknak épített épületben kapott helyet. G. Vasari és B. Buontalenti építészek. 1575-ben alapították a Medici család gyűjteményei alapján. A galéria a világ leggazdagabb itáliai XIII-XVIII. századi gyűjteményét őrzi. (Duccio, Giotto, P. Uccello, Piero della Francesca, S. Botticelli, Leonardo da Vinci, Raphael, Tizian stb. művei) és az európai festészet, az ókori művészet alkotásai, európai művészek önarcképeinek egyedülálló válogatása. Az Uffizi Képtár (it. Galleria degli Uffizi) egy palota vagy más néven palazzo Firenzében, Olaszországban, ahol a világ egyik legrégebbi és leghíresebb múzeuma található. Az Uffizi Képtár Firenze szívében található. Északon az épület a Palazzo Vecchio-val és a Piazza della Signoria-val határos, míg déli oldala az Ario folyó és a Poite Vecchio partjára néz.
Az Uffizi története 1559 júliusában kezdődik, amikor Firenze uralkodója, I. Medici Cosimo azt tervezi, hogy egy közös tágas palotában egyesíti a város összes közigazgatási szolgáltatását. A projekt megvalósításához Giorgio Vasari mestert hívták meg, aki 1560-ban kezdett dolgozni. Vasari azonban 1574-ben meghalt, és utódja, Bernardo Buontalenti befejezte az építkezést. 1575 óta a múzeum kialakítása az Uffizi épületben kezdődött - alapja a Medici család gyűjteménye volt.

"Bia Medici portréja

I. Cosimo lánya", 1542 Uffizi Képtár, Firenze

Cosimo I Medici páncélos portréja, 1545

Cosimo Medici Öreg néven vonult be a történelembe, és bár ő maga nem volt túl tanult, az oktatás és a művészet barátja volt. Firenze eme koronázatlan uralkodójának Pontormo művész által festett portréja a híres Uffizi Képtárban lóg. Cosimo de' Medicit nyugodt pózban ábrázolják. Egy karosszékben ül, összefont karral, és kissé lehajtott fejét oldalra fordítja a néző felé. A Medici család fejében nincs semmi ceremoniális vagy teátrális: sima vörös köntöst visel, üres gallérral és tágas ujjakkal. A portré egy vékony, középkorú férfit ábrázol, akinek intelligens, lendületes arcán szomorúság látható, ujjai szorosan összeszorulnak. Úgy tűnik, tele van gondolatokkal és aggodalmakkal, és élete távol áll a derűtől és a boldogságtól. Az Uffizi Képtár gabonáját a 15. században állította össze pontosan ez az ember - Cosimo de Medici idősebb, akit a "haza atyjának" is neveztek. Ő volt az első a Mediciek közül, aki saját pénzéből kezdett célirányosan gyűjteni festményeket és szobrokat, hogy saját palotáit és a várost is díszítse. Utódai ezt követően követték példáját, gazdagítva a gyűjteményt. A galéria alapjait I. Ferenc rakta le, aki V. Piusz pápától 26 ókori szobrot kapott, amelyeket a pápa a Vatikán számára obszcénnek minősített. Eleinte az összes gyűjtemény a Medici család kastélyában, a Palazzo Riccardiban volt, de a viharos történelmi események korszakában az összegyűjtött kincsek nagy része meghalt vagy rossz kezekbe került. Építészként Cosimo meghívta Giorgio Vasarit, lehetővé téve számára, hogy lerombolja a Piazza della Signoria melletti régi negyedeket, és felhasználja a lerombolt kőépületek töredékeit az építkezésben. A munkát kapkodva végezték, de sem Cosimo, sem Vasari nem látta a kész épületet. Az építkezés 1580-ban fejeződött be; az Uffizi épület hosszú U-alakú volt, keskeny homlokzatot hagyva a folyó felé. Nem volt teljesen eredeti, mivel több korai épületet is tartalmazott. Ide tartozik a San Pietro Sceragio templom és a pénzverde, amely 1252-ben verte az első aranyflorint. Az Uffiziben a tervezési munkákat neves művészek (köztük Allori, Bizzelli és Pieroni) végezték. A loggia dei Lanzi fölött függőkertet alakítottak ki, a második emeleten pedig színházat alakítottak ki. A palota építését 1560-ban Giorgio Vasari építész kezdte Cosimo I de Medici számára a firenzei bíró találkozóhelyeként, innen ered az ufizzi elnevezés, ami hivatalt jelent. Az építkezés 1581-ben fejeződött be. Vasari egyébként nemcsak építész, hanem művész is volt, ezért a folyosó hosszának perspektíváját hangsúlyozta, a homlokzatot hosszú tetőpárkányokkal díszítette. Az évek múlásával a palota a Medici család által gyűjtött vagy általuk visszavásárolt festmények és szobrok kedvenc bemutatóhelyévé vált. A Medici-ház hanyatlása után Firenzében maradtak művészi gyöngyszemek, amelyek az egyik első modern múzeumot alkották. A galéria a tizenhatodik század óta látogatható, de hivatalosan csak 1765-ben nyitották meg a nagyközönség előtt, mivel a Medici család utolsó képviselője teljes egészében a firenzeieknek adta át. A múzeum gyűjteményének alapját a Medici család tagjai által megrendelt vagy beszerzett műalkotások képezik. Így például I. Ferdinando egy időben megvásárolta a Medici Vénuszt, az Uffizi Képtárban található szoborgyűjtemény leghíresebb szobrát. Ide költöztette római villájából az összes kincset is. II. Ferdinánd örökölt festménygyűjteményével egészítette ki a gyűjteményt. Leopoldo bíboros is hozzájárult a múzeum létrehozásához különféle művészek csodálatos rajzainak és önarcképeinek gyűjteményével. 1737-ben, az utolsó Medici halála után mindezek a kincsek Firenze városának tulajdonába kerültek.
A 18. században az Uffizi Képtár nyilvános múzeummá vált. Az 1730-as években tudósok egy csoportja részletes (tízkötetes) leltárt készített az itt tárolt műalkotásokról. 1769-ben a múzeum megszerezte első igazgatóját. Az új adminisztráció nagy erőkkel igyekezett összegyűjteni a Medici-dinasztia különböző villákban szétszórt remekeit. Madame de Stael írónő, aki 1807-ben meglátogatta a galériát, megjegyezte: „Firenzben nagyon demokratikus a hozzáállás a képzőművészethez. Általánosságban elmondható, hogy a Medici család minden tagja hatalmas hozzájárulást nyújtott az Uffizi Képtárhoz. Leopold különösen az önarcképek gyűjteményével foglalkozott - fő beszállítója a Szent Lukács Akadémia volt, ahol sok festményt szerzett. A Medici család bölcsessége a művészet igazságos megítélésében rejlett: nemcsak régi mesterek festményeit szerezték be, hanem kortársaikra is nagy hatást gyakoroltak. Ismeretes, hogy az apátságok, ahol méltó gyűjtemények voltak, maguk tájékoztatták a hercegeket a remekművek jelenlétéről, és készségesen eladták azokat. A Mediciek sok művészt is pártfogoltak. Az Uffizi Képtár hatalmas tárgygyűjteménye volt az oka annak, hogy a nagyméretű alkotások, például szobrok más firenzei múzeumokba (Bargello és mások) kerültek. A múzeum 2006-os bővítésének részeként további helyiségek nyíltak, a kiállítási terület 6 ezer négyzetméterről 13-ra nőtt, így a látogatók első kézből láthatják azt, ami korábban csak a trezorokban volt.
A 18. században az Uffizi Képtár nyilvános múzeummá vált. Az 1730-as években tudósok egy csoportja részletes (tízkötetes) leltárt készített az itt tárolt műalkotásokról. 1769-ben a múzeum megszerezte első igazgatóját. Az új adminisztráció lendületesen igyekezett összegyűjteni a különböző villákban szétszórt Medici-dinasztiához tartozó remekműveket: Giotto, Botticelli, Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo (az Uffiziben található a híres Szent Család képével ellátott tondo). tárolják - az eszeveszett szobrász egyetlen jelentősebb festménye a Sixtus-kápolnán kívül, Caravaggio, Tizian ... Nem is beszélve az ókor művészetének csodálatos példáiról, valamint a francia alkotásokról (a legjobb művekről!), Német holland, flamand művészek... A legjobb művészek, a legjobb alkotások.
1993-ban bomba robbant a Via dei Georgofili úton, ami megrongálta a palota egy részét, és öt ember halálát is okozta. A legjelentősebb kár a Niobe teremben keletkezett, melynek neoklasszikus dekorációját és klasszikus szobrait restaurálták, a freskók többsége pedig restaurálás alatt áll. Ennek a vandalizmusnak az oka tisztázatlan maradt, az olasz maffia tevékenységének tulajdonítják.

Brunswick monogrammista

Az első emeleten régi és modern mesterek saját maguk által festett portréi találhatók. Ennek az értékes gyűjteménynek az alapját Leopold Medici bíboros rakta le, aki a római Szent Lukács Akadémián vásárolta fel a legtöbb portrét, majd kora ókori mestereinek és művészeinek portréit szerezte be. Így Michelangelo, Leonardo da Vinci, Raphael, Giulio Romano, Veronese, Tintoretto, Tizian és más festőmesterek portréiból csodálatos gyűjtemény alakult ki. A külföldi művészek közül Albrecht Durer, Rubens, Rembrandt, Van Dyck, Velasquez és más festők képviseltetik magukat itt. Az Uffizi Galériában portréik mellett Karl Bryullov „Önarcképe” is látható. Már Pétervár előtt nagy feltűnést keltett a „Pompeii utolsó napja” című képe Olaszországban, ahol Kommuchi történelmi festő és Walter Scott angol író megőrült tőle, és ahol magát Bryullovot is királyi kitüntetésben részesítették. A galériához való hozzáféréshez egy széles, de meglehetősen meredek lépcsőn kell felmenni a legfelső emeletre. A termek hosszú sorában világhírű festmények, szobrok, bronzok, cameók, érmék, érmek, rajzok és nyomatok gyűjteményei helyezkednek el különböző évszázadokból. Az egész múzeumot három oldalról átölelő hatalmas folyosó első részén rendkívül érdekes festmények sorakoznak.

Maria Teresa Valabridge

Íme a középkori imitatív ikonfestészet alkotásai, és számos komor ünnepélyes Madonna arany alapon, piros-kék ruhákban, nagy szemekkel... Ugyanebben a folyosón gazdagon képviselteti magát a XV. legjobb mesterek és másodlagos művészek. A folyosó közepén egy finoman nyíló ajtó található, szövettel és bőrrel kárpitozva. A híres Tribunához, a múzeum központi részéhez vezet. Ez a nem túl nagy, felülről megvilágított szoba a Galéria legbecsesebb szobrait, valamint különböző országokból, iskolákból és időkből származó festményeket tartalmazza.

1508. Lovag és lovag Az első emeleten régi és modern mesterek saját maguk festett portréi találhatók. Ennek az értékes gyűjteménynek az alapját Leopold Medici bíboros rakta le, aki a római Szent Lukács Akadémián vásárolta fel a legtöbb portrét, majd kora ókori mestereinek és művészeinek portréit szerezte be. Így Michelangelo, Leonardo da Vinci, Raphael, Giulio Romano, Veronese, Tintoretto, Tizian és más festőmesterek portréiból csodálatos gyűjtemény alakult ki. A külföldi művészek közül Albrecht Durer, Rubens, Rembrandt, Van Dyck, Velasquez és más festők képviseltetik magukat itt.
Az Uffizi Galériában portréik mellett Karl Bryullov „Önarcképe” is látható. Már Pétervár előtt nagy feltűnést keltett a „Pompeii utolsó napja” című képe Olaszországban, ahol Kommuchi történelmi festő és Walter Scott angol író megőrült tőle, és ahol magát Bryullovot is királyi kitüntetésben részesítették. A galériához való hozzáféréshez egy széles, de meglehetősen meredek lépcsőn kell felmenni a legfelső emeletre. A termek hosszú sorában világhírű festmények, szobrok, bronzok, cameók, érmék, érmek, rajzok és nyomatok gyűjteményei helyezkednek el különböző évszázadokból. Az egész múzeumot három oldalról átölelő hatalmas folyosó első részén rendkívül érdekes festmények sorakoznak. Íme a középkori imitatív ikonfestészet alkotásai, és számos komor ünnepélyes Madonna arany alapon, piros-kék ruhákban, nagy szemekkel... Ugyanebben a folyosón gazdagon képviselteti magát a XV. legjobb mesterek és másodlagos művészek. A folyosó közepén egy finoman nyíló ajtó található, szövettel és bőrrel kárpitozva. A híres Tribunához, a múzeum központi részéhez vezet. Ez a nem túl nagy, felülről megvilágított szoba a Galéria legbecsesebb szobrait, valamint különböző országokból, iskolákból és időkből származó festményeket tartalmazza.
Vénusz a Tribune közepén pompázik, kecsesen őszintén kecses meztelenségében. Minden egyszerű és édes benne: finom arcvonások és finom test egyaránt. Idegen tőle az istennő impozáns büszkesége és az aranyos emberi társadalom képviselőiben rejlő kacérság. Ez a fiatal, gyönyörű nő „teljesen halandó”, de a mitológiai világból érkezett, ellenállhatatlanul vidám táncba hajló faunok veszik körül, a bájos Apolló, aki a fiatalos formák lágyságával és frissességével vonz. Csak a kést szigorúan élesítő rabszolga komor alakja, bár kiválóan kivitelezett, disszonancia ennek az élénk és örömteli együttesnek.
A Tribune-ban a látogatók két Tizian Vénuszt láthatnak. Az egyik a szerző akaratából a női test ideális szépségét testesíti meg: ragyogó, de hideg. A másik, ritka színgazdagsággal és színkombinációval „történelmi műfajnak” nevezhető. Bizonyítékok vannak arra, hogy Tizian a szépség istennője leple alatt Eleanor Gonzagát, Urbino Federigo da Montefeltre herceg feleségét, „a legszebb nőt egész Olaszországban” ábrázolta. Az Uffizi Galériában található a világ egyik leghíresebb festménye - Sandro Botticelli "Vénusz születése" című festménye, N. Berdyaev orosz filozófus szerint "a legszebb, legizgalmasabb, költőibb reneszánsz művész és a legfájdalmasabb ... ".
Amíg az eszét tudja, Botticelli mélységesen boldogtalan és boldog volt egyszerre. Mint mondják, nem ebből a világból való volt. Álmodozóan félénk, logikátlan cselekedetekben és fantasztikus ítéletekben. Bízott a meglátásokban, és nem aggódott a gazdagság miatt. Nem épített saját házat, nem alapított családot. De nagyon örült, hogy a szépség megnyilvánulásait meg tudta ragadni festményein. Az életet művészetté változtatta, és a művészet igazi életté vált számára, a művész festményein „a szerelem és a szenvedély úrrá lett”. Botticelli a napsugárnál jobban bízott a szeme sugarában, ecsete pedig pontos és határozott volt. Petrarchához és Dantéhoz hasonlóan őt is vonzza, megtéveszti és inspirálja a Kép. Ez egy fiatal, gyönyörű lány képe, akit egy másik személy szeretett (Giuliano Medici). Ő maga a Szépség, a mindenható művészet királynője. És ezért olyan fájdalmas szenvedéllyel melegíti Botticelli a kezét valaki más tüzére. És ezért mondja Simonetta Vespucciról, hogy "soha nem mondtak nőt". Botticelli transzparenst készít Giuliano de' Medicinek, amikor részt vesz egy lovagi tornán. A transzparens Pallas Athénét ábrázolja, de mindenki tudja, hogy ez Giuliano szeretett Simonettája, egy fehér ruhás szépség. De az élet tönkreteszi a szépséget, a sors a szerelmet üldözi, Simonetta belehal a fogyasztásba. Halála mély bánat Botticelli számára, sok gyötrelem és szenvedés. Annak érdekében, hogy gyengítse őket, a művész mindent megörökít, és Simonetta Vespuccit megörökíti festményein. Gyönyörű ruhákba öltözteti, „réz” hajfonatát gyöngyökkel megalázza, enyhén húzós orrú orrot óvatosan rajzol, ajkán a csábítás és a titokzatos álom titokzatos mosolyát jelöli meg. Magas homloka egy látnok homlokának tűnik számára, arcának gyermekien megható kifejezése és reményt sugárzó szemei ​​a gyengédség félelmét keltik.

Mindenki, aki megnézi Sandro Botticelli Vénusz születése című filmjét, leírhatatlan varázst tapasztal. Nézd ezt a Vénuszt, ezt a félénk lányt, akinek a szemében valamiféle fényes szomorúság vándorol. A kompozíció ritmusa a teljes képen jelen van - mind a fiatal test hajlatában, mind a szélnek oly szépen tépett hajszálaiban, mind a kezei általános konzisztenciájában, a beállított lábban, a a fejét és az őt körülvevő alakokban. Sandro Botticelli számos festményén ez a szelíd, meztelen nő uralkodik, lágy vonalak ritmusából szőve, szégyenlősen eltakarva mellkasát és keblét...
A Tribuna mind a nyolc falán képek vannak kifüggesztve. Raphaelt itt a "Madonna aranypintyvel" képviseli - egy kép, amely zseniális, de magas spirituális bájjal megérinti a szívet. Tiszta, mint egy lány, egy nő-anya, aki még nem fedte fel magát teljesen nőként, a ragyogó reggel csendes ragyogásával világít meg. Képének megfelel a virágokkal tarkított mező egész tavaszi tája. A firenzei székesegyház képe pedig távoli kék hegyekkel az intimitás karakterét adja az összképnek.


Az "Aranypintyű Madonna" mellett Raffael két további munkája is látható - "Keresztelő János" és "II. Julius pápa portréja".


Ugyanebben a teremben van kiállítva Michelangelo Szent Családja. Állítólag a megrendelő habozással elfogadta ezt a festményt. A "reneszánsz titánjának" ez a szeszélyes munkája valóban teljesen idegennek tűnik a vallási tartalomtól. A Tribune több festményt is tartalmaz a Mágusok imádása témájában. A művészek szerették ezt a bibliai történetet, sokan többször is megfordultak benne. Az evangéliumi történetet arról, hogy a három bölcs ajándékokat ajánlott fel az újszülött Krisztusnak, néhányan a gazdagon öltözött tömeg ünnepi látványának bemutatására használták fel; mások lehetőséget láttak benne, hogy megmutassák az emberi tapasztalatok világát. Sandro Botticelliben például úgy épül fel a kép, hogy a Mária körül a babával tolongó alakok csoportosításában, mozdulataiban, gesztusaiban az élő érzés legkülönfélébb árnyalatai láthatóan közvetítődnek - a nyugodt, már-már hideg kíváncsiságból. viharos izgalomra és a lelkes szerelem megnyilvánulásaira. Az Uffizi Képtárban a Leonardo da Vinci és Ghirlandaio által festett Mágusok imádása is látható.


Urbino hercege és hercegnője. Piero della Francesca
Az Uffizi Képtárban található a világ leggazdagabb 13-18. századi olasz festménygyűjteménye. (Különösen a velencei és firenzei iskola művei képviseltetik magukat). Az antik, francia, német, holland, holland és flamand művészet remek példáit mutatják be. Az Uffiziben található európai művészek önarcképeinek gyűjteménye is egyedülálló. Ferdinand Magellán portréja ismeretlen szerzőtől, 17. századi Bondone (Ognissanti Madonna, 1310), Simone Martini (Angyali üdvözlet, 1333), Paolo Uccello (San Romano-i csata, Bernardino della Charda középső része leesik egy lóról, 1450-es évek), Piero della Francesco (Federico da Montefeltro herceg és Battista Urbino hercegnő portréja, 1465-1466), Fra Filippo Lippi (Madonna és gyermek két angyallal, 1465), Sandro Botticelli (Tavasz, Vénusz születése, Mágusok imádása) Hugo van der Goes ("Portinari Triptichon", 1476-1479), Leonardo da Vinci ("Angyali üdvözlet", 1472-1475, "A mágusok imádása", 1481), Piero di Cosimo ("Perseus elengedi Andromédát", 1515), Albrecht Durer ("A mágusok imádása", 1504), Michelangelo ("Tondo Doni", 1503), Raphael ("X. Leó pápa Giulio de Medici és Luigi de Rossi bíborosokkal, 1518-1519), Tizianus ("Vénusz Urbino", 1538), Francesco Parmigianino ("Madonna hosszú nyakkal", 1534-1540), Caravaggio ("Bacchus", "Izsák áldozata", "Medusa"), Andrea Verrocchio ("Krisztus megkeresztelkedése", 1472-1475).

Az Uffizi épületben a galéria mellett további fontos gyűjtemények is találhatók: a múzeumnak adományozott Contini Bonacossi gyűjtemény, a közel 120.000 grafikai alkotást tartalmazó nyomtatvány- és rajzgyűjtemény a 14. század végétől napjainkig, pl. valamint a jól ismert "Vasari folyosó" (1565-ben Vasari építette), amely összeköti az Uffizit a Pitti-palotával, és jelentős 17. századi festménygyűjteményt és híres önarckép-gyűjteményt tartalmaz. Maesta. Giotto
Angyali Üdvözlet. Simone Martini Site felhasznált anyagok

A csodálatos Firenzében sok olyan van, amely gyönyörködteti a turisták szemét, és ápolja szépségérzékét. Az egyik ilyen építmény - az Uffizi Képtár (Galleria degli Uffizi) - Firenze központjában, a Signoria tér (Piazza della Signoria) és a híd (Ponte Vecchio) között található, önként és akaratlanul is számos turistát vonzva, a véletlenül eltévedtektől kezdve. itt azoknak, akik kifejezetten azért jöttek ebbe a csodálatos városba, hogy teljes mértékben élvezhessék a világ képzőművészetének itt kiállított remekeit.

A 13 000 négyzetméter összterületű Uffizi Galéria a hétköznapi turisták és a művészet igazi ínyencei számára nyújtja az egyik legfontosabb és legnagyobb gyűjteményt, amely mind olasz, mind külföldi művészek alkotásait tartalmazza. századtól a 13-18.

A múzeumban olyan világhírű mesterek alkotásait tekintheti meg személyesen, mint (Michelangelo), (Leonardo da Vinci), Sandro Botticelli (Sandro Botticelli), (Rafael), Rubens (Rubens), Rembrandt (Rembrandt) és még sokan mások. Az Uffizi Képtár egyébként méltán nevezhető a világ egyik legrégebbi múzeumának, amelyet a 16. századi felépítése után szinte azonnal meg is nyitottak a látogatók előtt.

Galéria története

Olaszország leghíresebb galériája egy hatalmas épületben található, melynek projektje egy tehetséges építészé (Giorgio Vasari). Az Uffizi Képtár építése már 1560-ban megkezdődött személyes megrendelésre, de a dinasztia képviselője soha nem láthatta kész formában: az épületet húsz évvel később, Cosimo halála után fejezték be.

Érdemes megjegyezni, hogy az építészeti projekt befejezéséhez a szakembereknek le kellett bontani a régi negyedeket és szét kellett bontani a közeli középkori épületeket.

Amikor azonban az Uffizi Képtár teljesen elkészült, világossá vált, hogy minden áldozat nem volt hiábavaló. Az ország egyik legimpozánsabb múzeuma a Piazza della Signoria téren található a latin "U" betű alakjában, függőkertekkel és művészeti galériával körülvéve. A projekt szerzője, Vasari a művészet igazi ismerője volt, ezért ő gondoskodott a különleges tervezésről, ahol a vásznaknak kellett volna elhelyezkednie.

Több tucat évvel a grandiózus építkezés megkezdése után a Medici család végre idehozhatta büszkeségét - a világ minden tájáról gyűjtött egyedülálló festmény- és szoborgyűjteményt. A nagy dinasztia képviselői Firenzébe küldték minden remekművét. A Mediciek különös figyelmet fordítottak Sandro Botticelli művészre, aki a történészek szerint nagyon barátságos volt egy híres családdal.

Az Uffizi Képtár a mai napig őrzi ritka alkotásait. A múzeumban található az egyik leghíresebb alkotása - "Vénusz születése" (Nascita di Venere), amely csak a 19. század közepén csatlakozott az itt kiállított remekművek sorához. Beszélhetünk az emberiség történetének leghíresebb művészei által festett és az Uffiziben hosszú ideig kiállított gyönyörű festmények sokféleségéről.

Érdemes azonban megjegyezni, hogy a teljes kollekció ékköve a Medici Vénusz.

A számos festmény átvizsgálása több mint egy napot vesz igénybe. Szerencsére az összes itt tárolt alkotás több mint 50 helyiségben található időrendi sorrendben. Ennek a bölcs szervezésnek köszönhető, hogy nyomon követheti, hogyan fejlődött a művészet a 13. századtól a 18. századig, és hogyan változott a festészet és a szobrászat stílusa a bizánci korszaktól a barokkig.

Amint átlépi a múzeum küszöbét, igazi válaszút elé kerül: három előcsarnok vezet a múzeum bejáratától. Az első márvány és porfír mellszobrokat tartalmaz, a másodikat Giovanni da San Giovanni díszíti, a harmadikban római szobrok és szarkofágok találhatók. Az Uffizi Galéria egyszerűen nem csak az itt kiállított műtárgyakkal ragad magával. Milyen belső berendezése van Európa egyik leglátogatottabb galériájának!

Hasznos információk

Jegyek

Egyébként évente turisták milliói keresik fel ezt a firenzei nevezetességet. És te lehetsz az egyik szerencsés!

• 2019. március 1. és 2019. október 31. között az Uffizi teljes jegy ára: 20 € + 4 € előfoglalási díj. A kiállítások ideje alatt az árak emelkedhetnek.
• 2019. november 1. és 2020. február 28. között az Uffizi teljes jegy ára: 12 € + 4 € előfoglalás esetén. Felhívjuk azonban figyelmét, hogy a pénztár 18:05-kor zár.
• Hivatalos online pénztárak: webshop.b-ticket.com
  Megbízható ügynökségeket ellenőriztem, hogy az utolsó pillanatban vásároljanak jegyet: www.tiqets.com és www.getyourguide.ru - általában kis jutalékot vesznek fel, de ott még a főszezonban is vannak kvóták.
• Csoportos túra 1,5 órás ára 57 euró/fő, jegyekkel együtt, angol, olasz, spanyol, német vagy francia nyelven.
• Ha elmész az Uffizibe oroszul egy idegenvezetővel OLASZORSZÁG FOR ME, segít a foglalásban, a jegyek kiegyenlítésében a helyszínen.

Hogy elkerülje a sok órás sorban állást a múzeumnál, olasz nyelven foglalhat jegyeket a +39 055 294883 telefonszámon (foglalási díj 4 euró). A legkényelmesebb ezt a firenzei nevezetesség 14 óra után látogatni, amikor minden iskolai kirándulás véget ér

Cím és nyitva tartás

Az Uffizi Galéria a Firenze, Olaszország, Piazzale degli Uffizi, 6. szám alatt található, és hétfő és május 1-je kivételével minden nap megtekinthető 8:15 és 18:50 között.

Hogyan juthatunk el oda

Az Uffizi Képtárhoz tömegközlekedéssel juthat el (a Galleria Degli Uffizi - Farmacia Logge C1 megállója mellette található), vagy gyalog, ha már a városközpontban van. Egyébként, ha a gyönyörű galéria meglátogatása után is energikusnak érzi magát, vessen egy pillantást Firenze közeli látnivalóira: és a Bargello-palotára (Bargello).

↘️🇮🇹 HASZNOS CIKKEK ÉS OLDALOK 🇮🇹↙️ OSZD MEG A BARÁTAIDDAL

Világméretű látnivalókban gazdag. Az egész légkör telített történelemmel, a reneszánsz nagy mesterei jártak itt. Michelangelo és Leonardo útjai keresztezhetik egymást Firenze utcáin (egy ilyen találkozás könnyen indulatos csetepatéval végződhet, a művészek összecsaptak, és csak az idő tudta megbékíteni őket). Dante szeretett meditálni egy kövön, amely egykor a Dóm téren állt (sajnos ez a sziklatömb nem maradt fenn, kár, de itt mindenki ismeri a helyet, ahol állt). Savonarol prédikációi is ezekben az utcákban hangzottak el.

Firenze igazi gyöngyszeme az Uffizi Képtár, amely számos remek művészeti remeket gyűjtött össze.

Firenze és pártfogói

Firenzét, sok ókori várossal ellentétben, mindig is terv szerint építették, a véletlenszerűség kezdetben idegen ettől a várostól. Az épületek, utcák, terek folyamatos fejlesztése sok építészeti együttest alkotó céljává vált. Természetesen a város megjelenéséhez való ilyen hozzáállás nem nélkülözi a komoly anyagi költségeket, de általában nem a pénz volt a kérdés. A leggazdagabb firenzei családok, Alberti, Strozzi és sokan mások nem kímélték az aranyat, igyekeztek szép keretet alkotni Toszkána eme gyöngyszemének, és egyben megörökíteni nevüket.

A Mediciek, akiknek elődei orvosok voltak, a tizenötödik század közepén virágzó bankárokká váltak. Adományaik különösen nagylelkűek voltak, a festmények és szobrok gyűjteménye képezte a majdani nagy múzeum alapját, amelyre Olaszország büszke. Az Uffizi Képtárat a Mediciek alapították.

A városi közigazgatás épületének építése

1559-ben a várost akkoriban irányító I (Senior) egyike úgy döntött, hogy központosított irányító testületet hoz létre, és a teljes közigazgatást egy épületben fogja össze. Nem volt túl tanult ember, bár őszintén tisztelte a művészetet, de később jutott eszébe, hogy galériát hozzon létre.

Érdekesség, hogy a gyűjtés kezdetét jelentő szobrokat a Vatikán elutasította, ezért V. Pius adományozta őket. Az egyházi vezetés állítása nem az alkotások művészi érdeme, hanem az, hogy a szobrokon meztelen alakok láthatók. , bűnösnek tűnt. E kincseket eleinte a Riccardi-palotában őrizték a családban, amely a Medici család kastélyaként szolgált.

Közben 1560-ban megkezdődött egy tágas palota tervezése, amelyet a híres építészre, Vasarira bíztak. Sok épületet le kellett bontani, és a töredékeiket új palota építésére használhatták fel. Az "Uffii" szót olaszul "irodáknak" fordítják (többes számban).

Építészeti projektek

Az ügy elhúzódott, 1574-ben a mester meghalt, az építkezést Buontalentinek kellett befejeznie, aki egy évvel később befejezte a feladatot. Ekkor már az épület rendeltetése is megváltozott, de a név változatlan maradt, az Uffizi Képtár. Firenze a nagy mesterek által készített, a Medici család által összegyűjtött alkotásokkal gazdagodott, de eleinte csak a nemesség képviselői gyönyörködhettek bennük. Tíz éven át az épületet folyamatosan fejezték be, végül a palota patkó alakú lett, a keskeny oldal ablakaiból kilátás nyílik a folyóra. Az építészek nem emelték fel a kezüket, hogy leromboljanak néhány ódon épületet (a régi pénzverde és a San Pietro Sceragio székesegyház), és beléptek az általános együttesbe. Ekkor már mindkét építmény négy évszázados volt.

Galéria kialakítása

Vasari (és művész volt, és nem csak építész) már az építkezés végén tisztában volt vele, hogy nem palotát épít a városvezetésnek, hanem galériát. Az Uffizit a XVI. században nyitották meg, és az építész perspektivikus döntései hozzájárultak a leendő kiállítás legkedvezőbb megvilágítási feltételeihez. 1737-ben a Medici család utolsó tagja, Leopoldo bíboros végrendelete szerint a teljes családi gyűjtemény Firenze városának tulajdonába került. Egy évszázaddal később a múzeum nyilvánossá vált. Ezzel egy időben, a tizennyolcadik század harmincas éveiben elkészült a gyűjtemény első leltárja, amely tíz kötetet foglalt el.

önarcképek

Az Uffizi Képtár számos, ókori és modern önarcképet gyűjtött össze, amelyek segítségével korszakok tanulmányozhatók. A gyűjtemény alapját a bíborosi Leopold de' Medici által a római Szent Lukács Akadémiától vásárolt, majd rendszeresen feltöltött műsorozat képezte. Az épület első emelete lett a portréfestészeti kiállítás helye. Ennek a gyűjteménynek köszönhetően a modern ember képet kaphat a nagy olasz festők (köztük da Vinci, Tizianus, Veronese, Romano, Raphael, Michelangelo) és más országok (Dürer, Rembrandt, Rubens, Velasquez, Van Dyck és Karl Bryullov). Egyébként Bryullovról. Tisztelői Walter Scott és Commuci voltak, ők csodálták a Pompei utolsó napja című festményt, amely már a szentpétervári diadal előtt feltűnést keltett Olaszországban.

De van még Giotto, Caravaggio és sok más dicsőséges név...

Az Uffizi tribün

A galérián egy speciális, bőrrel és szövettel kárpitozott ajtó vezet a központi kiállításhoz, a Tribune-hoz. A csarnok nem túl nagy, a tetőn üveglámpás világítja meg a legkiemelkedőbb alkotásokat, köztük különböző korokból és iskolákból származó szobrokat, festményeket. A nyolc falú szoba közepén a Vénusz áll, táncoló faunokkal és Apollónnal körülvéve. Van itt egy kést élező szigorú rabszolga szobra is. Két további, ezúttal festői Vénusz tartozik Tizian ecsetjéhez. Úgy gondolják, hogy a Tribune az Uffizi Képtár kínálatának legjavát tartalmazza: Raphael „Madonna aranypincével”, „II. Julius pápa portréja” és „Keresztelő János” festményeit. Itt van Botticelli "Vénusz születése" című műve, és számos olyan mű, amely felfedi a mágusok imádatának bibliai témáját (Ghirlandaio és Leonardo da Vinci), de az igazi gyöngyszem a reneszánsz titánjának "szent családja" Michelangelo.

Uffizi veszteségek

Olaszország sok megrázkódtatást és háborút élt át az évszázadok során, amelyekben nemcsak emberek haltak meg, hanem műalkotások is. Sokszor az Uffizi Képtár is szenvedett veszteségeket. Firenze a napóleoni seregek útjába állt. A gyűjtemény megsérült és részben kifosztották az 1943-ban lezajlott ellenségeskedések során, amikor a nácik megszállták az országot, megpróbálva megakadályozni a szövetséges erők előrenyomulását. Majd a városi vízvezeték felrobbanása után az alsó emeletet részben elöntötte a víz. Zavart tettek azok a terroristák, akik 1993-ban öt embert megöltek bombával, és megrongáltak a Niobe Csarnok felbecsülhetetlen értékű műalkotásait. Néhány freskót nem sikerült helyreállítani.

Mielőtt meglátogatná ezt a csodálatos gyűjteményt, hasznos tájékozódni arról, hogy mik a szabályok és hol található az Uffizi Galéria. A legtöbb múzeumhoz hasonlóan a termekben fényképezni és filmezni tilos. Ez nem az adminisztráció szeszélye, hanem teljesen racionális intézkedés, amely a festmények biztonságának biztosításához szükséges. A szabadnap itt hétfő, a többi napon reggel fél tíztől este hétig barátságosan nyitva vannak az ajtók, de jobb korán jönni, sok a látogató, és sorok alakulnak ki, ami legalább egy óra (és néha sokkal tovább). Télen kevesebben vannak. A belépő 9 euróba és 10 centbe kerül, de a születésnapon mindenki ingyen léphet be. Ugyanez vonatkozik az emberiség szép felére is, de csak március 8-án (itt is ünneplik).

Ne vigyél magaddal italt, nem engednek be. Figyelmen kívül kell hagyni néhány vállalkozó szellemű idegenvezető sorátugrásra vonatkozó ajánlatait. A csoport sokáig összegyűlik, és ez nem kevesebb időt vesz igénybe, mint a sorban állás, és a költségek jelentősen megnőnek. Érdemesebb az interneten foglalni látogatását, mindössze húsz percet kell várnia, a felár 4 euró, de nem késhet.

Hátizsákot a legjobb a szállodában hagyni, azzal nem engednek be, és a tárolásnál is majdnem olyan a sor, mint a jegynél. Az Uffizi Galéria 8 euróért kínál egy nagyon praktikus dolgot, az úgynevezett audio guide-ot. Az átvételhez kaució kell, bármilyen fényképes dokumentum.

És ne törekedjen arra, hogy mindent egy látogatás alatt megnézzen. Egyszerűen nem lehetséges. Ha nincs elég idő a többszöri látogatásra, jobb, ha a művészet legérdekesebb irányára koncentrálunk, ezekben gazdag az Uffizi Galéria. Ebben segítenek az itt járt ismerősök és barátok véleménye.

Hogyan lehet megtalálni?

A múzeumegyüttes könnyen megtalálható, minden helyi járókelőnek elég két szót mondania: „Uffizi Galéria”. A cím egyszerű, Uffizi tér, Uffizi palota. Valójában három szót helyes olaszul kimondani: „Galleria degli Uffizi”, de ők ezt így fogják érteni. A város kellős közepén található, egyrészt a Ponte Vecchio hídon, másrészt a Piazza Senoria téren. A legnagyobb az Arno folyón található.

> > > >

A világ egyik legrégebbi és leglátogatottabb múzeuma. És persze az egyik leghíresebb. Tekintettel arra, hogy kis csoportok is beengedhetők, a pénztáraknál hatalmasak a sorok és bármikor. A múzeum Firenze központjában található, a folyó és a.

A firenzei Uffizi Képtárban egyedülálló művészeti gyűjtemény található, főleg a reneszánsz korból. A galéria gyűjteménye a leghíresebb olasz művészek festményeit tartalmazza, köztük a neveket is Botticelli, Michelangelo, Leonardo da Vinci, Raphael, Tizian, Giotto, Caravaggio. A kiállítás remekei között - " Vénusz születése» Botticelli (lásd fent), amely a 15. századi olasz festészet szimbólumává vált, « Ubrinszkij diptichon" Pierro della Francesco (lásd lent) - a reneszánsz egyik legjelentősebb portréja, Külön szoba (15. sz.) van szentelve Leonardo da Vinci munkáinak, köztük - " Krisztus keresztsége"És" Angyali Üdvözlet«.

Megjegyzés: Minden hónap első vasárnapja az Uffizi Galériába a belépés ingyenes.

Látogatás az Uffizi Galériában:

Az Uffizi Galéria Firenze leghíresebb és legnépszerűbb múzeuma, így sok időt veszíthet a jegyek sorban állásában. A forró toszkán napsütésben elkerülheti az időveszteséget a sorban állásban, ha online vásárol jegyet (de kicsit többet kell fizetnie - 5,99 € és 10,00 €). Az "ingyenes" napra (minden hónap első vasárnapjára) nem lehet jegyet foglalni - ilyenkor a bejárat érkezési sorrendben történik (ezek manapság még hosszabbak!) .

Jegyárak az Uffizi Galériába:

Ha a galéria időszaki kiállításnak ad otthont, akkor az időszaki kiállítás megtekintésének költsége minden belépőhöz hozzáadódik. A további díjakat nem lehet elkerülni.

Hivatalos árfolyam jegyek a galériába:

• Teljes viteldíj - 8,00 €
• Kedvezményes (18-25 éves európaiak) - 4,00 €
• Ingyenes - 18 év alatt

2016. szeptember 26-tól 2017. január 8-ig - időszaki kiállítás lesz, így a jegy ára 12,50 € (teljes) vagy 6,25 € (csökkentett).

Online előrendelési árak(+felár, amely oldaltól függően eltérő):

• Normál ár - 12,00 €
• Időszaki kiállítások - +4,50 €
• Audio guide - 7,53 €
• 18 éven aluliaknak ingyenes.
• Kedvezményes jegy - 18 és 25 év közötti uniós állampolgárok számára.

Az Uffizi Képtár nyitvatartása:

• Kedd-vasárnap 8:15-18:50
• hétfő - zárva
• Zárva: január 1., május 1., december 25.
• Az ünnepek általában nyitva vannak. Ha az ünnep egybeesik hétfővel, akkor az adminisztráció maga dönti el, hogy megnyitja-e a múzeumot vagy sem, a látogatók számától függően.
• A jegypénztárak 18:05-kor zárnak. 18:35-kor arra kérik a látogatókat, hogy forduljanak meg és menjenek a kijárathoz.
• Március 31. és szeptember 27. között az Uffizi Képtár 22:00 óráig tart nyitva. Jegypénztárak - 21:05-ig, minden 21:35-kor bezár.

UFFICI GALÉRIA

Direct-Media, Moszkva, 2016

Előszó

A 16. század közepén legendás múlttá vált Firenze, mint a magas reneszánsz virágzó városának dicsősége. Ám, mint tudod, a szent hely sosem üres: a helyi művészeti élet nem tűnt el, csak más formát öltött. A művészet beáramlott a múzeumba. Az akkori firenzei uralkodónak azonban támadt egy ötlete, hogy bővítse rezidenciáját. Kiderült, hogy teljesíti a sors akaratát, és azt akarta, hogy a világ egyik leghíresebb múzeuma megjelenjen Firenzében ...

A kérdéses időre a Mediciek uralmat szereztek egész Toszkána felett. I. Cosimo, a Medici család fiatalabb ágának képviselője úgy döntött, hogy épít egy épületet, ahol minden állami intézmény összpontosulna. Innen a név - "Uffizi", vagy modern kifejezéssel "irodák". De Firenzének szerencséje volt: az uralkodó bankárok és kereskedők családját két tulajdonság különböztette meg - a Mediciek nemzedékről nemzedékre továbbadták a művészet szeretetét, és hosszú ideig pártfogolták a művészeket. Néha maguk is művészek lettek, tág értelemben. A 16. század közepére a Mediciek jó gyűjteményt halmoztak fel, amely többek között számos műalkotást tartalmazott, és már a kezdetektől elhatározták, hogy az Uffiziben található helyiségek egy részét ennek tárolására adják.

A tervezett épület építészének Giorgio Vasarit, a legkülönfélébb tehetségű embert (egyben festő és művészettörténész is volt) hívták meg. 1560-ban pedig a Signoria tér és az Arno folyó között megkezdődött egy U alakú épület építése. Két szárnyból és a köztük lévő átmenetből kellett volna állnia. De az együttesben olyan épületek is szerepeltek, amelyek a kiválasztott helyen már léteztek, köztük a térre néző Loggia dei Lanzi, amelyet találkozók és fogadások lebonyolítására szántak.

Az épület hatalmasnak bizonyult, és annak érdekében, hogy kívülről diverzifikálja és egyben kompozíciósan egyesítse, Vasari egy olyan építészeti modullal állt elő, amely az egész homlokzaton megismétlődött: az oldalán pilaszteres karzat - az elsőn. emeleten és három ablak fölött - a másodikon. Az Uffizi mindkét szárnyát összekötő részt nagy ívek vágták át, amelyek fénnyel töltötték be a két szárny közötti szűk teret. Kiderült, hogy egy érdekesen megtervezett homlokzat is az Arno folyóra néz. A Medici-gyűjtemények gyorsan gyarapodtak, így Cosimo fia, Francesco I úgy döntött, hogy bővíti az Uffizi kiállítóterét. Elrendelte, hogy távolítsák el az adminisztratív intézményeket az épület második emeletéről, és helyettük alakítsanak ki termeket az ősi szobrok számára. Számukra Bernardo Buontalenti, aki Vasari halála után az Uffiziben dolgozott, hosszú galériát hozott létre "groteszkekkel" - állati és növényi díszekkel - festett boltozatokkal. Hasonló dísz díszítette Nero "Aranyházát" - egy ősi épületet, amelynek romjait a reneszánsz idején fedezték fel. Ezenkívül Buontalenti megépítette az úgynevezett Tribune-t - egy nyolcszögletű csarnokot, magas ablakokkal, prototípusa a híres athéni szelek tornya volt. Ez az ókorhoz való felhívás egyfajta összejövetel is volt.

A bátyja, Francesco után uralkodó I. Ferdinando idejében művészek, szobrászok, ékszerészek, aranyozók, kőfaragók, miniatűrök és porcelángyárosok műhelyei jelentek meg az Uffiziben. Ezzel egy időben rendezték be a "Földrajzi térképek termét", amelynek falaira térképeket rajzoltak, és a közepén földgömböt helyeztek el, valamint a "Matematika csarnokát", ahol tudományos műszereket helyeztek el. A többi helyiségben fegyvereket és páncélokat, vésett díszköveket és portrékat állítottak ki. Mint látható, a Mediciek mindent összegyűjtöttek, aminek művészi, történelmi vagy tudományos értéke volt, vagy akár csak a szemnek tetszetős. Ezért eleinte az Uffizi egy művészeti galériát és az érdekességek kabinetjét egyesítette.

A születőben lévő múzeum történetének egyik fő eseménye 1591-ben történt: a gyűjteményt a társadalom legfelsőbb köreiből érkező látogatók előtt nyitották meg. Az Uffizi Képtár aktívan feltöltődött műalkotásokkal, amelyeket a Firenzén kívül élő uralkodó család tagjai, például Katalin és Medici Mária francia királynők küldtek. A templomokból és kolostorokból festményeket kezdtek elvinni az Uffizibe, néha másolatokkal helyettesítve őket.

De a Mediciek közül az első, aki hozzáértően festményeket és rajzokat kezdett gyűjteni, Ferdinánd bátyja, Leopoldo bíboros volt: a művészetben jártas volt, festményeket és grafikákat gyűjtött, hogy bizonyos művészeti iskolák és korszakok a lehető legteljesebben képviselve legyenek. Leopoldo uralkodása alatt a nyugati szárnyban önarckép-, rajz-, porcelán-, érem- és bronzgyűjteményeket helyeztek el. Emellett az Uffiziben megnyílt a Fonderia, ahol parfümöket, gyógyszereket készítettek, és természeti ritkaságokat is kiállítottak: orrszarvúszarvat, strucctojást, bebalzsamozott állatokat.

1737-ben meghalt a Medici család utolsó uralkodója, Gian Gastone. Ugyanebben az évben nővére, Anna-Maria aláírt egy dokumentumot, amely szerint az Uffizi az összes gyűjteménnyel együtt eltávozott Firenzéből, és nyilvános múzeummá nyilvánították, nem csak „a sajátjai számára”. Egyszer Lorenzo, a Csodálatos Medici, a galéria rendezőinek egyik leghíresebb őse és maga a művészet patrónusa ezt írta az ideális uralkodóról írt költeményében: „A gazdagság, a pompa, minden, ami a Hatalomhoz illik, nem az övé, az emberek egy része... » És így történt.

Az első látogatók, mint mondják, "utcáról" 1769-ben jelentek meg a múzeum termeiben. Luigi Lanzit nevezték ki az Uffizi Képtár kurátorának, aki hozzálátott a teljes gyűjtemény rendbetételéhez, különös tekintettel a kiállított festmények elhelyezésére. kronológia és festőiskolák szerint. Aztán III. Lotharingiai Ferdinánd alatt, amikor Tommaso Puccini lett a múzeum igazgatója (aki olyan remekműveket mentett meg, amelyeket a hódítók Párizsba vihettek az olaszországi invázió során), üvegtetőt építettek a Galériában, hogy a természetes fény behatoljon a szobákba. , valamint névtáblákat helyeztek el a festmények közelében művészek és alkotások keletkezési dátumai.

Már a 19. században világossá vált, hogy egyszerűen lehetetlen egy múzeumban elhelyezni mindent, amit fennállásának hosszú évei alatt összegyűjtöttek. Úgy döntöttek, hogy a legtöbb ókori művészetet, ékszert, tudományos műszert, minden fegyvert eltávolítanak a gyűjteményből, és ezek alapján új múzeumokat hoznak létre. Az Uffizi viszont művészeti galériává vált, ahol főleg festményeket tárolnak, szobrok, kézműves alkotások kísérik őket.

Megkezdődött a gyűjteményben bemutatott festmények komoly tanulmányozása és restaurálása. Az utolsó helyiségeket, amelyeket még néhány állami intézmény foglalt el, kiürítették, és átadták a kiállításoknak.

Általában, ahogy az olaszok ősei - az ókori rómaiak mondták: "vita brevis, ars longa", ami azt jelenti, hogy "az élet rövid, a művészet örök".

AZ Ókori GÖRÖGORSZÁG MŰVÉSZETE ÉS AZ Ókori RÓMA

Vénusz Medici
CLEOMENE, APOLLODOR FIA

A hellenisztikus korszak elveszett görög eredetijének ez a márványmásolata a római pápai művészeti gyűjteményben volt, és a Medici-gyűjtemény szerezte meg, innen kapta a nevét. A szobor a "Cnidus Aphrodité" vagy a "szép Vénusz" típusához tartozik, amely kezével takarja meztelenségét.

A tengerhabból előbújó istennő gyönyörű virágos testét finoman kidolgozta a szobrász. Vénusz egész megjelenésében, és nem csak a gesztusában, remegő ijedtség érezhető: belül kissé összezsugorodott és megállt. Attól, hogy a márvány "hús" kifejezi a karakter állapotát, a szobor elevennek, lélegzőnek tűnik. George Gordon Byron a Childe Harold zarándokútjában ezt írta erről a szoborról:

Látod, képtelen vagy elbúcsúzni tőle,
Eljöttél hozzá – és nincs visszaút!
Láncban a diadalszekér mögött
Kövesd a művészeteket, mert fogságba estek.

AZ ÓKORI GÖRÖGORSZÁG ÉS AZ Ókori RÓMA MŰVÉSZETE:

• Kentaur törzse (Torso Gaddi)
• Cicero portréja

Kentaur törzse (Torso Gaddi)
Kr.e. 1. század e. Üveggolyó. Magasság 153

A háta mögött összekulcsolt kentaurt ábrázoló szobor töredéke a Gaddi család tulajdona volt, innen ered a neve. Ez egy példa a hellenisztikus művészetre, és az úgynevezett pergamoni iskolához tartozik, amelynek szobrászai elkészítették a "Pergamon-oltárt" az istenek és a titánok harcának jeleneteivel.

A törzs tele van erővel és ugyanakkor annyira kidolgozott, hogy az izmok „játszanak” a bőr alatt. A test éles fordulata kifejező mozgással tölti meg, melynek hullámai távolról is érezhetők. Ez a szobor hatással volt a fiatal Michelangelo Buonarrotira, egy olasz szobrászra és festőre, akinek karaktereit erős, izmos test jellemzi.

Cicero portréja
1. század közepe. Üveggolyó. Magasság 74

Mark Tullius Cicero római filozófusról, szónokról és politikusról, aki a Kr.e. 2-1. században élt, Plutarkhosz ezt írta: „Abban az időben, amikor virágzott a kapzsiság... Cicero egyértelmű bizonyítékot adott a nyerés iránti közömbösségére, emberségére és feddhetetlenségére. ” .

A római szobrászok realizmus iránti elkötelezettsége segített az ismeretlen mesternek nemcsak Cicero megjelenését valósan megtestesíteni, hanem megmutatni ennek a személynek a belső állapotát is. A márvány mellszobor középkorúként és fáradtan ábrázolja, akit élete nehéz időszakában ragadtak meg. Cicero homloka, akit Plutarkhosz vidám emberként ír le, itt összeráncolt homlokkal, szemei ​​koncentráltak, ajkai összeszorultak. Az embernek az a benyomása támad, hogy párbeszédet folytat magában egy képzeletbeli ellenféllel, vagy esetleg önmagával vitatkozik.

Az akkori római művészetben elterjedt szobrászati ​​mellszobor - alul lekerekített, különféle hajtásokba fektetett tógával, kerek állványon - a szobrász által hangsúlyozott minden személyi vonás ellenére segítette az ábrázolt felmagasztalását.

OLASZ MŰVÉSZET: A XVI. SZÁZAD ELŐTT

Tavaszi. Töredék
SANDRO BOTTICELLI
1478 körül. Tempera fán. 203x314

Sandro Botticelli festészetének virágkora akkor jött el, amikor a Medici-udvarban közel került a humanisták – költők, írók, filozófusok, művészek – körébe. Lorenzo the Magnificent, Firenze uralkodója költészetet írt és pártfogolta a művészeteket. Unokatestvére, Lorenzo di Pierfrancesco Medici villájába rendelték meg ezt az összetett filozófiai és poétikai tartalmú festményt.

A "tavasz" három elválaszthatatlan irányt tükröz, amelyben a firenzei humanisták művészete és filozófiája fejlődött: ősi, keresztény és udvari. Az ókorból itt vannak a mítoszok szereplői és motívumai. A jobb oldalon Zephyr, a meleg nyugati szél elrabolja Chlorist, a mezők és virágok görög nimfáját, aki az ott ábrázolt Flórává változik, már római istennőként virágot záporoz a földre. A bal oldalon - három kegyelem, amely megszemélyesíti a tisztaságot, a szeretetet és az örömöt. A felhőket szétoszlató, narancsfák lombkorona alatt álló Merkúr Párizs mítoszához és a legszebb istennők kiválasztásához küldi a néző fantáziáját, akinek az almát adta győztesnek. Ez az istennő, Aphrodité, vagy ahogy az ókori rómaiak nevezték, Vénusz, finoman rálép a kép közepén lévő gyógynövények és virágok szőnyegére. A feje fölött Ámor íjjal, az egyik gráciára célozva.

A keresztény téma itt abban nyilvánul meg, hogy a főszereplő Madonnára hasonlít, akinek a keze úgy tűnik, mindenkit megáld. Ebben a hősnőben a „szép hölgy”, a költők ihletőjének kultusza is felragyog. Ezek az udvari érzelmek felvirágoztak Lorenzo, the Magnificent körében. A festmény nem sokkal a szeretett testvér, Lorenzo, Giuliano de' Medici, a gyönyörű Simonetta Vespucci halála után készült. A Vénusz az arcához hasonlít. Merkúr maga Giulianóra hasonlít, akiben Szent Sebestyént, a keresztény mártírt is elismerik.

Ez a sokféle motívum egybefolyó alkotása fontos fordulatot jelentett a festészet irányába, amely nem volt alávetve semmilyen kánonnak. Csak a művész lelke és akarata látszott már benne. Pavel Muratov orosz művészetkritikus így ír Botticelliről: "Ő volt az első, aki a tiszta művészet egyetlen zászlaja alatt találkozott a világtörténelem új és hosszú napjának reggeli ködével."

OLASZ MŰVÉSZET (A XVI. SZÁZAD ELŐTT):

• Madonna és gyermeke angyalokkal (Ognisanti Madonna). DUCCIO DI BUONINSEGNA
• Angyali Üdvözlet. SIMONE MARTINI
• Templomba hozás. AMBROGIO LORENZETTI
• A mágusok imádása. GENTILE DA FABRIANO
• Madonna és gyermek Szent Annával és angyalokkal. MASOLINO DA PANICALE,
  MASACCIO
  
• Mária koronázása. FRA BEATO ANGELICO
• San Romano-i csata. PAOLO UCCELLO
• Triptichon a mágusok imádásával, a körülmetélés és a mennybemenetel. ANDREA MANTENA
• Herkules és Hidra. ANTONIO POLLAIOLO
• Federico da Montefeltro Urbinsky és Battista Sforza portréi. PIERO DELLA FRANCESCA
• Krisztus keresztsége. ANDREA VERROCCHIO, LEONARDO DA VINCI
• A mágusok imádása. LEONARDO DA VINCI
• Angyali Üdvözlet. LEONARDO DA VINCI
• A mágusok imádása. SANDRO BOTTICELLI
• Vénusz születése. SANDRO BOTTICELLI
• Madonna és gyermeke angyalokkal (Madonna del Magnificat). SANDRO BOTTICELLI
• szent allegória. GIOVANNI BELLINI
• Pieta. PIETRO PERUGHINO

Madonna és gyermeke angyalokkal (Madonna Rucellai)
DUCCIO DI BUONINSEGNA
1285. Fa, tempera. 450x290

Duccio di Buonisegna, Siena város művésze a francia gótika dekorativitását és eleganciáját vitte a kortárs olasz festészetben uralkodó bizánci írásmódba. Ezt az oltárképet a Mária közösség rendelte meg a firenzei Santa Maria Novella templom kápolnája számára, majd a 16. században egy másik kápolnába, a Rucellaiba helyezték át, innen kapta jelenlegi nevét.

Az arany alapon elhelyezett Madonna és Gyermek trónusképe a bizánci hagyományt követi. De a színek ragyogása, ünnepisége, valamint az Istenanya köntösének szeszélyes vonalai, különösen a köpenyének aranyszegélye, „gótikus hatás” eredménye. És az összes itt bemutatott szereplő megjelenésében az angyalokig, a mennyből óvatosan leeresztő trónt, érezhető az akkori élethűbb festészet új irányzata. Duccio művészete, ha óvatosan is, de már előrevetítette a reneszánsz kort.

Madonna és gyermeke angyalokkal (Ognisanti Madonna)
GIOTTO (GIOTTO DI BONDONE)
1306–1310 körül. Fa, tempera. 325x204

Giotto nagy oltárképe, amely a Szűzet és a Gyermeket ábrázolja angyalokkal és szentekkel körülvéve (az „ognisanti” olaszul „minden szentet” jelent), a 11-13. századi hagyomány szerint készült. Akkor az olasz festészet erős bizánci hatás alá került, de a művész valami egészen újat hozott a középkori képi kánonba.

Madonna nem szigorúan középen ül a trónon, és félig megfordulva van ábrázolva. Giotto úgy festette meg alakját, hogy az fenségesnek és terjedelmesnek tűnjön, ezt hangsúlyozzák a köntös műanyag redői. A mennyországot szimbolizáló feltételes arany háttér itt ötvöződik a tér mélységével, amelyet a trón architektúrája - lépcsői és lombkorona - fejez ki. A mester a szereplők érzelmeire is fókuszált, angyalokat és szenteket ábrázolt, akik áhítattal emelik fel fejüket, és lelki áhítattal nézik az Istenszülőt a Gyermekkel.

Angyali Üdvözlet
SIMONE MARTINI
1333. Fa, tempera. 265x305

Simone Martini, a sienai iskola képviselőjének munkásságában a késő gótika dekoratív hatásával, elnyújtott kecses testeivel ötvöződött a protoreneszánsz festészet jegyei.

Az „Angyali üdvözletet” a művész a sienai székesegyház Szent Anszánia oltárára írta. Az eget szimbolizáló arany háttér előtt visszafogott, sima sziluettben Mária alakja rajzolódik ki. Gábriel arkangyal figurájának szeszélyes formája - még repülő szárnyai, mögötte lobogó köpeny - levegő és szél érzetét kelti a szobába. A képen Máriához intézett mennyei hírnöktől az evangélium szavai származnak: „Örvendj, kegyelemmel teljes, az Úr van veled” (Lk 1,28), és ez a vékony kötél úgy néz ki, mint a vonalzó és színező dísz része. forma. Itt minden simogatja a szemet: fényes angyalszárnyak és vázában álló fehér liliomok - Mária tisztaságának és tisztaságának szimbóluma, valamint vonalak és színkombináció a képen.

A központi jelenet képei törékenyek, testtelenek, mintha hegyi levegő legyezte volna őket. A hozzájuk képest az oltár oldalsó részein ábrázolt Szent Ansániást és Szent Julittát nagyobb terjedelemben írták ki, ami arra késztette a kutatókat, hogy elgondolkodjanak, vajon Lippo Memmi munkáiról van szó, akinek aláírása a kép alatt is található. . A művész tanítványa azonban nagy valószínűséggel csak bearanyozta a keretet, Martini pedig maga festette meg a szenteket, és élénkebben ábrázolta őket, hogy hangsúlyozzák a bemutatott jelenet földöntúli szellemiségét.

Templomba hozás
AMBROGIO LORENZETTI
1342. Fa, tempera. 257x168

A sienai mester, Ambrogio Lorenzetti készítette ezt az oltárt, amelyből csak a központi része került le hozzánk, a sienai székesegyház számára.

A templom gótikus belső terét - Lorenzetti akciója abban a katedrálisban játszódik, amelyhez az oltárt szánták - a homlokzaton található „ősi” szobrokkal kombinálják, például a füzért támasztó szárnyas géniuszokkal. A jelenet ünnepélyességét a ruhák és az építészeti elemek élénk, hangzatos színei hangsúlyozzák, a részletgazdag részletek pedig csodálatosan harmonizálnak ezzel a magas harmóniával - a főpapi köntös, az áldozati galambok a kezében, az áldozó galambok oszlopok, a templomot díszítő mozaik.

Simeon elder a karjában tartja a gyermek Krisztust, és megrendülten prófétál Róla, Mária pedig, hallva szavait, szomorú és elmerült. Az összes többi szereplő, aki az idősebbet hallgatja, szintén fel van ruházva saját érzelmeivel. A közeledő reneszánsz kétségtelen jele volt az a vágy, hogy az ábrázoltak érzéseit kifejezzék, alakjaikat kellő terjedelemben leírják.

A mágusok imádása
GENTILE DA FABRIANO
1423. Fa, tempera. 303x282

Gentile da Fabriano festménye olyan irányzatot képvisel az európai művészetben, mint a nemzetközi gótika. A "Mágusok imádása" oltárt a mester a firenzei Santa Trinita templom Strozzi kápolnájához készítette.

A kép előtere felé zsúfolt színes menetet ábrázolnak. Az evangéliumi történetet a királyokról, akik eljöttek imádni a Krisztus-gyermeket, itt egy középkori lovagi regény jegyében értelmezzük: egy szolga sarkantyút köt az egyik mágushoz, ami azt hangsúlyozza, hogy ura a lovagsághoz tartozik, vadászjelenetek tarkítják. a képen, és sok szereplő modora az „udvarias” szóval határozható meg – nézzük csak meg például a bal oldali szobalányokat. Ezt a művet azért érdekes átgondolni, mert tele van csodálatos részletekkel, például a csecsemő Krisztus megsimogatja egy idős varázsló fejét, aki megcsókolja a lábát. A messziről jöttek között egyszerűen nincs senki - fiatalok és idősek, lovagok és vadászok. A képen nemcsak emberek, hanem állatok is vannak - oroszlán, gepárd, majmok, sólyom. Úgy tűnik, hogy a művész a cselekményt is felhasználta az általa ismert világ gazdagságának ábrázolására.

Ez az oltárkép tiszta, csillogó, ékszerszerűen, színekben íródott, díszítő hatását az itt-ott átszőtt arany fokozza. A keretet maga a mester rajza alapján készítette, aki kis képeket is belerakott, és a legapróbb részletekig kigondolta a dekorációt. Az oltár predellája három képi részből áll, amelyek Krisztus születését, az Egyiptomba való menekülést és a Templomba hozatalt ábrázolják. Viktor Lazarev művészettörténész ezt írta: „Oltárképén, a korai Quattrocento legszebb és legünnepélyesebb festményén Gentile a feudális világot ábrázolta, amely teljes ragyogásában, annak minden külsőre vonzó vonásában elhagyja a történelmi színpadot, a maga glóriájában. lovagi romantika”.

Madonna és gyermek Szent Annával és angyalokkal
MASOLINO DA PANICALE,
MASACCIO (TOMMASO DI GIOVANNI DI SIMONE CASSAI)
1425 körül. Tempera fán. 175x103

A firenzei Sant'Ambrogio templom számára készült Masolino ecsetje a Szent Anna és az angyalok, valamint Masaccio - a Madonna és a Gyermek és egy angyal zöld és piros ruhás képéhez tartozik. A középkori művészet hatása meglátszik itt az arany háttérben, a függönyön, az egész jelenet ikonográfiáján - Mária ül Szent Anna előtt, térdén a kis Krisztussal, és egymásra helyezett angyalok állnak. az oldalak. De ez már reneszánsz mű, különösen ott, ahol Masaccio ecsetje működött, aki az első volt azok közül, akik teljes mértékben a reneszánsz mestereinek tulajdoníthatók. Az általa festett figurák oldalról megvilágítva, a művész által vizsgált perspektíva ismeretében ábrázolva. Figyelmét csak a lényegen állítja meg, ezért a megalkotott képekben erő rejlik, ami hamar megmutatkozott a művész által firenzei templomokban készített falfestményekben. Masaccio nem élt sokáig, de sikerült befolyásolnia az egész reneszánsz festészetet.

Mária koronázása
FRA BEATO ANGELICO (FRA GIOVANNI DA FIESOLE)
1434–1435 Fa, tempera. 112x114

A kora reneszánsz művész, Fra Angelico domonkos szerzetes festményét a csendes öröm állapota hatja át. A mester sokfigurás alkotásai is tele vannak vele, mint például a firenzei Sant' Egidio templom számára készült „Mária megkoronázása”.

Krisztus koronát helyez az Istenszülő, az Ég Királynőjének fejére, az angyalok fújják trombitáikat, a szentek áhítattal szemlélik a történteket. A bizánci égábrázolási hagyományból származó arany háttér itt domborműves figurákkal ötvöződik, és a középkor szelleme, amely ezen az oltárképen is érezhető, a már reneszánszban rejlő összetett kompozícióval ötvöződik.

A kép színezését Nyikolaj Gumiljov Fra Angelicóról szóló versének szavai írják le legjobban:

És a színek, a színek világosak és tiszták,
Ezzel születtek és ki is haltak vele.
Van egy legenda: virágokat oldott
A püspökökben felszentelt olaj.

A predella, azaz a főkép alján található kompozíciókban a művész bemutatta Mária eljegyzését és Mária mennybemenetelét, amelyet ma a firenzei San Marco Múzeumban tárolnak.

San Romano-i csata
PAOLO UCCELLO
1438 körül. Tempera fán. 180x323

A Quattrocento művész, Paolo Uccello bemutatott festménye egyike annak a három festménynek, amelyeket ebben a témában festett, és az európai művészet harci műfajának kiindulópontját képezi. A csatában részt vevő Leonardo Bartolini Salimbeni megbízásából készült művek mindegyike a firenzeiek és a sienaiak közötti, 1432-ben lezajlott csata pillanatait ábrázolja.

A „San Romano-i csata” című festményen egy firenzei lovag lándzsával üti ki a nyeregből az ellenséges sereg vezérét, Bernardino della Chardát. A firenzeiek vezére, Niccolo da Tolentino fehér lovon ülve már a földre döntötte az egyik ellenséget. Körülötte csata zajlik, „egy csokorba keverednek a lovak és az emberek”, lándzsákat, számszeríjakat dobnak fel, lovagok és fegyvereik repülnek a földre. Az egész jelenet feszültségét az is adja, hogy sok figura kis helyen elfér, ráadásul a kompozíciót a szélek mentén egy keret szándékosan levágja, ami azt a látszatot kelti, hogy a megszabott keretek között szűkös.

Uccello különféle pózokban ábrázolja karaktereit. Valószínűleg azért vállalta el a munkát, hogy gyakorolhassa ezt a képességét. A bal oldali vörös ló, vágtató, szürke, egy vele elesett lovaggal, fehér, amelyen a firenzeiek vezére ül, megmutatja, hogyan birkózott meg a művész a bonyolult szögekkel és perspektívával. Az egész jelenet dinamizmusát hangsúlyozza a színezés, amelyben élénk, tiszta színek ütköznek.

Triptichon a mágusok imádásával, a körülmetélés és a mennybemenetel
ANDREA MANTENA
1460–1464 Fa, tempera. 86x161,5

Andrea Mantegna olyan művész, akinek festészetében már több évtizeddel a magas reneszánsz kezdete előtt érezhető volt ennek az erőteljes művészetnek a közeledő lépései.

A triptichont Ludovico Gonzaga őrgróf rendelte meg a mantovai családi palotájának kápolnájába (a festő élete végéig ennél a családnál fog dolgozni). A kora reneszánsz művészetére jellemző oltárkép miniatűr írásmódja, a csodálatos részletek sokasága ötvöződik itt azzal az erővel és monumentalitással, amely már az itáliai festészet következő szakaszában is benne volt. Ennek eredményeként egy kis festői oltár ugyanolyan benyomást kelt, mint a Gonzaga-palota Mantegna falfestményei. És ugyanakkor úgy akarod nézni a triptichont, mint egy ékszert a dobozból.

A középső részben a művész a mágusok imádatának jelenetét mutatta be: az általa annyira szeretett sziklás táj között fényűző köntösbe bújt emberek hosszú menete mozdul meg. Elmennek meghajolni a Mária ölében ülő Gyermek előtt. Angyalok repkednek. Mantegna száraz és fényes írása szó szerint ragyogóvá teszi a képet a festmények különleges „levegőjének” köszönhetően - teljesen átlátszó, ritkított, ami csak a hegyekben lehet magasan. Ezért a művész által teremtett világban minden látható: az út a távolban, és a fényes vár, amelyhez vezet, és a teve gyapja, és a kemény fű, és a vékony aranyszálak, amelyek átjárják a ruhákat. . És egyben a jelenet egy telifalú kápolnaként is elképzelhető. Mantegna tudta ezt, és az ábrázolt monumentalitásának hatását fokozandó, homorú felületre írta.

A „Körülmetélés” jelenetben (jobb oldalon) a művész gondosan megfestette a faldíszeket, a lunettákban kompozíciókat - „Izsák feláldozása” és „Mózes átadja a szövetség tábláit a népnek”, egy kosár galambokkal. József keze, egy tálca körülmetéléshez szükséges tartozékokkal, amit a fiú a főpap felé nyújt. Megható a kis Keresztelő János képe, aki az ujját szívja, másik kezében megharapott bagelt tart. Mindez a részletes jelenet alkalmas lenne egy nagy freskóhoz.

És csak a harmadik kompozícióban - „Ascension” (bal oldalon) - szinte nincsenek gondosan ábrázolt részletek, aszketikusabb és erőteljesebb, ismét sziklás táj látható benne, és még a felhő, amelyen Krisztus áll, mintha márványból faragják. De mint korábban, a szereplők érzései finoman közvetítettek: Mária és az apostolok csodálkozása és reménysége, enyhe szomorúság és a mennyei találkozás ígérete a Megváltó szemében.

Herkules és Hidra
ANTONIO POLLAIOLO
1460. Fa, tempera. 17x12

Antonio Pollaiolo, a firenzei Quattrocento festő kis képe az ókori görög hős, Herkules, vagyis Herkules egyik hőstettét ábrázolja. A múzeumban van a második tábla is, amely egy e mítosz témájában készült kompozíciót tartalmazza. A kutatók azt sugallják, hogy mindkét mű Piero Medici művész által megrendelt nagy festményekhez készült vázlat, vagy ezek kisebb másolatai. De lehetnek önálló alkotások is, és akkor annál inkább meg kell jegyezni, hogy Pollaiolonak sikerült egy ilyen kis képet monumentalitással felruháznia.

A mester cselekménynek vette a Herkulesről szóló mítosz azon részét, amelyben a lerneai hidrával harcol, egy óriási kígyóval, amelynek sok feje volt, és egyikük halhatatlan. A művész a csata feszültségét a hős duzzadt izmait és kétségbeesett arckifejezését ábrázolja. A mű tele van mozgással. Herkules erejét és erejét hangsúlyozza a messze lent elhelyezkedő táj, valamint az a tény, hogy a főszereplő az ég hátterében helyezkedik el. De ugyanakkor a festőt egyértelműen lenyűgözték a drapériák gyönyörű és rugalmas vonalai, a kígyótest, a folyó kanyargós szalagja, amelyek komplex mintát alkotnak az alkotásban.

Federico da Montefeltro Urbino és Battista Sforza portréi
PIERO DELLA FRANCESCA
1465. Mindkettő - fa, olaj. 47x33

Mintha megtelnének levegővel, a Quattrocento művész festményei egyszerre hagyják az erő és a béke benyomását. Ezek Urbino Federico da Montefeltro herceg és felesége, Battista Sforza portréi.

Arcukat az akkori portréhagyománynak megfelelően profilba adták, amely szorosan kötődik a híres személyek érméken és érmeken való ábrázolásához. De ebből a szögből egyik portréfestő sem tudott olyan hasznot húzni, mint Piero della Francesca: Federico és Battista megjelenésének soha nem látott pompát adott, most először emelte az ábrázolt személyt olyan magasságokba, ahol meg kell állnia. a humanizmus korszaka. A képek monumentalitási benyomását a táblák kis méretével erősíti, hogy a háttér szerepét a távolba húzódó, magasról látható táj játssza. Meg kell jegyezni, hogy az a szög, amelyben Federicót ábrázolják, lehetővé tette a rettenthetetlen condottiere arcának eltorzult felének elrejtését is. De a hajlott profil, amelyet még jobban kiemel a köntös egyenletes vörös színe, lágy fény- és árnyékolással rendelkezik. A nehéz szemhéjak alóli nyugodt, magabiztos tekintet, a halántékon, orcán és nyakon a bőr gyengédsége olyan finom és igaz érzést kölcsönöz az embernek, amit a később elterjedt pszichológiai portré nem mindig ad.

Kezdetben az oltár ajtaja a zsanéroknak köszönhetően mozgatható volt, összehajtható volt, és hátoldalán megtekinthető volt Federico és Battista diadalai jelenetét ábrázoló portrékkal. Mindkét házastárs lovas szekereken ül egymás felé. A részletesen megfestett tájképben a fény-levegő környezet átvételével a holland festészet hatása érezhető.

Krisztus keresztsége
ANDREA VERROCCHIO,
LEONARDO DA VINCI
1470–1475. Fa, tempera, olaj. 177x151

Andrea Verrocchio elsősorban szobrász lévén időszakosan végzett festészeti megrendeléseket, aminek következtében nem tudta befejezni egyik képét - Krisztus megkeresztelkedését. Felkérte tanítványát, Leonardo da Vincit, hogy fejezze be, amit elkezdett, egy fiatalt, aki ekkorra már nagy sikereket ért el, bár a tanári műhelyben maradt. A középső figurákat és a jobb oldali angyalt már a Verrocchióra jellemző módon festették - szárazon, lineárisan, a figurák kifinomult sziluettjeivel.

Leonardo egy angyalt ábrázolt a bal oldalon, de nem temperát használt, mint egy tanár, hanem olajfestékeket, amelyek tovább száradnak, és lehetővé teszik számára, hogy lágy chiaroscuro-t közvetítsen, és enyhe homály borítja a képet. Így született meg a később híressé vált Leonardo-technika „sfumato”. A művész az Arno folyó völgyét ábrázoló rajza alapján megfestette az angyalok mögötti táj egy részét is. A fiatal festő munkája lenyűgözte Verrocchiót, és olyan népszerűvé vált, hogy ebből az angyalcsoportból másolatokat készítettek.

A mágusok imádása
LEONARDO DA VINCI
1480–1481. Fa, tempera, olaj. 243x246

Ezt az oltárképet Leonardo rendelte meg a scopetói San Donato kolostor kanonokaitól, de befejezetlen maradt, vagy azért, mert a művész Milánóba ment, vagy mert egyszerűen elvetette ezt az ötletet. De a kép teljesnek tűnik, és magában hordozza az akkori mester festészetének minden jellemzőjét.

A Quattrocento hagyományban Leonardo némileg túlterhelte a kompozíciót expresszív pózok, tájképi és építészeti részletek bőségével. Ez azonban azzal magyarázható, hogy Leonardo, mint a reneszánsz művésze, kíváncsi volt arra, mi alkotja a világrendet. Ezért egy olyan kategória, mint a sokszínűség, nagy szerepet játszott számára. Leonardo kortársa, Baldassare Castiglione író megjegyezte: „...a világrend, amit látunk, tágas égbolttal, oly ragyogóan ragyogó csillagokkal, középen egy földdel, amelyet tengerek vesznek körül, és amelyet sokrétűvé tesz hegyek, völgyek és folyók, és amely oly különböző fákkal, gyönyörű virágokkal és gyógynövényekkel van feldíszítve – mondhatni, ez egy nemes és nagyszerű kép, amelyet a természet és az Isten keze rajzolt…”

Az olasz humanisták az istenit helyezték a világegyetem középpontjába. A Leonardoban a Krisztus-gyermeket ölében tartó Mary nyugodt pózával és simán elfordított fejével kiemelkedik sok „aktív” karakter hátteréből. A művész egy kompozíciós háromszöget, pontosabban egy piramist épít, melynek tetején Mária feje áll. Ezt a technikát, amely az ábrázolt egyensúlyt és harmóniát adta, széles körben alkalmazták a magas reneszánsz mesterei körében.

Angyali Üdvözlet
LEONARDO DA VINCI
1472 körül. Fa, olaj, tempera. 98x217

Leonardo még Verrocchio műtermében dolgozott ezen a festményen. A fiatal művésznek be kellett fejeznie, amit a többi diák elkezdett, és ki kellett javítania a hibáit. Több vázlatot készített Mária köpenyéről és Gábriel arkangyal köntöséről, s ezek alapján írta át a drapériákat, amelyek ennek következtében terjedelmes redőket alkottak. Ezután Leonardo átfestette Gábriel arkangyal fejét, kissé meghajlítva, de nem volt ideje változtatni Mária képén, akinek a póza nem tűnik teljesen természetesnek. Akinek az ecsete itt járt Leonardo előtt, valószínűleg az sem ismerte túl jól a perspektíva törvényeit. Mindezek a hibák azonban váratlan módon megmutatják, milyen nehéz volt elsajátítani a reneszánsz mesterek festményein olyan természetesnek tűnő realista festészeti technikákat.

Fennmaradt a művésznő által egy időben készített ceruzával és tussal készült rajz, amelyen Mária lehajtotta a fejét, eltakarta a szemét, Haja tetején drága bross szalaggal volt felkötve, selymes tincsek szórtak rá. vállak. Leonardo láthatóan annyira dédelgette ezt a finom, költői, tolla alatt született képet, hogy külön kis képet festett az Angyali üdvözlet témájában.

A mágusok imádása
SANDRO BOTTICELLI
1475 körül. Tempera fán. 111x134

A Quattrocento mestere, Sandro Botticelli ebben a sokalakú kompozícióban a Medici család tagjait, bankárokat és kereskedőket, Firenze uralkodóit és a hozzájuk közel állókat – akik között ő maga is – mutatta be a csecsemő Krisztust imádó mágusok képében.

Az ókori Róma romjai között, a régi világ végét és az új, keresztény világ kezdetét jelképező Madonna ül. Térdén tartja a babát, mögötte áll, a karjára támaszkodik, József és gyengéden nézi az újszülöttet. Cosimo, az idősebb Medici letérdelt Krisztus előtt. Giorgio Vasari ezt írta: „És különleges kifejezőkészséget látunk az öregemberben, aki Urunk lábát csókolva, gyengédségtől olvadva a legkiválóbb módon mutatja, hogy elérte leghosszabb útja célját.” A kép elülső széléhez közelebb vannak Cosimo, Piero és Giovanni fiai. A mű megírásakor apjukkal együtt már meghaltak, de Botticelli bevette őket a családi körbe, mivel elválaszthatatlanul kapcsolódik hozzá. Feketében, piros köntösben áll, és gondolkodik Giuliano, Piero fia, mögötte szakállas, kalapban - Giovanni Argiropulo filozófus, előtte kékben - a mű megrendelője, Zanobi del Lama. Bal oldalon büszke pózban Giuliano bátyja, Nagyszerű Lorenzo áll, mellette Angelo Poliziano költő, Pico della Mirandola humanista és filozófus mond nekik valamit. Végül a jobb alsó sarokban maga Botticelli vörös köpenybe burkolózva néz a nézőre. A reneszánsz idején széles körben elterjedt az a hagyomány, hogy a Szentírásból vett jelenet résztvevői között ábrázolják magukat.

A Mediciek Firenzében létrehozták az úgynevezett Mágusok Testvériségét, amely magában foglalta őket és társaikat. A testvériség jelmezes felvonulásokat rendezett: tagjai mágusnak álcázva sétáltak és lovagoltak a város utcáin. Valószínűleg ezek a rejtélyek is visszhangra találtak Botticelli festményén.

Vénusz születése
SANDRO BOTTICELLI
1483–1485 Vászon, tempera. 172,5x278,5

"A Vénusz születése", akárcsak a "Tavasz", a művész Lorenzo di Pierfrancesco Medici számára írta. A kép cselekménye azon a mítoszon alapul, hogy a szerelem istennője hogyan született a tenger habjából. Botticelli találhatta a mítosz kifejtését ókori szerzőktől vagy annak feldolgozását Angelo Poliziano költőtől, aki az udvarnál dolgozott.

…Bevonja
A szerelmes mályvacukor a partra süllyed,
És az egük örül menekülésüknek...
... És láthatod – ragyog az istennő szeme.
Előtte mosolyogva az ég és az elemek.
Ott, fehérben, Horák sétálnak a parton...

A kagylóban álló Vénusz Zephyr és Chloris sürgetésére úszik, és Ora, az istennő egyik társa, aki fátylat tart, hogy beborítsa őt, szembejön vele. A fátyol szeszélyes redői és a szélben csapkodó ruhák, a hullámok a tengeren, a part szaggatott vonala, a „hullámos” kagylólebeny, végül a Vénusz röpködő haja – mindez kirajzolja a sima körvonalakat istennő testét, és fokozza a megjelenése által keltett legmagasabb szintű harmónia érzését. Vénusz feje fölött a szereplők kezei szinte összezáródnak, és úgy tűnik, mintha egy ív borítaná be, amit a kagyló lekerekített alja is visszaköszön. Így az istennő alakja egy képzeletbeli oválisban záródik. Ha a "tavasszal" a kompozíció több azonos jelentésű csoportból áll, akkor itt a Vénusz a középpont, amely felé minden törekszik.

A reneszánsz művészek számára a meztelen Vénusz, szemben az öltözöttvel, a mennyei szerelmet jelképezte. Botticelli ezzel a tisztasággal ruházta fel hősnőjét, amelyet a legmagasabb erényként tisztelnek, ezért az imádat motívuma is jelen van a képen. A hősnő gyönyörű arca Botticelli festményein a Madonnák arcához hasonlít, ezért ebben az alkotásban a keresztény téma az antik témán keresztül szólal meg, az ókori humanizmus és a kereszténység ötvözete pedig az olasz reneszánsz jelenségét adta.

Madonna és gyermeke angyalokkal (Madonna del Magnificat)
SANDRO BOTTICELLI
1483. Fa, tempera. Átmérője 118

A „Magnificat” a katolikus Szűz Mária dicsérő ének neve, amelyet ennek a doxológiának az első sorban adnak: „Magnificat anima mea Dominum” - „Magnificat anima mea Dominum” - „Magnificat anima mea Dominum” - „Magnificat anima mea Dominum” - „Magnificat anima mea Dominum” - „Magnificat anima mea Dominum” - „Magnificat anima mea Dominum”, ezért a képnek van egy második neve, ami lefordítja mint „Madonna varázsa”. Botticelliben az Istenanya tollat ​​tart a kezében, és arra készül, hogy tintába mártsa, majd leírja a könyvbe Lukács evangéliumának szavait, amelyekre a himnusz van írva.

A tondó - kerek kép - formája különösen jól illett Botticelli festményéhez sima, folyó vonalaival, testhajlításaival, lehajtott karakterfejeivel. Ebben az esetben a művész az egész kompozíciót lekerekített körvonalakkal adja meg, amelyeket a Madonna és a Gyermek pózai alkotnak, a bal oldalon a meghajolt angyal, felül az angyalok kezei találkoznak, a koronát tartják és ráhelyezik. Mária feje. Ráadásul az egész csoport egy kerek ablak hátterébe kerül, a mögötte lévő táj is furcsán görbül, mintha egy domború tükörben tükröződne. Ez Botticelli egyik leglíraibb alkotása, ahol a zene kompozícióban, ritmusban, színekben, vonalakban és arckifejezésekben ölt testet.

szent allegória
GIOVANNI BELLINI
1490–1499 Fa, olaj. 73x119

Giovanni Bellini, akinek munkássága az egész velencei festészetet és mindenekelőtt hangulatát befolyásolta, egy rejtvényt hagyott maga után, amelyet még mindig nem tudnak megfejteni: mi a "Szent allegória" festmény cselekménye? Ezt az elvont nevet azért kapta, mert senki sem tudott pontosan válaszolni a kérdésre.

A művész az úgynevezett szent beszélgetést ábrázolta: a trónon ülő Istenszülő a szentekkel szemben áll. Közülük megkülönböztethető Pál karddal, aki elűz egy turbános férfit, Péter a korlátra támaszkodva és az emelvény bejáratát őrzi, Sebastiant nyíllal a mellkasában és Jóbot, aki imádságosan összekulcsolta a kezét. De a „szent beszélgetés” kompozíciója, amely mindig központi szerepet kapott, amikor Bellini vagy más művészek ehhez a cselekményhez fordultak, oldalra fordul a néző felé, és az egyik bemutatott motívummá válik. A másik a fa alatt játszó babák. Csoportjukban kiemelkedik az, aki az emberi bűnöket jelképező almát tart a kezében. Ez a gyermek lehet Krisztus, aki azért jött a világra, hogy engesztelje a bűnöket, és a körülötte lévő csecsemők olyan lelkek lehetnek a purgatóriumban, akikért a szentek imádkoznak. A folyó nagy valószínűséggel nyár, elválasztva ezt a világot az élők világától, ami a középső és távoli tervekben is látható. Ott egy horgony imádkozik egy barlangban, egy kentaur, megszemélyesítve a kísértéseket, a közelben kóborol, és még további emberek élik hétköznapi életüket.

De igaza volt Pavel Muratov orosz művészeti kritikusnak, amikor így írt Belliniről: „És talán nem is annyira az ábrázoltban rejlik festészetének kulcsa, mint inkább abban az érzésben, hogy itt minden át van itatva.<…>Megértjük a mély szemlélődő meditációt, amelyben szentjei elmerülnek, és a csecsemős játékok testetlen finomságát a sötét levelű misztikus fa aranyalmáival. A Lethe alvó tükörvizei mögött megnyíló országban felismerjük imádság és báj országunkat. Lelkünk ott vándorol a sziklák magányában, mikor kiszabadul az álom... Reggel hajnalban másodszor is belemerülnek a Lethe vizébe, és szomorúságot őrizve kivonulnak az élet partjára. .

Pieta
PIETRO PERUGHINO
1493–1494 körül. Fa, olaj, tempera. 168x176

Az umbriai festőiskola vezetője és Rafael tanára, Pietro Perugino olyan festményeket készítettek, amelyeken például a bemutatotton különös csend uralkodik. A „pieta” szó, amely olaszul „könyörületet, szánalmat” jelent, a festészetben és a szobrászatban arra a jelenetre utal, amikor az Istenszülő az ölében fekvő halott Krisztust gyászolja.

A képet két, egymással kiegyensúlyozott kompozíciós vonal uralja - a Megváltó elnyújtott teste és a félköríves ívek, melyeket Mária alakja is visszaad. A boltív - a mennyei boltozat és a világharmónia szimbóluma - már formájával is egy érzést visz a kompozícióba, hangsúlyozva, hogy Krisztus áldozata nem volt hiábavaló. Arcán - megnyugvás, az Istenanya - mély vágy, amely nem talál kiutat, János evangélista és a mögötte álló szent arcán pedig az a kifejezés, amelyet a klasszikus "szomorúságom fényes". ." A szomorúság és vele együtt a remény egyaránt érezhető a távoli tavaszi tájon és az ábrázolt mindent beborító arany levegőben.

OLASZ MŰVÉSZET:
XVI. SZÁZAD ÉS UTÁNA

Madonna és gyermeke angyalokkal és prófétával (hosszú nyakú Madonna)
PARMIGANINO (FRANCESCO MAZZOLA)
1534–1540. Fa, olaj. 216x132

A manierizmus egyik vezető művésze, Parmigianino a reneszánsz mestereivel ellentétben a harmóniát kereste a szándékosan megváltoztatott, megnyúlt és mintha a végtelen felé vonzódó figurákban és tárgyakban. A "Hosszú nyakú Madonna" festményt a mester készítette barátja nővére, Elena Baiardi megbízásából a pármai Santa Maria dei Servi templomba.

Az ábrázoltak testei megnyúltak (innen ered ennek a műnek a második neve) és hullámszerűen íveltek. Ez különösen jól látszik az elöl álló angyal alakján. Az irreális, varázslatosság érzését, amit ez az alkotás idéz, erősítik a hideg, gyöngyházszínek, valamint a többihez képest túl kicsi Szent Jeromos figura és az építészeti háttér, a befejezetlen, vagy szándékosan, vagy a mester halála miatt, ahol az oszlopokról kiderült, hogy semmit sem viseltek. És ugyanakkor itt egyetlen oszlop különleges jelentést kap, mint a kitartás szimbóluma.

A keresztre feszítés a vázán egy angyal kezében látható. A Megváltó eljövendő gyötrelmének és halálának témája az alvó gyermek pózában is megtestesül, amely a pieta ikonográfiájára emlékeztet - a halott Krisztust gyászoló Istenanya képére, akit térdén tart.

OLASZ MŰVÉSZET (XVI. SZÁZAD ÉS KÉSŐBB):

• Doni Madonna (Szent Család). Michelangelo Buonarroti
• Önarckép. RAFAEL SANTI
• Madonna aranypintyvel. RAFAEL SANTI
• Harcos és zsellér (Gattamelata). GIORGIONE (?)
• Adonis halála. SEBASTIANO DEL PIOMBO
• Perszeusz felszabadítja Andromédát. PIERO DI COSIMO
• Növényvilág. TITIAN VECELLIO
• Eleonora Gonzaga della Rovere portréja. TITIAN VECELLIO
• Vénusz Urbinszkaja. TITIAN VECELLIO
• Madonna és gyermeke (Hárpiák Madonnája). ANDREA DEL SARTO
• Egy lány portréja Petrarch verseskötetével. ANDREA DEL SARTO
• Idősebb Medici Cosimo portréja. JACOPO PONTORMO
• Vacsora Emmausban. JACOPO PONTORMO
• Csodálatos Lorenzo portréja. GIORGIO VASARI
• Bia Medici portréja. AGNLOLO BRONZINO
• Portré Toledói Eleanorról fiával, Giovanni de' Medicivel. AGNLOLO BRONZINO
• Léda és a hattyú. JACOPO TINTORETTO
• Madonna del Popolo. FEDERICO BAROCCI
• Bacchus.
• Izsák áldozata. Michelangelo Merisi da Caravaggio
• Dávid Góliát fejével. Michelangelo Merisi da Caravaggio
• Judit lefejezte Holofernészt. ARTEMISIA GENTILESCHI
• Kilátás a velencei Dózse-palotára. ANTONIO CSATORNA (CANALETTO)
• Felicita Sartori (?) portréja török ​​viseletben. ROSALBA CARRIERA

Madonna Doni (Szent Család)
Michelangelo Buonarroti
1505–1506 Fa, olaj, tempera. Átmérője 120

Ez az egyetlen elkészült festőállvány festménye, amely Michelangelotól került hozzánk, aki a szobrokra, építészetre és freskókra összpontosított. Monumentális falfestményein az alakok a szobrászatra hasonlítanak, és ez nem véletlen: amikor Benedetto Varka írót arról kérdezték, hogy melyik a magasabb – a festészet vagy a szobor, Michelangelo így válaszolt: „Számomra úgy tűnik, a festészet jobb, ha több. hajlamos a megkönnyebbülésre."

Tehát a "Madonna Doni"-ban vagy a "Tondo Doniban" (tondo - kerek alakú kép vagy dombormű) Madonna, Krisztus, Szent József, Keresztelő Szent János és a háttérben fiatal férfiak alakja van kiírva. pontosan domborművesen, szoborszerűen. Ez a tulajdonság azonban megkülönböztette Toszkána egész képi iskoláját például a velenceitől. A középső csoport szoborkompozícióra emlékeztet: kompakt, minden oldalról körbejárhatónak és vizsgálhatónak tűnik. Ezen az alkotáson az építész gondolkodása is érezhető, így minden ábrázolt stabil és biztonságosan „rögzül” a térben.

A kép festménye monumentális festményre emlékeztet, hasonlóan azokhoz a freskókhoz, amelyeket Michelangelo a Sixtus-kápolna mennyezetén festett 1508-1512-ben. A szereplők figurái és Madonna Doni drapériáinak redői lapidárisak, vagyis távoli látásra tervezték. Az Istenanya póza éppoly összetett, mint a Sixtus-figuráké, mintha valamiféle építészet plaszticitását akarná visszhangozni. Térkompozíciójával pedig mélységbe menve a tondo úgy néz ki, mint egy festett mennyezeti lámpa.

Pedig ez egy festőállvány, ezt bizonyítja a monumentális festészetben nem annyira szükséges mély és tiszta színekből álló színe, valamint a tondo zárt kompozíciója és az ábrázolt élénk karakterek. Így Michelangelo, aki elsősorban szobrásznak nevezte magát, bebizonyította, hogy folyékonyan járatos a festőállványfestés technikáiban, és a magas reneszánsz mesteréhez illően minden tehetségét megmutatta ebben a munkában.

Önarckép
RAFAEL SANTI
1506. Fa, tempera. 47,5x33

Egy fiatalember ihletett arccal, egy fiatal zseni arca – ilyen Raphael, aki egy önarcképről néz ránk. Megjelenéséből nyugalom és mennyei harmónia árad, ami megkülönbözteti a művész egész festészetét. Ennek a képnek a színezése határozottan visszafogott - semleges háttér, sötét haj, ugyanaz a sapka. A sötét öltözék és a meleg színű bőr között egy keskeny, fehér csík látható az ingen – ebben a legvékonyabb átmenetben a süketfeketétől az élénk arc- és nyaktónusokig – mind Raphael, aki érezte a festészet mély törvényeit.

A művész egy ehhez nagyon hasonló, csak tükörben kiterített önarcképet helyezett el a vatikáni „Stanza della Senyatura” „Athén iskola” (1508–1511) freskójára: jobbra, a képen. az ókori görög festőről, Apellesről, Raphaelről ugyanaz a magas költészettel teli kép látható.

Madonna az Aranypinccsel
RAFAEL SANTI
1507. Olaj, fa. 107x77

Ez egyike azoknak a képeknek a Madonnáról és a Gyermekről Keresztelő Jánossal, amelyet Raphael készített Firenzében. Barátja, Lorenzo Nazi kereskedő rendelte a művésznek a saját esküvőjére. A festő itt ugyanazt a háromszög alakú kompozíciót használta, mint más e témában készült festményeken, aminek köszönhetően a kép egyensúlyt és ritka harmóniát kapott.

Mária mintha a Gyermek Krisztust és a kis Jánost takarná. Alakjának lágy vonalai, köntösének gördülékeny redői, valamint a háttérben a Raphaelre jellemzővé vált idilli táj, a táj sima körvonalaival, könnyed ködbe merülve, elolvadva betölti a képet. békés hangulattal. De az aranypinty, Krisztus szenvedésének jelképe, Keresztelő János kezében, akihez a csecsemő nyúl, riasztó hangot visz a képbe. Ugyanakkor a Madonna szelíd, lesütött szemű, puha hajjal keretezett arca nyugalmat fejez ki, amely átadódik a nézőnek.

Harcos és Squire (Gattamelata)
GIORGIONE (?)
1505–1510 körül. Vászon, olaj. 90x73

A vászon Erasmo de Narni condottiere-t ábrázolja, aki majdnem egy évszázaddal a festmény előtt élt, és a Gattamelata - „szerető macska” becenevet kapta. A társadalom alsóbb rétegeiből érkezett, felbérelt katona lett, különböző városokban és különböző uralkodókban szolgált, condottiere rangra emelkedett - a különítmény vezetője, aki a kommün szolgálatában állt. Ezenkívül ő lett Padova uralkodója, és Donatello lovas szobrát a fő padovai székesegyház - Sant Antonio pápai bazilika - közelében helyezték el. A Gattamelata melletti festmény valószínűleg fiát, Antonio-t ábrázolja.

Giorgione és követői a 15-16. század fordulóján egy egész irányzatot alkottak a velencei festészetben, melynek jellemzője az ábrázolt szereplők szemlélődő hangulata volt. Így hát ez a finomítatlan külsejű, a kockázatokkal teli kemény élethez szokott harcos olyan arckifejezéssel dermedt meg, mintha zenét hallgatna. Kardját, páncélját és sisakját csak szimbólumoknak tekintik, a fiú pedig egy angyal, aki a válla fölött áll.

Adonis halála
SEBASTIANO DEL PIOMBO
1512. Olaj, vászon. 189x285

Giovanni Bellini tanítványaként és Giorgione hatása alatt Sebastiano del Piombo átvette belőlük a formák lágyságát és a lírai hangulatot, és bevitte festményeibe. De miközben Rómában dolgozott, Raphael művészete is hatott rá abszolút harmóniájával és Michelangelo, aki példátlan erővel ruházta fel szereplőit.

A bemutatott vásznon a művész Adonisz, a legszebb fiatalember, Aphrodité szerelme mítoszához fordult, akit egy vaddisznóvadászat során öltek meg. Del Piombo azt a pillanatot ábrázolta, amikor Aphrodité megtudja Adonis halálát, amiről Ámor tájékoztatja őt, és a munka nagy részét a ligetben ülő istenségek foglalják el, a haldokló hős pedig távol van. Ez a technika - az egész jelenet csúcspontját egy bizonyos távolságra vinni, késleltetni a néző általi észlelését - kiélezi azt a szorongó hangulatot, amely a képen kiárad, és hullámban fut végig a szereplőkön.

A háttérben a művész Velence látványát örökítette meg a Doge's Palazzo-val és a Szent Márk-székesegyház harangtornyával, amely tükröződik a lagúna csendes vizében. Az esti táj világoskék égbolttal, aranysárga naplementével, fehér, puffadt felhőkkel az égen, szárazföldön és vízen futó árnyékokkal minden ábrázolt finom szomorúsággal tölti el, amelyet a velencei művészek szerettek közvetíteni festményeiken.

Perszeusz felszabadítja Andromédát
PIERO DI COSIMO
1510–1515 körül. Fa, olaj. 70x120

Piero di Cosimo firenzei művész a magas reneszánsz harmonikus, spiritualizált képeit ötvözte munkáiban az őt körülvevő világ részletes ábrázolásának szeretetével, amelyet a holland festőktől vett át.

A bemutatott festményen, amelyet a kreativitás késői időszakában festett, a mester az ókori görög mítoszt használta, amely arról szól, hogy Perseus megmentette Andromédát. A Gorgon Medusa legyőzése után visszatérve a hős egy sziklához kötözött lányt látott. Androméda volt az, akit szülőhazájának lakói feláldoztak egy tengeri szörnyetegnek, amely felfalta az embereket, hogy megszabaduljanak tőle. Perseust szárnyas szandáljában és láthatatlanná tevő varázssisakjában kétszer is ábrázolja a kép - a tenger felett repülve, egy szörny hátán állva, kardot hadonászva. Bal oldalon Androméda gyötrődött és ijedt emberek bújnak meg, köpenyekkel takarják be magukat, jobb oldalon pedig az emberek szórakoznak és babérágakat lengetnek, dicsőítve a hőst.

Különböző idők eseményeinek beillesztése a kompozícióba, mesére emlékeztető értelmezésük az előző század máig nem elavult hagyományairól - a Quattrocento -ról tanúskodnak, de a figurák lágy körvonalai és a távolban tágra nyílt táj azt jelzi, ez a mű a magas reneszánsz korszakában készült.

Növényvilág
TITIAN VECELLIO
1515–1517 körül. Vászon, olaj. 79,7x63,5

Arról, hogy kit ábrázol Tizian, a magas reneszánsz velencei művészének bemutatott festménye, régóta vitatkoznak. Egy időben azt hitték, hogy ez az idősebb Palma művész lánya, és magát a művet is neki tulajdonították, majd amikor ismét Tizian művének ismerték el, a festmény hősnőjével kapcsolatos viták folytatódtak. Az ötlet, hogy az elfogott lányt Flórával, a virágok római istennőjével azonosítsák, egy csokor a kezében sugallta. Ennek a fiatal, virágzó, álmodozó hajú, egyik vállról lehulló fehér inges lénynek az egész megjelenése pedig valóban az ősi istennőhöz kötődik.

Ugyanakkor ez egy valós velencei portréja, a kor divatjának megfelelően aranyszínű hajjal és világos, bársonyos bőrrel. Elképzelhető, hogy az ifjú Tizian az ókor témájában fantáziálva festette meg, és az eredmény egy eleven, telt vérű és egyben a valóság fölé emelt kép lett.

Eleonora Gonzaga della Rovere portréja
TITIAN VECELLIO
1536–1537 Vászon, olaj. 114x103

Tizianus, aki mitológiai és keresztény témájú festményeket, valamint Flora-hoz hasonló fantasy portrékat készített, általában szabad volt a képi eszközökben. De előkelő személyeket ábrázolva úgy tűnt, azzá a világi emberré vált, mint az életben. Szerette az életet, és tudta, hogyan kell élvezni azt, ennek ellenére jól tudta, mik az etikett konvenciói. Ezért a portrén mindenekelőtt egy nemesi olasz családból származó arisztokrata látható, aki ünnepélyes pózban ül, és fényűző ruhába öltözött. A művész gondosan átadta a bársony ridegségét, az arany ragyogását és a csipke légiességét.

Tizian Eleanor méltóságát hangsúlyozza, és rajta keresztül - erényét - ez a koncepció fontos volt a reneszánsz számára. A modell arca szenvtelen, és csak a fehér bőrön enyhe pír és az intelligenciától és erőtől ragyogó barna szemek elevenítik fel, és teszik lehetővé az osztálya által előírt korlátok között létező nő karakterének megérezését. Ha igaz, hogy Eleanor Tizian múzsájaként szolgált, amikor olyan festményeket festett, mint a "Lány szőrköpenyben" és különösen az "Urbinói Vénusz", akkor elképzelhető a festő lehetőségeinek skálája: képes volt fantáziálni a megjelenésről. a kedvelt nőkről, és szigorú ünnepi portrékat festeni.

Vénusz Urbinszkaja
TITIAN VECELLIO
1538. Olaj, vászon. 119x165

Az ősi téma, amely gyakran felmerült Tizian munkájában, lehetővé tette ennek a vidám velenceinek, hogy a vászonra dobja a világ iránti csodálatát és azt a képességét, hogy értékelje szépségét. A mester az ókort mint élőt szerette, ezért bátran helyezte kortárs környezetbe a görög vagy római mitológia szereplőit.

"Vénusza", amelyet Guidobaldo dela Rovere, Urbino hercege szerzett meg, és ezért kapta mai nevét, egy fiatal velenceit, egy élénk megjelenésű, finom testű és arany hajú szépséget képvisel. Testtartása a „Vénusz Pudik” klasszikus típusára emlékeztet, vagyis „félénk”-re, de ez a lány, ha kicsit is zavarban van, teljesen tisztában van szépségével. A képen Giorgione alvó Vénusza visszhangzik, amelyet a Drezdai Művészeti Galériában őriznek, de az istennő álarcát bújó Tizian több érzékiséggel bír. Ez az érzékenység azonban megtévesztő. A művész olyan helyiséget választott, ahol minden az erős otthon kényelmét lélegzi: a háttérben egy szobalány keres valamit a ládában, egy másik pedig várakozóan néz rá. Az ablakon mirtusz áll - a házasélet szimbóluma, fehér lepedőt fektetnek az ágyra és fehér párnákat dobnak, a rajtuk fekvő nő tisztaságáról beszélve, akinek a lábainál az odaadást jelképező kutya összegörnyedt. Így a kép rejtett jelentését házastársi szerelemként kell érteni.

Madonna és gyermeke (Hárpiák Madonnája)
ANDREA DEL SARTO
1517. Olaj, vászon. 207x178

Andrea del Sarto akkoriban dolgozott, amikor a reneszánsz festészet csúcspontján volt, így a művész munkája magában hordozza ennek a művészetnek minden jellemzőjét. Ez különösen a festmények képeinek harmóniájában, magasztosságában mutatkozott meg. Ám ugyanakkor a mester alkotásain a már kialakulóban lévő modorosság jelei is láthatók: elnyújtott alakok, nyilvánvaló „színpadi” jelenet, a pózok és gesztusok aláhúzott eleganciája, valamint egy alig észrevehető „cukiság”, amely a a karakterek megjelenése.

A bemutatott alkotás a firenzei San Francesco templom számára készült, így a vásznon Szent Ferenc is látható. Jobb oldalon Szent János evangélista látható. A festmény nevéhez a talapzaton magas domborműben faragott különös szárnyas lények fűződnek. Giorgio Vasari úgy vélte, hogy ezek hárpiák - a görög mitológiából származó szörnyek, női fejű madarak. De nagy valószínűséggel ez az Apokalipszisből származó sáskák képe, amelyet János evangélista alakja is jelez, akinek Jelenések könyvében ez áll: „És a sáskák kijöttek a füstből a földre, és hatalom adatott azokat, amelyekkel a földi skorpiók rendelkeznek” (Jel 9:3). A közelgő katasztrófák szimbólumai fölött álló Istenszülő ábrázolásával a művész az igazak megmentőjeként betöltött szerepét hangsúlyozta.

Egy lány portréja Petrarch verseskötetével
ANDREA DEL SARTO
1528. Fa, tempera. 87x69

A pompával teli képek és a lírai, melegszívű lányportré jelentik a két pólust Andrea del Sarto, a magas reneszánsz firenzei művész munkásságában. A melegség és a háziasság azonban ezen a portrén is jelen van, mert a mester szeretett feleségének, Lucreziának az első házasságából származó lányát - mostohalányát, Máriát - festette meg, akit sajátjaként nevelt.

Ravasz pillantással a nézőre, a lány Petrarch szerelmi szonettjeit tartja a kezében. Most először érinti meg az érzések titkait, amelyek izgatják és integetik, a hősnő el akarja rejteni felfedezését, és ezt nem teheti meg, ügyetlenül mutogatva az ujjával az olvasott sorokra. Mindezt olyan pontosan rögzíti a művész, hogy egy látszólag közönséges cselekmény egy szerelmes lánnyal, önkéntelenül is felemelkedett belső állapotára utalva meleg és áhítatos hangulatot ébreszt a nézőben. Kevesen értek el ekkora mélységet egy fiatal lény belső világának feltárásában Andrea del Sarto idejében.

Idősebb Medici Cosimo portréja
JACOPO PONTORMO
1519–1520. Fa, olaj. 86x65

Jacopo Pontormo e korai művében már a manierizmus jelei mutatkoznak, amelynek ő lenne az egyik alapítója. A képmód, vagyis az írásmód vonzotta a művészt.

Az idősebb Medici Cosimo portréja több mint fél évszázaddal azután készült, hogy a Medici-dinasztia alapítója, egy bankár és kereskedő, Firenze uralkodója lett, elhunyt. A posztumusz személyábrázolásban a mester némi szabadságot adhatott magának.

A portrét Urbino hercegének titkára, Lorenzo Medici, Cosimo egyik leszármazottja rendelte, valószínűleg fia születésére. Cosimo egy karosszékben ül, előtte babérfa ága, a család emblémája, körülötte papírszalag kanyarodik Vergilius Aeneisének verseivel. Az ábrázolt görnyedt vékony alakján és arcán a viharos évek fáradtsága érződik, kezei, mint a parancsolni szokottak, a hatalomtól megválni nem akarók, összeszorulnak. Cosimo vörös köntöse, amely a sötét háttér előtt kiemelkedik, riasztó hangot kölcsönöz a vászonnak, és átadja az emberi állapotot meghatározó drámát.

Vacsora Emmausban
JACOPO PONTORMO
1525. Olaj, vászon. 230x173

Ezen a képen Jacopo Pontormo azt a Lukács evangéliumában leírt pillanatot ábrázolja, amikor a feltámadt Krisztus, aki megjelent két tanítványának az emmausi úton, és nem ismerték fel őket, beleegyezik, hogy megossza velük az esti vacsorát: „ És amikor lefeküdt velük, akkor kenyeret véve megáldotta, megtörte és odaadta nekik. Ekkor megnyílt a szemük, és felismerték őt” (Lukács 24:30).

A festő Krisztust magasabbra ábrázolta, mint a jelenet többi része, de egy szinten van a nézővel, és a padló, az asztal és a mögötte ülő szereplők kicsit felülről láthatók. Ebből az egész kompozíció szó szerint a Megváltó alakjához húzódik. Pontormo bevezette munkájába a hétköznapi műfaj sajátosságait, amelyek észrevehetőek a diákok pózában, abban, ahogy egyikük bort tölt, a másikuk kenyeret tart. De Krisztus feje fölött Isten mindent látó szeme egy ragyogással körülvett, a Szentháromságot jelképező háromszögben ábrázolja, és ez visszaadja a nézőt a kép magasztos tervéhez.

Csodálatos Lorenzo portréja
GIORGIO VASARI
1533–1534 körül. Fa, olaj. 90x72

Az építész, művész és az olasz művészet első történésze, Giorgio Vasari festette ezt a portrét Alessandro Medici megbízásából sok évvel az ábrázolt személy halála után.

Csodálatos Lorenzo az idősebb Medici Cosimo unokája volt, és Firenze minden hatalmát az ő kezében összpontosította, ugyanakkor művészeket és költőket pártfogolt, és maga is írt verseket. Uralkodásának ideje a firenzei művészet "aranykora". Ám ez a portré egy fáradt tekintetű, megfontolt férfit ábrázol, aki közömbös a hírnév és a gazdagság iránt, amire a piros erszény utal, és még az is, hogy "minden erény edényének" nyilvánították, amint azt a mögötte lévő felirat is bizonyítja. Vasari a képen azt a vágyat fejezte ki, hogy az uralkodó lelkében a festészet, a költészet és a humanisták szavai visszhangoztak.

Az orosz művészetkritikus, Pavel Muratov így írt Lorenzóról, ahogy hanyatló éveiben volt: „Akkor Firenze még vele lélegzett; megvesztegethetetlenné tette a képét. A Quattrocento Firenze, a Csodálatos Lorenzo Firenze még a következő nemzedékek számára is úgy tűnt, mint egy ősi istenség megnyilvánulása egy olyan emberben, aki meglátogatta az olasz földet. Egyszerűen megszólítani őt felemelő volt. Amikor fél évszázaddal később... Giorgio Vasari felvette Lorenzo portréját most az Uffiziában, furcsa módon újjáéledt benne a régi Firenze zsenije...

Bia Medici portréja
AGNLOLO BRONZINO
1542. Fa, tempera. 64x48

Agnolo Bronzino, aki a Mediciek I. Cosimo hercegének dolgozott, sok udvari festőhöz hasonlóan nem annyira az ember belső világát igyekezett átadni, mint inkább azoknak az érzéseit, akiket megragadt magas pozíciójukról. Ennélfogva - az általa ábrázolt emberek némi leválása. De a bemutatott portrén a lány a testtartás minden ünnepélyessége és kissé „zárt” arckifejezése ellenére tele van bájjal, mint minden gyerek. Ugyanakkor némi szomorúság árad belőle. Talán az a tény, hogy ez I. Cosimo lányának, Biancának a posztumusz portréja, akit kicsinyen Biyának hívtak. Apja és Toledói Eleanor házassága előtt született egy nőtől, akinek a nevét csak maga a herceg és az anyja ismerte. Biya gyerekkorában meghalt, apja rendelt egy portrét Bronzinóról, a művész pedig egy pirospozsgás gömbölyű arcú, felnőtt tekintetű kislányt festett, aki látszólag a nézőt nézte, de mellette is.

Portré Toledói Eleanorról fiával, Giovanni de' Medicivel
AGNLOLO BRONZINO
1545. Olaj, vászon. 115x96

Agnolo Bronzino a manierizmus képviselője volt, egy festői mozgalom, amely a hanyatló magas reneszánsz zsigereiben keletkezett. A manierizmus a művészetet a természet fölé helyezi, innen ered az a bizonyos hidegség, amely a művész munkáiból árad. Ugyanakkor portréi tele vannak azzal a személyről szóló tudással, amely csak a nagy mesterek számára elérhető.

Toledói Eleanor, a nápolyi alkirály lánya és Cosimo I de Medici felesége, valamint gyermekei Bronzino nem egyszer írtak, de ez a portré talán a legjobb. Itt Toszkána uralkodójaként mutatják be. A nő aranyhímzésű ezüstbrokátból készült luxusruhába öltözött, fején gyöngyháló, mellkasán gyöngyfűző, arca kifehéredett, arckifejezése elkülönült. De a kövérkés baba, akit Eleanor megölel, elfeledteti a címét, és meglátja, hogy mi mindenekelőtt egy anya vagyunk (tizenegy gyermeket szült), aki szereti a gyermekét és aggódik érte. Az anyai szorongást, amelyet még az etikett kedvéért sem tudott elrejteni, észrevette Bronzino egy női tekintetben. Kiderült, hogy a hercegnő egész fényűző ruhája egyfajta figyelemelterelés, ami arra készteti a nézőt, hogy másodlagos dolgokra nézzen, hogy később Eleanor szemébe nézzen, és megértse, hogy ezt a képet egy olyan művész készítette, aki mélyen megértette az embert.

Léda és a hattyú
JACOPO TINTORETTO
1555. Olaj, vászon 162x218

Ez a velencei festő nagyméretű vásznakat készített, amelyekben a szereplők pózai és gesztusai összetettek és kifejezőek, a fény pedig a sötétséggel küzd. Ebben az esetben Tintoretto az ókori mítoszhoz fordult, hogy Zeusz, vagy a rómaiaknál Jupiter, Léda szépségétől elragadtatva, hattyú alakjában jelent meg számára. Az ókori római költő, Ovidius ezt írta a Heroidesben:

Mire kell emlékezni a patakok fehér tollú madarának csalásáról
És bánkódni, hogy a Jupiter hattyúja elbújt magában?

A cselekmény azért volt népszerű az olasz művészek körében, mert lehetősége nyílt az érzéki szerelem árnyalatának közvetítésére, egy nő gyönyörű meztelen testének ábrázolására, és végül különleges plaszticitást hoz a képbe. Tintorettoban a hattyú Lédához nyúl, aki maga is ehhez a kecses madárhoz hasonlít. A legenda szerint az akció az Evros folyón zajlott, ahol Leda fürdött, de a művész áthelyezte a jelenetet egy gazdag velencei ház szobájába. A szépség az ágyon fekszik, mögötte egy bársonyfüggöny, amely kiemeli a test fehérségét, és hangsúlyozza annak simaságát és gyengédségét. A bal oldalon egy szolga, aki nem tudván, milyen hattyú az, éppen ketrecbe akarja rakni. A szobalány akciója, akitől Leda elzárja kedvesét, felerősíti a képen jelenlévő rejtély pillanatát.

Madonna del Popolo
FEDERICO BAROCCI
1575–1579 Vászon, olaj. 359x252

A barokk eredete jól látható Federico Barocci festményén, aki nagy, érzelmileg kifejező vásznakat hozott létre sok karakterrel és összetett kompozícióval. Ez a művészet a pápai Rómában az ellenreformáció idején virágzott, amikor a katolikus egyház minden lehetséges módon meg akarta erősíteni pozícióját, és olyan erőteljes festményt akart, amely vonzó a hívek számára.

Barocci Krisztust ábrázolja, aki előtt az Istenszülő letérdelve imádkozik a Fiúhoz az emberiségért (innen ered a festmény neve: a „popolo” olaszul „nép”). A legkülönfélébb emberek tolonganak alatta: nyomorék, vak zenész, nemes hölgy gyerekes, egyszerű nő gyerekes. A képen visszhangra talált a „hét irgalmasság” témája is, amely a katolikus egyház tanítása szerint az üdvösségre vezet. Ezért például itt egy gazdagon öltözött fiút ábrázolnak, aki alamizsnát ad a szegényeknek.

Az összkép tele van mozgással, a háttérben az építészet furcsán eltolódik a térben, valami illuzórikus benyomást keltve. Ez a vonás a manierizmusra is jellemző volt, amely irányból a barokk is kinőtt.

Bacchus
Michelangelo Merisi da Caravaggio
1595–1597 körül. Vászon, olaj. 95x85

Caravaggio a barokk eredeténél állva festette ezt a képet életének egy viszonylag nyugodt időszakában. Ezért a témaválasztás - Bacchus, a bor és a szórakozás görög istene, amelynek képén a mester egy bágyadt tekintetű fiatalembert mutatott meg, aki szeretettel egy pohár bort nyújtott a nézőnek.

Erős, izmos teste egészséget sugároz, arcán gyengéd pír játszik, telt ajkak lédúsak, a vászon színe pedig ünnepi hangulatot hagy maga után. De a Bacchus előtti vázában nem olyan friss a gyümölcs: az alma rohadt, féreglyuk van rajta. És már hervadnak a szőlőlevelek a hős koszorúján. Caravaggio nem félt az életet olyannak ábrázolni, amilyen, élesen érezte annak rejtett drámáját, ami későbbi művészetében is tükröződött, amely az egész európai festészetre hatással volt. A művész ismét visszatért a vidám óisten témájához, de saját maga festett képére, testileg-lelkileg betegségtől kimerülten (a római Borghese Galériában tárolt „Sick Bacchus” vászon).

Izsák feláldozása
Michelangelo Merisi da Caravaggio
1601–1602 Vászon, olaj. 104x135

A Caravaggio művében erősödő dráma teljes mértékben megnyilvánult a bemutatott műben, cselekményéből adódóan annál is inkább. A festményt Maffeo Barberini bíborosnak festették, akinek pártfogását a művész élvezte. Azt a pillanatot ábrázolta, amikor a bibliai idős Ábrahám a parancs szerint feláldozza fiát, Izsákot, hogy megbizonyosodjon hite, Isten mélységéről.

Caravaggionak a legrövidebb idő alatt sikerült megfékeznie a szereplők által végrehajtott több heves akciót: az apa, kezével a megkötözött fiú fejét fogva, kést emelt rá, a fiú félve sikolt, de az Isten küldött angyal megállítja Ábrahámot, és az áldozati kosra mutat. Annyira elárasztják a képet az érzelmek, hogy még az angyal is aggódónak látszik, a bárány aggódó tekintettel húzza a fejét, mintha könyörögne, hogy ültesse Izsák helyére. A vízszintesen kibontakozó kompozíció időben kifeszíti a szereplők minden cselekményét, még erősebben kényszerítve őket és a nézőt is az itt bemutatott dráma átélésére. A barokk festészetet, melynek őse és egyik legfényesebb képviselője Caravaggio volt, nem hiába jellemezte éppen a szenvedélyek feszültsége.

De a művész nem csak egy adott pillanatban ábrázolta az emberi élményeket, hanem tovább ment, pszichológiailag elmélyítve azokat. Tehát Ábrahám arca a benne harcoló buzgó hitet és atyai szeretetet tükrözi. A háttérben félhomályba merülő táj fokozza a drámaiságot, de a hegyi város és az égbolt fényes távolsága kiemeli a közelgő virágzó eredményt.

Dávid Góliát fejével
Michelangelo Merisi da Caravaggio
1605. Olaj, vászon. 222x147

A bolognai iskola művészére, ahol az akadémizmus virágzott, Guido Reni szintén Caravaggio hatása alatt állt. Elfogadta a mester meggyőződését, hogy a művészetnek minél közelebb kell állnia a valósághoz, így nem kell félni attól sem, hogy kellemetlen vagy ijesztő dolgokat is ábrázoljon. A szenvedélyes, realista festészet és az akadémikus modor e szintézise testesült meg Reni Dávid Góliát fejével című festményében.

A karavaggizmus egyik jellemzője a kontrasztos megvilágítás volt, amit a művész itt alkalmaz, de fénye nem olyan meleg, mint Caravaggioé, inkább hideg. A bibliai pásztor, Dávid, aki legyőzte az óriást, kecses pózban, tollas sapkában áll, és távolról nézi az ellenség naturalisztikus részletekkel megírt fejét. Az olasz művészetben már a 15. században meghonosodott az a hagyomány, hogy Dávidot gyönyörű fiatalemberként ábrázolják, erre példa a Donatello-szobor. De az ellentét a fiatal, virágzó, magát az életet megszemélyesítő hős és a megölt óriás szörnyű feje között, amelyen Reni munkája alapul, a modorosság és az akadémizmus művészetére jellemző.

Judit lefejezi Holofernészt
ARTEMISIA GENTILESCHI
1620. Olaj, vászon. 199x162,5

Orazio Gentileschi lánya, a Caravaggio iskolához tartozók legjobbja, Artemisia Gentileschi örökölte ennek az irányzatnak minden jellemzőjét. A bemutatott képen megjelentek.

A vászonhoz a művész azt a pillanatot választotta, amikor Judith izraeli nő, aki elcsábította Holofernész asszír parancsnokot, akinek a hadserege ostromolta szülővárosát, megöli őt. Gentileschi egy véres jelenetet ábrázol ijesztő részletekkel: a szobalány megpróbálja megfogni Holofernészt a félelemtől elkeseredetten, Judith pedig megragadja a hajánál, és a kardpengét a nyakába szúrja.

Intenzív drámaiság jellemezte Caravaggio festményét, amely Juditot és Holofernészt is ábrázolta, Dávidot Góliát fejével. Ennek a mesternek a hatása megmagyarázza Gentileschi festményének összetett pózait és az élénk fehér fényt, mint egy villámcsapás, amely alakokat ragad ki a sötétből. Levelező tanárához hasonlóan Gentileschi is ügyesen ábrázolja az emberi testet, olykor erős és feszült, mint Judit karja, néha puhán és már-már ernyedten, mint Holofernész vállai és lábai.

A láthatatlan tengely körül kialakuló kompozíció, a szereplők erőltetett érzelmei, az ábrázoltban rejlő bizonyos teatralitás a barokk művészet jelei, amelyben a művész megmutatta magát.

Kilátás a velencei Dózse-palotára
ANTONIO CSATORNA (CANALETTO)
1755 előtt. Olaj, vászon. 51x83

A 18. századi Velencében a veduta, vagyis a városképek voltak népszerűek. Ez a hagyomány a 15. századi művészek, Gentile Bellini és Vittore Carpaccio művészetéből ered. De ha számukra a személy és a város egyenértékű volt, akkor a velencei ólom mesterei számára a város lesz a fő. Ennek a műfajnak az egyik legjobb képviselője a Canaletto. Szeretett egy hatalmas teret rajzolni, ahol Velence a víz és az ég közé illeszkedett, és gyakran ábrázolta a lagúnát, a Szent Márk-székesegyházat, a Dózse-palotát. A képen látható épületek a vízben tükröződnek, és "néznek" az égre. Ha a vásznakon a főszerep másik mestere, Francesco Guardi úgy tűnik, hogy mindent átitat a csatornák és a közeli tenger nedvessége, akkor Canaletto három eleme - víz, föld és levegő - egyenértékű. Földje nem egy ingatag sáv a vizek peremén, az építészet ünnepélyesen feltárulkozik, és mindent egyesít az égből a Serenissima áldott földjére – a „legfényesebb”, ahogy Velencét nevezik – aranyló fény. .

Felicita Sartori (?) portréja török ​​viseletben
ROSALBA CARRIERA
1730-as évek. Papír, pasztell. 70x55

A Rosalba Carriera által festett portrék a velencei festészet minden vonását viselik finom színeivel, fényével és levegőjével. A művész a rokokó stílus egyik képviselője, melynek jellegzetessége a világos, áttetsző (Carrieránál - a pasztelltechnikának köszönhetően) tónusok és játékos cselekmények. Valójában a XVIII. századi velencei festészet szerkezetében közel állt a rokokóhoz. Ebben, akárcsak ebben a fényművészetben, sok a karnevál: miután Velence megszűnt Európa politikai színházának egyik főszerepét játszani, maga is egyre inkább színházzá, szellemvárossá változott, ahol a a maskarázás kezdett természetes időtöltésnek tűnni. A képen látható lány török ​​ruhába öltözve, maszkkal a kezében ennek a karneválnak a része.

A gyöngyház, rózsaszín, kék a rokokó mesterek kedvenc színei közé tartozik. A modell testének íve, fejének elfordítása, oldalra pillantása is jellemzően rocaille.

HOLLANDIA, HOLLANDIA ÉS FLANDRIA MŰVÉSZETE

Önarckép
Rembrandt Harmens Van Rijn
1639 körül. Olaj, fa. 62,5x54

Rembrandt volt az a művész az új európai festészetben, aki az emberi lélek legmélyére igyekezett behatolni, ezért festett olyan sokat önarcképeket, mintha önmagával beszélne. Fiatalkorában, bár még boldog, sőt közönyös volt, szívesen ábrázolta magát felöltözve és kissé pózolva. „Rembrandt szeretett igazi színésznek öltözni és öltözködni” – mondta Eugene Fromentin francia író és művész. - Turbánt, bársonysapkát, nemezsapkát, büfét, esőkabátot vett fel... Hajába ékszereket fűzött, nyakába kövekkel díszített aranyláncokat. A művész ugyanakkor igyekezett behatolni az ember titkának titkába, ami ebben az „önarcképben” is megnyilvánul.
Virágzóan rajzolva a mester a fiatalságot és a szépséget igyekezett a vásznon tartani, mert ezek elmúlnak. Az ember úgy, ahogy van - gyenge, az idő kiszolgáltatottja és mégis erős, miközben érzi magában az élet ritmusát - ez Rembrandt festményének fő témája.

A HOLLANDIA, HOLLAND ÉS FLANDRI MŰVÉSZET:

• Helyzet a koporsóban. ROGIER VAN DER WEYDEN
• Pásztorok imádása (Portinari oltár). HUGO VAN DER GUS
• Szent Benedek. HANS MEMLING
• Angyali Üdvözlet. MATTHIAS STOMER
• Isabella Brant portréja. RUBENS PÉTER
• Lotaringiai Marguerite, Orléans-i hercegnő portréja. ANTONIS VAN DYCK

Helyzet a koporsóban
ROGIER VAN DER WEYDEN
1450 körül. Olaj, fa. 100x96

Rogier van der Weyden, a korai holland reneszánsz művésze festményén különböző emberi hangulatokat tudott ábrázolni. A bemutatott, valószínűleg egy olaszországi utazás során készült oltárképen a festő mély szenvedést közvetített, és egyben csodálatos színekbe és vonalakba öltöztette.

Arimatheai József és Nikodémus lelkiállapotukat teljes erejükkel rejtve, Krisztus vékony és lesoványodott testét a sírhoz viszik; John lehajolt, hogy megcsókolja a kezét; Mária Magdolna rémülten letérdelt, az Istenanya elgyötört arccal gyengéden fogja Fia kezét. Rogier van der Weyden ecsetet hajtó erős vallásos érzése itt mindent megvilágít, ezért mindennek ellenére szépséget ad a drámai jelenetnek. John pózai például kecsesek, a gesztusok finomak, a színek tiszták, a szellem pedig megragadt a távoli napsütötte tájról.

Hippolyte Taine francia történész és filozófus így írt az akkori holland művészekről: „Figyeljen szokatlanul gazdag és élénk színeikre, tiszta és erőteljes tónusaikra... a lila köntösök pompás szakításaira, a hosszan folyvást azúrkék mélyedésekre. ruhák, drapériák, zöldek, mint a rét, amelyet a nap sugarai áthatolnak... hatalmas fénybe, amely felmelegíti és bearanyozza az egész képet..."

Pásztorok imádása (Portinari oltárkép)
HUGO VAN DER GUS
1476–1478 körül. Fa, olaj. 253x588

Az északi reneszánsz mestere, Hugo van der Goes képes volt alkotásaiban tükrözni az őt körülvevő világot annak minden részletével, és egyúttal a reneszánszban rejlő magasságból szemlélhette az ábrázolt. A művészt őszintén érdekelte az általa festett emberek belső világa, és a leírt minőség reneszánsz jellegű. Mindez különösen teljes mértékben megnyilvánul a bemutatott triptichonban.

Az oltárt a pásztorok Krisztus-gyermek imádatának szentelték, oldalsó szárnyain adományozók – Tommaso Portinari, felesége, Maria Baroncelli, gyermekeik és szentjeik –, a szárnyak hátoldalán pedig az Angyali üdvözlet. Az olasz Tommaso Portinari, aki a belga Brugge városában a Medici bankirodát vezette, a firenzei Sant'Egidio templomba rendelte ezt az oltárképet.

Az oltár fő része egy hatalmas tér, amelynek középpontjában a Gyermek Krisztus található, amely különösen kicsinek tűnik az Istenszülő, József és a pásztorok alakjaihoz képest. Az olasz mester ebben az esetben egy kövérkés és nagy gyereket rajzolt volna, hogy hangsúlyozzák szokatlan származását, de a holland művész hű az élet valóságához, ezért Van der Goes oltárképén az újszülött kicsi, ő egy alig megszületett személy homályos kinézete, a karok és lábak gyenge mozgása. A világra jött Istent egy apró, megható gyermek alakjában ábrázolva a művész különleges hangulatot, gyengédséget adott a műnek.

Finoman fejezi ki ezt az érzést, hiszen itt senkit sem érintenek meg nyíltan: az Istenanya belemerül a Fiú szemlélődésébe, az angyalok részletekbe menően imádkozni kezdenek, a többi szereplő arcán mély megfontoltság, komolyság. Ám ahogy József haját, akinek nem volt ideje kisimítani az izgalomtól, szorgalmasan imára font kezei dobálják, a pásztorok a baba előtt meghajló késztetéstől, örömteli megrázkódtatást érez, ami felváltva érzelmek által ezeknek az embereknek a lelkében. És csak az egyik durva, közönséges arcú pásztor, akinek nem volt ideje letérdelni és imádságra összefonni a kezét, nézi a történéseket, szó szerint kinyitja a száját csodálkozva. A művész mindezekre a részletekre odafigyel, hiszen ezek teremtik meg a kép hangulatát, mint az előtérben a vázában lévő, részben omladozó virágok, jobbra pedig az angyalok hímzett köntösei, és a gyönyörű, fényes táj. a háttér.

Amikor 1483-ban az oltárt áthozták a tengeren Firenzébe, az lenyűgözte azokat, akik látták, és nagy hatással volt az olasz festészetre.

Szent Benedek
HANS MEMLING
1487. Olaj, fa. 45,5x34,5

Rogier van der Weyden tanítványának, Hans Memlingnek a munkássága a 15. századi holland festészet új korszakához tartozott, amely már jelentős olasz hatás alatt állt, amint az a bemutatott portréból is látszik.

Szent Benedek a nyugati szerzetesség őse és a közössége alapját képező oklevél szerzője. Memling Benedeket fekete szerzetesi köntösben, bottal ábrázolta, amint figyelmesen olvassa a Bibliát. A szent mintha isteni szavakat suttogna. A művész ennek az aszkétának és remetenek az álarcában közvetítette azt a kifejezést, amely az olvasásban és a leírtak csodálatában elmerült ember arcán jelenik meg. Szent Benedek arcának és kezeinek lágy fekete-fehér festménye még inkább átérzi a képét, melynek csendjét, koncentrációját az ablakon kívüli esti táj visszhangozza.

Angyali Üdvözlet
MATTHIAS STOMER
1633–1637/1638 (?). Vászon, olaj. 113x166

Mattias Stomer egyike volt azoknak, akiket "karavadisztának" neveznek, vagyis Michelangelo Merisi da Caravaggio olasz művész követője, akinek festményét a holland nápolyi tartózkodása alatt láthatta. Tőle Stomer átvette többek között a chiaroscuro vonásait, amelyeket ezen a képen használt.

Szűz Máriát és a neki megjelent Gábriel arkangyalt az asztalon álló gyertya lángja világítja meg, kiragadva alakjukat a szoba félhomályából. Az ingadozó fény felerősíti az egész jelenet feszültségét, ami Mária arckifejezésében és gesztusában is kiolvasható. Ebben a fényben minden, amit Stomer ábrázol, varázslatosnak tűnik. De a művész, aki ehhez a világítási módszerhez folyamodik, nemcsak hangulatot teremt, hanem tisztán képi problémákat is megold. A szereplők kezei és arcai melegséget kapnak, és úgy tűnik, az átlátszó bőrön keresztül a vér lüktetése látszik. A néző úgy érzi, hogy nagyon közel áll ehhez az asztalhoz, vagyis tanúja annak, ami történik. Ezt a hatást a festészetben maga Caravaggio érte el, és mindenki, aki a befolyása alatt állt.

Isabella Brant portréja
RUBENS PÉTER
1625–1626 körül. Vászon, olaj. 86x62

Rubens, aki számos vásznat készített, amelyeken bőséges hús uralkodik, egyúttal a legjobb portréfestő is volt. Többnyire rokonai és többször írt, mint például első felesége, Isabella Brant. Ezt a portrét Rubens készítette röviddel halála előtt. Felesége halála után így beszélt róla egyik levelében: „Valóban, egy kiváló barátomat veszítettem el... nem volt se durva, se nem gyenge, de olyan kedves és olyan őszinte, olyan erényes, hogy mindenki szerette. él és gyászolja a halottakat."

De amíg a művész hűséges barátnője él, fiatal és vonzó, élénk, intelligens szemekkel és gyengéd mosollyal örökíti meg. Úgy tűnik, Isabellából láthatatlan fény árad. Rubens nem választja el az emberben a testit és a lelkit: a szellem átjárja az anyagot. Ezért a mester minden lehetséges módon igyekezett hangsúlyozni kedvese testi szépségét, például fehér, finom bőrét, ahogy gyakran tette, sötét bundával árnyékolta be. A piros háttér az arc pírját visszhangozza, a nyaklánc és a csipke pedig valami értékes környezetet teremt a művész szívének oly kedves feleség számára.

Lotaringiai Marguerite, Orléans-i hercegnő portréja
ANTONIS VAN DYCK
1634. Olaj, vászon. 204x117

Anthony van Dyck a királyi család számos személyét ábrázolta, de ünnepélyes pózokba foglalva őket igyekezett átadni az ábrázolt emberek belső világát.

A művész számos festményére jellemző, függőlegesen megnyúlt formátum kiemeli az ábrázolt nő fenségét és egyben kifinomultságát. A fehér, porcelánhoz hasonlóan Margarita bőrét sötét ruha árnyalja, gyönyörűen formázott feje, nyaka és bársonyszövetet válogató, hosszú ujjakkal rendelkező kezei pedig az öltözék pompája miatt még elegánsabbnak tűnnek.

A vászon több színben készült - fehér, fekete, világosbarna, húsos, ezt a diszkrét színezést élénkíti a félretolt vörös drapéria, és enyhén nyitja meg a bal oldalon a távolban elterülő tájat. A rózsák egy lány kezében a szerelmet szimbolizálhatják, vagy hangsúlyozhatják fiatalságát és vonzerejét, ami különösen jól látható még egy formális portrén is.

HANS HOLBEIN JUNIOR

A Hans Holbein által készített portrékat a nagy pszichologizmus és egyben az az általánosítás mértéke különbözteti meg, amely az ábrázoltakat a hétköznapok fölé emeli.

Sir Richard Southwell látható ezen a festményen, amely akkor festett, amikor Holbein VIII. Henrik udvari festője lett. Udvari szolgálatot teljesített, országgyűlési képviselő és katona volt, több hadjáratban is részt vett. A mű semleges háttere és szinte monokróm színvilága lehetővé teszi, hogy a néző az ábrázolt személy arcára fókuszáljon. A művész pontosan közvetíti Southwell megjelenésének minden részletét, valamint nyugodt és magabiztos karakterét, ami az életben sokat látott emberekkel történik. De a kép karaktere, bármilyen közel áll is a nézőhöz, el van szigetelve tőle: intenzíven néz a távolba, a sajátjára gondol.

Az a képesség, hogy megnyitja az ember lelkét, és ugyanakkor kissé felemelje, Holbeint a reneszánsz egyik mestereként különböztette meg.

A mágusok imádása
ALBRECHT DURER
1504. Olaj, fa. 99x113,5

Albrecht Dürer német reneszánsz művészt Wittenbergi kastélyának kápolnájába Bölcs Frigyes választófejedelem rendelte meg. Dürer éppen első olaszországi útjáról tért vissza, így az észak-európai festészet jegyei - a részletek részletgazdag ábrázolása, az élénk, ragyogó színek - itt együtt élnek az olasz festészet hatásával, amely a kompozíció perspektivikus felépítésében is kifejezésre jutott. Emellett a képen az ókori épületek romjai láthatók, összetett térterveket alkotva, ami ismét az olasz festészetre jellemző.

A Mágusok imádása Leonardo da Vinci befejezetlen, hasonló témájú, szintén az Uffiziben őrzött festményére emlékeztet. De a velenceiek közvetlen hatást gyakoroltak Durerre – Andrea Mantegnára a festmények kőbősége iránti szenvedélyével és Giovanni Bellinivel a könnyed és tiszta festészetével. Durer karakterei azonban a rá különösen jellemző pszichologizmussal vannak megírva.

A művész megható pillanatokat vezetett be az istentisztelet színterébe: a csecsemő Krisztus kinyitja a koporsót, ahol az egyik mágus által neki hozott arany fekszik, azzal a kíváncsisággal, amellyel minden gyermeket vonz az ismeretlenbe, az öreg Mágus pedig ránéz. ez a gyermek komoly és ihletett tekintettel, kissé félrebillenti a fejét. Az északi reneszánsz sok művészéhez hasonlóan Dürer sem tér el attól a részlettől, hogy a mágusok a világ különböző pontjairól érkeztek Krisztushoz, ami azt jelenti, hogy lehet köztük fekete.

A részletgazdagság ellenére a kép tele van magasztos lélekkel, lágy és egyben ünnepélyes hangulattal, amely e német mester festészetére jellemző volt.

Szent Flórián mártíromsága
ALBRECHT ALTDORFER
1520 körül. Olaj, fa. 76x67

A német reneszánsz művész, a dunai iskola vezetője, Albrecht Altdorfer munkája egy nagy festészeti ciklus része volt, amely ma már különböző múzeumokban szétszórva Szent Flórián életének jeleneteit ábrázolja.

A szent hagyomány azt mondja, hogy ez a 3-4. században élt római katona titokban áttért a keresztény hitre, és megpróbálta megmenteni a keresztényeket a felső-ausztriai földön a kivégzéstől, amiért halálra ítélték. Követ kötöttek a nyakába, és a folyóba dobták. Altdorfer Flóriánt a hídon térdelve ábrázolta, nyakában hatalmas malomkővel. Kínzók és csak bámészkodók tolongtak körülöttük. A művész a jelenet egészét alulról szemlélve mutatta be, ezért lélegzetelállító táj tárul a híd nyílásába: a folyó vize átlátszó, örvényeket formál a támaszok körül, távoli kék hegyek fulladnak napfényes ködbe, a tetején pedig egy kastély látható. Altdorfer festményein a világ varázslatosan szépnek tűnik, még akkor is, ha a mártíromságot ábrázolja. Az egész jelenetet kompozíciósan emelve a festő ezzel kifejezte Flórián bravúrjának nagyságát, a körülötte ragyogó világ pedig a szent lelki szépségét hangsúlyozza.

Önarckép
HANS HOLBEIN JUNIOR
1542. Pasztell papíron. 32x26

A művészről egy kis önarckép készült, amelyhez Hans Holbein az évek során egyre gyakrabban folyamodott. Portréin általában semleges háttéren szerepelnek a modellek, de ebben az esetben aranyszínű, ami a középkori művészetet idézi, ahol egy ilyen háttér a mennyországot szimbolizálta. Ez a technika az egész képet egyfajta magasztos tervvé alakítja.

Holbein gondosan közvetítette saját megjelenésének részleteit: széles arc, enyhén hunyorgó szemek, rövid bolyhos szakáll és egyéb vonások. Tekintetében a koncentráció, az őszinte érdeklődés látszik, ugyanakkor ez egy olyan ember tekintete, aki mindent tág látószögből lát körül. Így tekintenek a művészek a világra – közelről és hatalmas panorámaként ölelve fel.

Luther Márton és Philip Melanchthon portréja
Idősebb Lucas Cranach
1543. Olaj, fa. 16x21

Cranach német reneszánsz festő és grafikus évekig, élete végéig dolgozott Bölcs Frigyes szász választófejedelem udvarában. Wittenbergben, egy városban, amely uralkodója erőfeszítéseinek köszönhetően az európai humanizmus egyik központjává vált, a művész barátságot kötött a német protestantizmus megalapítójával és a reformáció egyik kiemelkedő alakjával, Luther Mártonnal és társával, Fülöp teológussal. Melanchthon.

A mester mindkét baráti portrét ugyanabban a stílusban festette meg: semleges háttér előtt sötét köntösbe öltözött alakokat helyezett el, és kiemelte az ábrázoltak arcát. Luther koncentráltan és elszántan a távolba néz, elmélyült magában Melanchthon. A művész mindegyik fiziognómiai jellemzőit is átadta: az egyik gömbölyű, puha arc- és nyakkörvonalú, makacs állú, a másik vékony, éles vonásokkal. Cranach mindkettőben elsősorban az emberi, egyéni kezdetet hangsúlyozza, ami különösen fontos volt az északi reneszánsz mesterei számára. A művész realizmus iránti elkötelezettségének köszönhetően a néző jól el tudja képzelni, milyenek voltak ezek a történelmet írt emberek.
De Chichon grófnő portréja.
FRANCISCO GOYA

A festmény elnyújtott formátuma és a háttérként egyre sűrűsödő sötétség különleges törékenységet kölcsönöz a grófnő alakjának, amit a világos, szürkésbarna színű, rózsaszín csíkokkal díszített, légies ruha és a szél bujkáló frizurája hangsúlyoz. . Egy lány egész képében, még ha egy királyi családé is, az ember eleven barna szemében és összekulcsolt kezében egyaránt áttetsző szomorúságot érez, amit Mária Terézia, mintha szándékosan próbálna szorosabbra szorítani. A grófnő ekkor nem a legjobb időszakot élte át életében: férje, a spanyol kormány mindenható miniszterelnöke, Don Manuel Godoy uralkodó jellegű volt, ráadásul ez a férfi a királynő szeretője volt. Goya már megfestette a grófnőt, és most, miután jól ismerte ezt a fiatal nőt, és együttérzéssel bánt vele, észrevette mélyen rejtett szomorúságát. A bejárati ajtónak tervezett portré élénk és elbűvölő embert mutat a nézőnek.
EL GRECO (DOMENIKOS THEOTOKOPULOS)
1600 körül. Olaj, vászon. 110x86

El Greco festészetét hol a manierizmusnak, hol a barokknak tulajdonítják, sőt, egyik áramlathoz sem tartozik. A bemutatott kép kifejezi a művész modorának eredetiségét.

El Greco Szent János evangélistát ábrázolta, aki Szent Ferenccel beszélget. János lábánál van a szimbóluma - egy sas, a kezében pedig az apostol egy tálat tart, amelyből egy sárkány mászik ki. A mester itt felidézi azt a történetet, ahogyan Krisztus igéjét hirdető tanítványát elfogták és Rómába küldték, ahol egy pohár mérget kapott. Miután megivta, John sértetlen maradt. A képen a kézben lévő tál a templomot szimbolizálja, a sárkány pedig, amely idővel a kígyót váltotta fel ebben az ikonográfiában, a hit által legyőzött gonosz. Ilyen hit például Szent Ferenc.

Az El Greco festészetére jellemző, megnyúlt alakok a gyertyák feletti lángokhoz hasonlítanak. A szentek lábánál húzódó föld kiemeli képeik léptékét, a háttérben pedig az ég kékje sűrű felhőkkel, amelyek mentén János és Ferenc a mennybe emelkedhetett.

Marie-Therese de Bourbon y Vallabriga portréja lóháton
FRANCISCO GOYA
1783. Olaj, vászon. 82x61

Az egyik legtitokzatosabb spanyol művész, Francisco Goya sokat dolgozott a királyi udvarban, ahol Maria Teresa de Bourbon y Vallabriga, a leendő de Chincon grófnő portréját is megfestette, lóháton és hegyvidéki táj hátterében. . Sötét felhők futnak át az égen, árnyékok futnak át a földön, és a természetet elragadja az a riasztó állapot, amely egy vihar előestéjén történik. De a fiatal nő igyekszik összeszedett lenni és szilárdan a nyeregben. Profilban van ábrázolva, ami bizonyos élességet ad megjelenésének.

A lány alakja azonban könnyed vonásokkal van kiírva, mellkasán habzik a csipke, csillog a ruha bársonyja. Mária Terézia arcát megérintette a pír, gyengédnek és áhítatosnak tűnik, zord természet veszi körül, sziklás tájjal és sziklás hegyekkel. Goyának, aki őszintén érdeklődött az emberek iránt, még ezen a vázlatszerű képen is sikerült kifejeznie az ember törékenységét és egyben erejét, ami nagyon meleg érzést kelt.

A svájci születésű Jean-Étienne Lyotard Franciaországban tanult festészetet, majd elutazott és visszatért Párizsba. Ott szerzett védőnőt Madame de Pompadour személyében, aki megadta az alaphangot a francia magas rangú társaságban. Azóta a művész megfestette a királyi család számos szépségét és az udvarban tündöklő hölgyeket. Az egyik portré a francia Marie Adelaide-ot, XV. Lajos király lányát ábrázolja.

Lyotard egy bájos fiatal lényt ábrázolt, aki a kanapén ül, könyvvel a kezében, és török ​​jelmezbe öltözött. Több Konstantinápolyban eltöltött év után a művész megkedvelte a keleti ruhákat, és maga is ezekbe öltözött. A Marie Adelaide-ot megrajzoló festő a hercegnő vékony, bársonyos bőrét és jelmezének könnyű anyagát közvetítette. Az ablak fénye úgy esik, hogy a lány arca árnyékban marad, és az arca, a kis füle, lógó fülbevalóval és a nyaka megvilágosodik, ami még gyengédbbé és meghatóbbá teszi a képet. A kanapépárnák puhasága fokozza az ezen a képen áradó boldogság hangulatát, ugyanakkor Lyotard néhány „ellentmondást” is bevezetett munkájába: Marie Adelaide álarcosbálba öltözve ül a kanapén, elmerül az olvasásban. , ami nem elég megfelel az érzékiség illatának, ami körülötte áradt. Ez az ellenpont enyhe feszültséget kelt a képben, ami a rokokó művészetre jellemző volt.
Lány tollaslabdával
JEAN-BAPTISTE SIMEON CHARDIN
1737 körül. Olaj, vászon. 82x66

A mindennapi élet költészete, annak egyetlen pillanata – ezen nyugszik Jean-Baptiste Chardin festménye. A mindennapi műfaj híve volt, filozófiai magasságokba emelték. A művész egyszerű cselekményeket választott, és arra kényszerítette a nézőt, hogy hosszú ideig nézze a festményeit, mintha ezt a „Lány tollaslabdával” nézné, ahol úgy tűnik, semmi sem történik, csak egy szelíd, pirospozsgás és orrú lény, aki megdermedt. egy tollaslabda és egy ütő a kezében. A hősnő arcán zavart és szomorú arckifejezés látható, mintha senki sem akarna partnerre lépni, vagy nem túl sikeres a játékban. Az a benyomás, hogy láthatod, ahogy az ajkai remegnek, és a szeme megtelik könnyel. Szinte gyerekkori élmények visszhangzanak a nézőben, aki ebben a műfaji jelenetben az élet apróságokban kifejeződő szépségét, összetettségét látja.

Erről és egy másik képről – a szintén a múzeumban található „Kártyazáras fiúról” – a művész honfitársa, Stendhal francia író így reagált: „Álltam és néztem őket abban a boldog állapotban, hogy csak lenni ..."

"DIRECT-MEDIA" KIADÓ:

Főigazgató: K. Kostyuk
Főszerkesztő: A. Baraghamyan
Művészeti szerkesztő: M. Gordeeva
Szöveg szerzője: I. Kravcsenko
Szerkesztő: S. Suvorova
Lektor: G. Barysheva
Tervező: P. Kallinikov
A kiadó címe: 117342, Moszkva,
utca. Obrucheva, d.34/63, 1. épület
[e-mail védett]
www.directmedia.ru